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出版者:上海音乐

作者:林华

出品人:

页数:289

译者:

出版时间:2014-08-01

价格:78.0

装帧:

isbn号码:9787552305517

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现代爵士和声教程 本书简介 一、 导言：跨越传统的和声之旅 《现代爵士和声教程》并非简单地对传统欧洲古典和声进行复述或修补，它是一部深入探索二十世纪中叶以来，爵士乐如何在继承与反叛中构建其独特和声体系的权威指南。爵士乐的和声语言，是美国文化熔炉中，非洲节奏、欧洲调性传统以及布鲁斯精神交织融合的产物。本书旨在为严肃的音乐学习者、演奏家、作曲家以及所有对现代音乐语言充满好奇的听众，提供一套系统、清晰且富有洞察力的学习路径。 本书的首要目标是打破传统和声教学中对“功能和声”的过度依赖，转而聚焦于爵士乐和声的核心驱动力：色彩、张力与解决（Tension and Resolution）的动态平衡。我们认识到，爵士乐的和声结构已经远远超出了三和弦和七和弦的范畴，进入了九和弦、十一和弦、十三和弦，以及基于调式和弦外音构建的复杂音响世界。 二、 第一部分：基础的重建与扩展 本部分着重于巩固学习者对基础和声的理解，并立即将其置于爵士乐的语境中进行重构。 1. 从布鲁斯到七和弦的根基： 我们将从布鲁斯音阶和布鲁斯进行开始，这是爵士乐一切“不和谐”的原始驱动力。深入探讨I7、IV7、V7这三个基本和弦的结构、转位及其在常用进行（如十二小节布鲁斯）中的应用。重点分析了布鲁斯音阶音符如何“染色”基本的七和弦，例如大七和弦（Maj7）中的11和属七和弦（Dom7）中的b9、9、11、b13的实际听觉效果和指法位置。 2. 调式和声的奠基： 现代爵士和声的精髓在于调式（Modes）。本书将详细解构大调音阶的七个调式——伊奥尼亚（Ionian）、多利亚（Dorian）、弗里吉亚（Phrygian）、利底亚（Lydian）、混合利底亚（Mixolydian）、爱奥利亚（Aeolian）和洛克里安（Locrian）。我们不仅提供这些调式的音高结构，更关键的是，提供其对应的爵士标准和弦（如Dorian对应m7，Mixolydian对应7），并探讨了每种调式所携带的独特“色彩”和在不同和弦功能上的替代性。 3. 扩展音程的引入： 九和弦（9th）、十一和弦（11th）和十三和弦（13th）不再是可选的装饰音，而是核心结构。本章细致地分析了这些扩展音程的添加方式——是加到根音上，还是作为替代音存在？尤其关注了如何处理11和b13在属和弦上的张力与释放，并提供了大量的钢琴和吉他和弦图例，确保读者能够立即在乐器上听到这些理论的实际效果。 三、 第二部分：功能与和弦的替代策略 爵士乐的和声进行往往比古典功能和声更具流动性和不可预测性。本部分聚焦于爵士乐手如何通过替代和弦来丰富进行，打破预期的调性框架。 1. II-V-I进行的精细化处理： II-V-I是爵士乐的心脏。本书将其视为一个实验室，探讨如何在不同的调性环境下，对这三级和弦进行极致的变奏。