具体描述
徐建明画集，ISBN：9787805740218，作者：徐建明绘
作者简介
徐建明，1954年10月生，江苏吴县人，1982年毕业于南京艺术学院美术系中国画专业，曾任该院美术学院教授、副院长。现为江苏省国画院专业画家，南京艺术学院硕士生导师，中国美术家协会会员，江苏壁画学会副会长。
1972年从师宋文治学画；
1977年作品《高歌猛进》、《战球罐》入选全国美展并被国家收藏；
1978年考入南京艺术学院，受到刘海粟、陈大羽、张文俊等画家指导，系统研究中国画；
1980年作品《响壑春融》（与宋玉麟合作）入选全国第二届青年美展获三等奖,为中国美术馆收藏；
1984年作品《希望的大地》获全国第六届美展优秀奖；同年作品《蜀道雪》获“前进中的中国青年”美展优秀奖；
1986年《峨眉雪》参加中国美协组办日本静冈县“中国百景展”；
1987年在南京博物院举办个人画展；
1988年在北京中国美术馆举办个人画展；
1989年在日本广岛为“世界海与岛博览会”作25米×3米大型山水画；
1991年出版《徐建明画集》；
1993年在江苏省美术馆举办个人画展；作品入选“纪念毛泽东诞辰一百周年全国名人名作书画邀请大展”，并获一等奖；同年香港《文汇报》专版介绍；
1994年作品获台湾“华夏艺术国际展”银奖；
1995年作品入选“江苏省山水画作品邀请展”；
1998年作品《江南古镇》入选中国美协主办的“中国山水画风景油画对比展”；作品《赤城霞》获“98江苏工笔画展”；作品《古黟山居》入选首届江苏美术节展；作品《黄山密雪图》入选首届江苏山水画展；同年作品在“全国工笔画展”中获优秀奖；
1999年青绿山水画《湖山辉映》入选全国九届美展；
2000年作品《溪山晴翠图》入选第六届中国艺术节《国际中国画大展》；
2001年作品《历经风雨精神不灭》入选建党80周年省美展；作品《泰山图》分别参加“中国大陆当代百人画展”和“中国内地水墨作品展”并于港台展出；作品《太白之巅》获“江苏省第二届山水画展”学术贡献奖；同年创作邮票小型张《武当山金顶春晓》；
2002年作品《华东览胜》、《今日大运河》获“江苏第三届壁画展”特别优秀奖；创作邮票《千山》；同年执笔65米×2．2米的长卷《三峡史诗》，获得国家领导人的好评，并由《荣宝斋》、《美术杂志》、《文汇报》出版、介绍、报导；
2004年作品《三峡瞿塘》参加全国高校名师作品展；作品《双流汇思·老子与孔子》入选建国55周年省美展；作品《大地·人间·梦》获“首届全国壁画大展”佳作奖；作品《黄岳雄峙》入选“傅抱石奖·南京水墨画传媒三年展”；
2005年作品《攀杆图》入选全国第六届体育美展；同年10余幅作品入选《中国当代美术作品全集·山水卷》；
2006年宜兴美术馆、南京太平天国博物馆举办个展；
著有《山水技法》、《青绿山水画法》、《山水临本教材》、《怎样画系列》、《黄瓜园画谱》、《水墨丹青日月年》等专著。
目录信息
读后感
用户评价
这本画册的装帧设计简直是一场视觉盛宴，纸张的选择极具匠心，那种略带粗砺感却又能完美承载油彩厚重质感的特种纸，让人在翻阅的每一页都能感受到艺术的温度。初看之下，那些风景写生便以一种磅礴的气势扑面而来，笔触的力度和色彩的饱和度拿捏得恰到好处，仿佛能嗅到松针和湿润泥土的气息。尤其欣赏作者在处理光影方面的功力，无论是清晨薄雾中远山的朦胧，还是正午阳光下树影的锐利切割，都展现出一种对自然光线深刻的洞察力。我特别留意了其中几幅以水乡为题材的作品，那不是简单的描摹，而是对江南水韵的灵魂捕捉，水面上的反光处理得灵动飘逸，几笔淡墨勾勒出的船只，寥寥数笔便尽显东方韵味。这种在写实基础上又不失个人情感投射的表达方式，使得画面不仅仅是记录，更像是一场与观者无声的对话。即便是那些偏向抽象化的构图，其内在的结构逻辑也清晰可见，显示出画家深厚的造型基础和对形式美的执着追求。总而言之，从物质到精神层面，这本画册的呈现方式都达到了极高的水准，让人爱不释手，值得细细品味每一个细节。
