With t小室哲哉音楽対論 VOL.4

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出版者:幻冬舎
作者:TK MUSIC C
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1996年06月
价格:1427円
装帧:
isbn号码:9784877281106
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《音乐的拓扑结构:从巴赫到当代电子乐的声响几何学》 图书简介 这部厚重的专著《音乐的拓扑结构:从巴赫到当代电子乐的声响几何学》,并非仅仅是关于音乐史或风格流派的简单梳理,而是一次深入探究音乐本体结构、形式演变及其与人类感知系统之间复杂关联的理论力作。作者以一种跨越时空的宏大视角,试图揭示音乐这一艺术形式在不同历史阶段下所遵循的内在“几何学”规律,以及这些规律如何塑造了听者的审美体验。 本书的核心论点建立在“声响拓扑”这一概念之上。拓扑学,作为研究空间在连续形变下保持不变性质的数学分支,在此被巧妙地引入音乐分析。作者认为,无论是在巴赫赋格曲中精妙的对位网络、古典奏鸣曲中严格的呈示-发展-再现的结构,还是后现代音乐中无调性音高空间的重构,音乐的“形式”始终围绕着一些内在的、不随表面织体变化而改变的连接点、边界和连续性展开。 第一部分:古典主义的结构张力与“调性曲面” 全书伊始,作者首先聚焦于西方音乐的黄金时代——巴洛克与古典主义时期。但与传统教材不同,本书并未将重点放在和弦进行本身,而是将其视为一种“曲面上的路径追踪”。巴赫的对位法被解析为多维度的空间交织,每一个声部都是在预设的“音高流形”上进行的单向旅行,而它们的交汇与分离,则构成了复杂的多面体结构。 对于海顿和莫扎特,作者引入了“调性张力场”的概念。主调与副调之间的关系,不再是简单的音高距离,而是一种由听觉预期和心理惯性构建的能量场。奏鸣曲式的呈示部,被视为对这个场域的初始设定和边界划分;发展部,则是对这些既定边界进行“拓扑形变”的过程——主题在保持其核心特征(如节奏动机、旋律轮廓)不变的前提下,被拉伸、扭曲、折叠,直到它在再现部重新“收敛”回初始的稳定态。这种收敛并非简单的重复,而是一种在经历了复杂形变后的回归,其听感上的“完整性”远超表面的复述。 第二部分:浪漫主义的“非欧几何”与情感的无限延伸 进入浪漫主义时期,作者指出,随着和声语言的极度扩张和个人情感表达的绝对优先,音乐的“拓扑结构”开始偏离古典主义的欧几里得式简洁。李斯特、瓦格纳等人的作品,展现出一种“非欧几何”的倾向。 和声的模糊化和色彩化,使得“调性中心”的吸引力减弱,空间感变得扁平或被无限拉伸。例如,瓦格纳晚期作品中对“中止”的滥用,实际上是在不断地推迟对既定音响结构的“闭合”,制造出一种永恒的、未完成的叙事张力。这种处理方式,迫使听者接受一个不再有清晰“原点”和“终点”的音乐空间,情感的体验因此获得了前所未有的自由度,但也带来了结构上的不确定性。 第三部分:二十世纪的“离散化”与声响的解构 二十世纪是音乐结构发生“断裂”的时代。作者详细探讨了德彪西的印象主义如何通过模糊化泛音列,将传统的“音高点”转化为弥散的“声响云团”;勋伯格的十二音体系,则被视为对传统调性流形的“彻底抛弃”和对音高集合的“重构公理化”。 在对位分析中,勋伯格的序列不再是旋律,而是构成了一个具有严格内在约束的“音高矩阵”。然而,这种公理化带来的严密性,也伴随着听觉上的“离散化”——听者难以再从连续的线性流程中获取意义,而必须转而关注音高元素在集合内部的排列和间隔。 更进一步,作者对斯特拉文斯基、巴托克等人的节奏创新,也使用了拓扑学的观点进行解析。复杂的复节奏和非对称节拍,打破了时间轴上的均匀刻度,使得音乐时间感本身成为一个可塑的、具有奇点和断裂的“时间拓扑”。 第四部分:当代电子乐与“超声场”的构建 全书的最后部分,将目光投向了当代音乐的“拓扑前沿”——电子音乐和噪音音乐。作者认为,这些领域彻底解放了“音源”的物理限制,使得作曲家可以直接操控声波的物质形态,从而构建出前所未有的“超声场”。 从早期磁带音乐的波形剪切,到当代模块合成器对复杂调制函数的运用,电子乐作曲家本质上是在重新定义“空间”本身。他们不再受限于乐器制造的物理约束,而是能够创造出在自然界中无法稳定存在的音响结构。例如,白噪音的“均匀分布”可以被视为一种“声响空间的均匀化”;而频率调制(FM)合成器产生的复杂泛音结构,则可以被视为在高维空间中进行的“声学螺旋”。 本书以其对数学、物理学与音乐理论的深度交叉融合,为理解音乐的深度结构提供了一套革命性的分析工具。它迫使读者跳出传统的旋律、和声、配器等表层分析框架,去追问:究竟是什么样的“不变属性”,使得一首巴赫的赋格与一首极简主义的重复段落,尽管表面相去甚远,却都能在人类心智中激发起对“秩序”与“形式”的深刻感知?《音乐的拓扑结构》提供的,正是一张通往这一深层奥秘的几何地图。

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