包括： 小调II-V-I的变奏： 侧重于Dorian、Phrygian Dominant（和弦外音的运用）以及Locrian/Altered和弦的构建。 属七和弦的替代与张力： 深入讲解三全音替代（Tritone Substitution），即V7被另一个相隔三全音的属七和弦取代，如何保持原有的导向性，同时引入新的低音运动和色彩。 色彩变化： 如何将IIm7转化为IIm7(b5)或IIm9，以及V7转化为V7(5)或V7(alt)。 2. 不协和与离调（Chromaticism and Modulation）： 本书探讨了爵士乐手如何运用离调和弦来连接不相关的调性，特别是借用和弦（Borrowed Chords）的使用，以及如何利用增和弦（Augmented Chords）制造短促的紧张感。重点分析了基于低音进行而非上声部功能的和声推进方式。 3. 结构和声与替代系统： 讨论了更高级的替代概念，例如：上属和弦替代（Upper Structure Triads），即在根音上叠加不同的三和弦来瞬间生成复杂的属九、十一或十三和弦。这对于即兴演奏者理解和弦的“天空”至关重要。 四、 第三部分：特定风格的和声印记 爵士乐并非铁板一块，不同的子流派有其独特的声音指纹。本部分将和声理论应用于具体的风格实践中。 1. 比波普（Bebop）的密度与速度： 分析了Charlie Parker、Dizzy Gillespie等大师的作品中，快速进行、大量使用扩展音（如9, b13）以及频繁的II-V-I链条。探讨了如何处理复杂的三和弦结构以适应快速的节奏。 2. 冷爵士（Cool Jazz）的调式色彩： 研究Miles Davis、Lester Young等人的作品，这些作品倾向于使用更稀疏的织体和更依赖调式（而非功能）的和声进行。重点分析了长时值的和弦停留，以及如何利用Lydian和Dorian调式来创造宁静、略带忧郁的氛围。 3. 调式爵士（Modal Jazz）的解放： 深入研究《Kind of Blue》等里程碑式的作品。核心在于和弦数量的减少和调式时间的延长。本书将分析如何在一个单一调式背景下，通过旋律和节奏的创新来维持音乐的驱动力，以及和声“停滞”下的即兴策略。 4. 前卫与融合（Avant-Garde and Fusion）： 简要触及1960年代后爵士乐的和声前沿，包括对十二音体系的吸收、非功能性进行，以及融合摇滚、放克节奏后对和弦“颗粒感”和音色的极端探索。 五、 实践应用与精选分析 本书的理论最终回归到实践。附录部分精选了多个爵士标准曲（如“All the Things You Are”、“Giant Steps”、“Stella by Starlight”等），并提供了详细的和声分析图谱。分析不仅仅是标注和弦名称，而是深入剖析作曲家选择特定和弦（而非其功能替代品）背后的美学意图。 此外，书中包含大量的练习题，鼓励读者尝试为已有的旋律进行“和声重构”（Reharmonization），将简单的II-V-I升级为更具现代感的替代进行。 结论： 《现代爵士和声教程》提供了一个全面的工具箱，帮助学习者不仅“知道”爵士乐的和弦是什么，更重要的是“理解”这些和弦为何存在，以及它们如何共同构建出爵士乐丰富、充满张力和无限可能的声音世界。它是一份持续性的参考资料，是通往更高阶音乐理解的坚实桥梁。