评分说实话，我一开始对这种集中展示的艺术作品抱持着一种保留态度，总觉得大量作品堆砌起来难免会显得重复和平庸。然而，翻开这本册子后，我的疑虑完全烟消云散了。令人称奇的是，作者在不同的创作阶段和主题切换中，保持了一种令人敬畏的稳定性和渐进式的探索欲。早期的一些作品，如那几幅带有古典主义意味的人物素描，线条的严谨和对人体结构的精准把握，让人联想起学院派的扎实训练，那是一种近乎虔诚的对“形”的尊重。随着页面的推进，风格开始变得更加奔放和个人化，特别是那些室内静物的系列，色彩的碰撞充满了现代的张力，常常是意想不到的颜色组合，却产生了和谐而又引人注目的效果。最让我震撼的是他对于“时间感”的捕捉，在某些风景画中，能明显看出他对某一瞬间光线和氛围的痴迷，笔触的疾速与慢工细琢的细节描摹交替出现，构建出一种复杂的时间层次感。这种在不同艺术语境中自如穿梭的能力，证明了其艺术视野的广度和深度。它不是单一风格的展示，而是一部不断自我挑战和超越的艺术编年史。
评分翻阅这本画集的过程，与其说是在欣赏画作，不如说是在进行一次关于媒介与表现力的深度对话。我注意到作者对不同媒材的驾驭能力令人称绝，每一种材料似乎都被他挖掘出了其最内在的潜能。那些水彩作品，透明度极高，颜料的流动几乎是自然发生的结果，水痕和晕染形成了独特的纹理，带着一种难以复制的偶然性美感；而在另一些似乎是厚涂油画的部分，纹理厚重得如同浮雕，笔触的堆积和刮擦痕迹清晰可见，充满了力量感和雕塑般的质感。这种对材料特性的深刻理解，使得每一幅作品都与其承载的主题产生了最恰当的化学反应。更值得一提的是，画册中收录的一些速写本片段，虽然只是铅笔或钢笔的简单勾勒，却精准地捕捉了人物瞬间的动态和内在的精神状态，这种从高度凝练到细节铺陈的过渡是如此自然流畅，展现了一个艺术家如何从最基础的观察中提炼出艺术语言。这证明了其艺术根基的深厚，绝非仅靠色彩或构图的小聪明所能企及。
评分我对色彩的敏感度一直不高，但接触这本画集后，我开始重新审视色彩在艺术表达中的巨大潜力。这本书里的用色极其大胆，但绝非是盲目地堆砌亮色。它更像是音乐中的和弦，那些看似不协调的颜色，在特定的区域和光线下被巧妙地融合在一起，制造出一种强烈的视觉共鸣。比如那些描绘黄昏或暴风雨来临前的天空的作品，那种深紫、铁灰与残存的橙黄色的对撞，几乎让我能听到空气中低沉的轰鸣声。这种对“情绪色”的精准拿捏，远超出了单纯的视觉愉悦。更有趣的是，作者似乎很擅长利用“留白”和“未完成感”来引导观众的想象力。一些画作的边缘处理得非常松散，仿佛随时可能消散在空气中，这反而迫使我们的大脑去填补那些缺失的细节，形成一种主动参与的阅读体验。这种高级的互动性，让观赏不再是被动的接受，而是一场需要全神贯注的探索。它教会我，艺术的高明之处，往往在于它能引导我们去看那些我们习以为常却从未真正注意到的事物。
评分从整体的阅读体验来看，这本画集成功地构建了一个完整且具有内在逻辑的艺术世界。它不是简单地将作品按时间顺序排列，而是通过巧妙的编排，形成了主题之间的呼应和张力。比如，相邻的两幅作品，一幅是极简的几何抽象，另一幅却是繁复的自然肌理的特写，这种并置产生了强烈的对话感，迫使观者思考“秩序”与“混沌”之间的辩证关系。这种策展式的编辑手法，使得画集本身也具有了独立的艺术价值。阅读至后半部分，我深刻体会到了一种从具象到抽象的回归与升华。早期的写实作品奠定了坚实的观察基础，而后来的作品则是在这个基础上进行大胆的解构和重组，不再被客观世界的束缚，转而探索内在的结构和精神的意象。这是一种艺术成熟的标志，即创作者能够从模仿者蜕变为真正的创造者。它引发了我对自身日常审美的反思：我们习惯于接受既定的美，而这本书却鼓励我们去质疑、去重新定义视觉经验。这无疑是一部充满启发性和挑战性的艺术宝典。
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