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对于一个想深入研究现代爵士乐即兴创作的乐手来说，这本书无疑是一本“武功秘籍”。我之前买过几本声称是“高级和声”的书，结果发现它们要么只是简单地罗列了各种和弦图表，要么就是过于学术化，让人读完后更是一头雾水。但《现代爵士和声教程》的实在之处在于它的实用性。作者在讲解特定技巧时，比如“三全音替代”的应用边界，或者如何用“模态交换”来瞬间改变听觉环境，都会给出清晰的“何时使用”和“为何有效”的解释。最让我感到惊喜的是，它对“调式融合”（Modal Interchange）的探讨非常深入，提供了很多我在其他教材中未曾见过的、更具现代感和前卫性的和声布局思路。我记得书里用一个完整的AABA曲式示范了如何逐步增加和声的密度和张力，从传统的ii-V-I到融入了Lydian Dominant和Altered Scale的复杂进行，每一步的逻辑都推导得极其顺畅。这不仅是一本教材，更像是一位资深音乐制作人手把手教你如何“调味”你的音乐，让你的作品听起来不再单调乏味，充满了高级的张力与释放。

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作为一名爵士乐教育领域的从业者，我对比过市面上大量的和声教材，大多要么过于偏重古典体系的严谨性，要么就是过于偏重纯粹的即兴技巧而缺乏理论根基。而《现代爵士和声教程》在这两者之间找到了一个近乎完美的平衡点。它的价值在于其内容的严谨性与音乐性的高度统一。书中对“和弦功能分析”的深度剖析，特别是对非传统功能和弦（如Tritone Substitutions的扩展应用）的讨论，非常有启发性。作者并非仅仅告诉我们“可以这样做”，而是深入挖掘了这种和声选择背后的听觉心理学效应——即为什么听众会对特定的和弦进行产生期待、张力或解决感。我尤其欣赏其中关于“旋律驱动和声”的讨论，它挑战了传统的“和声先行”的思维定式，鼓励学习者从大师的旋律线条中反推和声的精妙之处。这本书不仅仅是教你如何“构建”和声，更是教你如何“倾听”和声的内在逻辑，对于培养学生的高级听辨能力，具有不可替代的价值。

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我是一名自学成才的吉他手，从小靠模仿和感觉摸索至今，技术上可能还行，但和声思维一直是我心头的一块大石头。总觉得自己的和声知识停留在非常基础的七和弦阶段，一旦面对复杂的转调或者想加入一些更“时髦”的和弦色彩时，就束手无策，只能依靠死记硬背一些固定的指型。这本书的出现，简直就是为我这样的“实战派”量身定制的。它的语言风格非常亲切，没有太多高高在上的理论腔调，更像是老朋友在分享多年的心得体会。特别是关于“和弦转位”和“和弦内音的旋律化处理”那一章，作者详细分析了如何在低音线条和高音声部之间建立起有效的对话关系，这对于吉他手，尤其是需要同时兼顾旋律和节奏的乐手来说，太重要了。我按照书中的建议，开始有意识地去思考每个和弦中“根音”之外的音符是如何在旋律进行中发挥作用的，而不是简单地把它们当作即兴的音阶素材。这种思维模式的转变，让我在最近的乐队排练中，弹奏伴奏和进行和声内声部填充时，自信心大增，效果立竿见影。

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这本《现代爵士和声教程》真是让我这个多年的爵士乐爱好者大开眼界。我一直沉迷于比波普和冷爵士的经典和声体系，总觉得那些复杂的色彩和弦听起来很“对味”，但自己动手去分析和运用时，总感觉像是在摸着石头过河，缺乏一个系统、清晰的框架来指导。这本书的结构设计非常巧妙，它没有直接把我扔进那些晦涩难懂的理论术语里，而是从最基础的调式音阶和和弦构成开始，循序渐进地引入了色彩音的运用。我特别欣赏作者在讲解延伸音和替代和弦时，提供的那些大量真实的音乐片段示例。这些例子可不是那种生硬的、教科书式的分解，而是直接取自传奇大师们的演奏录音，配上作者精准的指法和和声分析，让我一下子明白了为什么某个特定的经过音或延伸音能在那一瞬间点亮整个段落。读完关于“上行色彩和弦序列”的那一章节后，我立刻尝试在我的钢琴上弹奏了一个我一直想写却写不出来的即兴段落，那种茅塞顿开的感觉，简直无与伦比。它真正做到了把理论知识转化为可操作的音乐语言，极大地丰富了我对即兴的理解深度和广度。

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这本书给我的感觉是，它终于把那些我只能在听录音时隐约捕捉到的、那些“飘忽不定”的和声灵感，清晰地、有条理地呈现在我的面前。我一直对那些能把大七和弦的“向上延伸”（Upper Extensions）运用得如丝般顺滑的钢琴家非常着迷，但当我试图自己模仿时，总觉得那些九音、十一音和十三音听起来总是很“拥挤”或者“不协调”。这本书的优秀之处在于它细致地区分了“自然九音/十三音”和“升降后的色彩九音/十三音”（如#11或b13）在使用场景上的细微差别。它用非常直观的图表和听觉描述，解释了这些音符如何为和弦带来特定的“情绪标签”——比如，什么是真正烘托出“神秘感”的，什么是带有强烈“驱动力”的。我花了一个下午的时间，专门练习了书中所提供的关于“如何在一组标准的ii-V-I进行中，通过持续变换属七和弦的色彩（从7到7#5到7b9），来制造一个小型的情感叙事弧线”的练习。这种精细到每一个音符的控制能力，是我以前通过盲目模仿无法企及的，这本书真正为我打开了一扇通往更精致、更具个性的爵士和声表达的大门。

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