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出版者:志文

作者:(德) 赫菲爾(Friedrich Herzfeld)

出品人:

页数:0

译者:李哲洋

出版时间:1976

价格:0

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isbn号码:9789575451332

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《西方戏剧史纲》 第一章 戏剧的起源与古希腊的辉煌 西方戏剧的源头可以追溯到古希腊的宗教仪式，特别是对酒神狄俄尼索斯的祭祀活动。这些仪式逐渐演变成了一种具有叙事性和表演性的艺术形式。本章将深入探讨戏剧在古希腊社会中的地位及其对后续西方文化产生的深远影响。 1.1 狄俄尼索斯崇拜与戏剧的萌芽 考察酒神祭祀中合唱队（Chorus）的产生及其在叙事中的作用。分析早期悲剧和喜剧的雏形，如何从单纯的祭祀活动中分离出来，成为一种独立的艺术表现。重点介绍最早的剧作家泰斯庇斯（Thespis），他被认为是第一个走上舞台的“演员”，标志着戏剧的正式诞生。 1.2 雅典悲剧的黄金时代 本节聚焦于公元前5世纪雅典城邦鼎盛时期，三位伟大悲剧作家——埃斯库罗斯（Aeschylus）、索福克勒斯（Sophocles）和欧里庇得斯（Euripides）的创作。 埃斯库罗斯与神性的宏大叙事： 分析《俄瑞斯忒亚》三联剧，探讨其对命运、正义与神谕的深刻思考，以及他对舞台技术（如“天幕机”）的革新贡献。 索福克勒斯与人性的复杂性： 深入解读《俄狄浦斯王》和《安提戈涅》，阐释人物如何在不可抗拒的命运面前展现出崇高的抗争精神和内在的道德困境。讨论合唱队在索福克勒斯戏剧中作用的转变。 欧里庇得斯与现实主义的先声： 研究他如何通过对神祇的质疑和对女性角色的深入刻画（如《美狄亚》），挑战传统观念，引入更具人性弱点的角色。 1.3 古希腊喜剧的讽刺力量 着重分析古希腊喜剧的两种主要形式：古喜剧（Old Comedy）和新喜剧（New Comedy）。 阿里斯托芬的政治讽刺： 剖析阿里斯托芬（Aristophanes）作品中对当代政治家、哲学家和战争的辛辣讽刺，如《利西斯塔塔》。探讨其夸张、粗俗而又极富想象力的戏剧手法。 墨南德与日常生活： 介绍新喜剧的转向，关注墨南德（Menander）作品中对家庭伦理、爱情纠葛和普通市民生活的描绘，为后世罗马喜剧奠定了基础。 1.4 古希腊戏剧的结构与剧场环境 详细描述古希腊圆形露天剧场的建筑结构（如观众席、乐池、舞台建筑），以及戏剧表演的仪式性特征。探讨“三一律”（时间、地点、行动）的早期萌芽及其在古希腊戏剧实践中的体现。 --- 第二章 罗马戏剧的继承与发展 古罗马继承了希腊戏剧的传统，但将其与自身文化特点相结合，发展出独特的戏剧风格，尤其是在喜剧和通俗娱乐方面。 2.1 早期罗马戏剧的拉丁化 介绍早期罗马戏剧家李维乌斯·安德罗尼克斯（Livius Andronicus）如何将希腊作品翻译成拉丁文，奠定了拉丁戏剧的基础。 2.2 罗马喜剧的双璧：普劳图斯与泰伦斯 普劳图斯的市井喜剧： 分析普劳图斯（Plautus）如何以其机智的语言、夸张的情境和对奴隶角色的喜爱，创作出大量深受平民喜爱的喜剧，如《一罐金子》。探讨其对即兴表演和音乐的依赖。 泰伦斯的精致化： 对比泰伦斯（Terence），分析他如何继承希腊新喜剧的精致结构，减少粗俗幽默，更注重人物心理的刻画和道德主题的探讨。 2.3 罗马悲剧的衰落与塞涅卡的“书房悲剧” 探讨罗马本土悲剧创作的相对匮乏。重点研究塞涅卡（Seneca）的九部悲剧，分析其血腥、复仇、强烈的修辞风格，以及对后世伊丽莎白时代悲剧（如莎士比亚）的影响。这些剧作更多是为阅读而非演出而写。 2.4 弥散的表演艺术：哑剧与米姆 考察在罗马帝国后期，戏剧重心如何从结构完整的悲喜剧转向更具通俗性和即兴性的表演形式，如哑剧（Pantomime）和米姆（Mime），以及它们对早期民间娱乐的影响。 --- 第三章 中世纪的“教会之光”与世俗化的萌芽 西罗马帝国崩溃后，戏剧艺术在欧洲大陆几乎沉寂。直到教会重新发掘和利用戏剧作为教化工具，才迎来了戏剧的复兴。 3.1 教堂礼仪中的戏剧复苏 分析“复活节的问候”（Quem Quaeritis?）等拉丁语短剧如何从弥撒仪式中分离出来，成为最早的中世纪戏剧雏形，旨在向不识字的信众形象地传达圣经故事。 3.2 宗教剧的兴盛与民间化 本节详细描述宗教剧（Liturgical Drama）如何发展出“神秘剧”（Mystery Plays）、“道德剧”（Morality Plays）和“奇迹剧”（Miracle Plays）。 神秘剧： 以圣经故事为核心，探讨其从教堂内部走向城市广场的迁徙过程，以及其对地方行会（Guilds）组织演出的依赖。分析舞台形式——“游行舞台”（Pageant Wagons）。 道德剧： 阐释道德剧的寓言性质，探讨诸如“Everyman”（每一个人）这类剧作如何拟人化“美德”与“罪恶”，以教化观众如何获得救赎。 3.3 世俗戏剧的开端 考察在中世纪晚期，世俗主题开始渗透到戏剧中。分析“狂欢剧”（Farce）的出现，其以滑稽、粗俗的日常生活场景为题材，预示着文艺复兴时期喜剧的回归。 --- 第四章 文艺复兴的巨变：意大利的理性与英国的爆发 文艺复兴时期，戏剧艺术从神学束缚中解放出来，重新回归到对古希腊罗马经典的理性研究与对人性的自由探索之中。 4.1 意大利文艺复兴：古典主义的复兴 重点分析意大利学者对亚里士多德《诗学》的重新发现与解读，以及由此产生的“古典主义三一律”规范的形成。 理论的形成： 探讨以提索（Tasso）和格拉齐尼尼（Grazzini）为代表的理论家如何确立戏剧的“三一律”法则，以及对“高雅”与“低俗”题材的严格划分。 意大利正剧与喜剧： 分析马基雅维利（Machiavelli）的《曼德拉草》等作品，展现世俗权力、欺骗与人性的复杂主题。 即兴喜剧的诞生： 深入研究“即兴喜剧”（Commedia dell'Arte）的特征——面具、固定角色类型（如阿尔勒基诺、潘塔罗内）和即兴表演的活力，及其对欧洲舞台表演的革命性影响。 4.2 伊丽莎白时代的戏剧黄金期 本章着重分析英格兰戏剧，特别是伦敦环球剧院的繁荣景象，这是西方戏剧史上一次空前的爆发。 剧场的革新： 描述伊丽莎白时期剧场的建筑特点，如露天舞台、没有布景的“想象舞台”，以及男女角色由男童扮演的现象。 克里斯托弗·马洛的英雄主义： 分析马洛（Marlowe）对“过分英雄”（Overreacher）的刻画，如《浮士德博士的悲剧》，探讨其对人类野心与知识欲望的探索。 莎士比亚的集大成： 全面审视莎士比亚（Shakespeare）的伟大成就。分析其如何打破古典主义的束缚，融合悲剧与喜剧元素，创造出前所未有的心理深度和语言的丰富性。重点分析其历史剧、悲剧（如《哈姆雷特》、《李尔王》）和喜剧的结构与主题。 本·琼生的社会批判： 对比琼斯（Ben Jonson）作品中对人性弱点（如贪婪、虚荣）的冷峻讽刺，及其对“习性喜剧”（Comedy of Humours）的贡献。 --- 第五章 法国古典主义与欧洲宫廷戏剧 17世纪，法国戏剧在路易十四宫廷的支持下，发展出高度规范化、注重理性和教化的古典主义体系。 5.1 法国古典主义的理论基础 探讨在马莱布（Malherbe）和布瓦洛（Boileau）的影响下，古典主义三一律（时间、地点、行动）如何在法国被严格奉为圭臬，强调“合乎情理”（Vraisemblance）和“庄重”（Bienséance）。 5.2 伟大的悲剧作家：高乃依与拉辛 高乃依的意志与责任： 分析高乃依（Corneille）的作品（如《熙德》），探讨其对个人意志战胜情感障碍的赞扬，以及对荣誉和责任的推崇。 拉辛的激情与宿命： 深入研究拉辛（Racine）如何将希腊悲剧的心理张力推向极致，其作品中人物被无法抗拒的激情所摧毁（如《费德尔》），展现了人性的脆弱。 5.3 莫里哀的喜剧艺术 本节专门分析莫里哀（Molière）如何将意大利即兴喜剧的活力与古典主义的结构相结合，创造出具有永恒价值的讽刺喜剧。分析其对社会虚伪、财富崇拜和医生角色的辛辣批判（如《伪君子》、《悭吝人》）。 --- 第六章 从启蒙运动到浪漫主义的转向 18世纪，随着资产阶级力量的崛起，戏剧开始关注中产阶级的伦理和情感，为现实主义的到来做准备。 6.1 18世纪的“中产阶级戏剧” 考察启蒙思想家对戏剧的要求。分析法国的狄德罗（Diderot）和德国的莱辛（Lessing）如何倡导“严肃喜剧”（Drame Bourgeois），强调戏剧应探讨家庭美德和市民的道德困境。 6.2 德国的狂飙突进 重点分析席勒（Schiller）和歌德（Goethe）在魏玛时期对戏剧的贡献。探讨他们如何融合古典形式与浪漫主义的激情，追求自由、人性和普世价值，例如歌德的《浮士德》（作为一部跨越时代的戏剧巨著）。 6.3 浪漫主义的解放与抒情化 分析浪漫主义思潮（如雨果在法国的戏剧宣言）对古典主义规范的反叛。浪漫主义戏剧强调情感的自由抒发、历史题材的运用、对怪诞与崇高的追求，以及对舞台布景技术提出的新要求。 --- 第七章 现实主义的崛起与社会批判的深化 19世纪下半叶，工业革命的社会矛盾日益尖锐，戏剧迎来了对真实生活毫不妥协的反映——现实主义。 7.1 现实主义的理论基石 探讨自然主义（Naturalism）作为现实主义的极端化形式，如何主张戏剧应像“实验室观察”一样精确记录社会环境对人物命运的决定性影响。 7.2 易卜生的社会问题剧 深入剖析挪威剧作家亨利克·易卜生（Henrik Ibsen）的革新作用。分析其如何将家庭内部的道德冲突推向公开审判，探讨女性的解放、社会习俗的虚伪（如《玩偶之家》、《群鬼》）。 7.3 契诃夫的内在戏剧 对比俄罗斯的安东·契诃夫（Anton Chekhov），分析其如何超越易卜生式的直接冲突，转向对日常琐碎生活中人物潜意识的捕捉，以“潜文本”（Subtext）和悲喜交织的氛围来揭示时代精神的迷茫。 7.4 剧场革命：斯坦尼斯拉夫斯基体系的诞生 简要介绍康斯坦丁·斯坦尼斯拉夫斯基（Konstantin Stanislavski）对“体验派”表演理论的奠基工作，以及他对演员“为戏中人而活”的实践要求，这是现代戏剧表演的基础。 --- 第八章 现代戏剧的实验与反思 进入20世纪，面对快速变化的社会和心理学的发展（如弗洛伊德），戏剧挣脱了现实主义的束缚，进入了多元探索的现代阶段。 8.1 象征主义与表现主义的冲击 象征主义的内在世界： 分析梅特林克（Maeterlinck）等如何摒弃外部情节，专注于意象、氛围和潜意识的表达。 表现主义的扭曲现实： 考察德国表现主义如何通过夸张、变形的舞台形象和主观的视角，来控诉现代工业社会的异化和人性的压抑。 8.2 荒诞派的“无意义”剧场 本节核心关注二战后出现的“荒诞派戏剧”（Theatre of the Absurd）。深入分析贝克特（Beckett）和尤内斯库（Ionesco）的作品，探讨语言的失效、时间和情节的瓦解，以及对人类生存境遇的哲学式追问（如《等待戈多》）。 8.3 史诗剧与戏剧政治化 全面介绍德国剧作家贝尔托·布莱希特（Bertolt Brecht）的“史诗剧”理论。分析其“间离效果”（Verfremdungseffekt, V-Effekt）的目的，即如何通过舞台手段（如直接叙述、插曲）打破观众的沉浸感，促使他们进行社会批判和思考。 8.4 后现代戏剧的碎片化与多元化 简述后现代戏剧对宏大叙事的解构，对传统角色概念的挑战，以及对剧场空间、观众参与等元素的持续探索。 --- 结论：西方戏剧的永恒回响 总结西方戏剧自古希腊至今，在题材选择、结构形式和表演理念上经历的循环与演变，强调戏剧作为人类精神和时代焦虑的忠实记录者的持久价值。

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说实话，我原本以为会是一本比较晦涩难懂的音乐理论大部头，没想到这本书的叙事节奏把握得极其到位，简直像是在听一场精心编排的音乐会导赏。作者的笔触时而如清晨的薄雾般细腻婉转，描绘巴洛克时期那精巧复杂的织体；时而又如德彪西的音画般朦胧迷离，将印象派音乐那种捕捉瞬间光影的技巧娓娓道来。最让我印象深刻的是，作者在介绍不同音乐流派的更迭时，总是能精准地抓住那个时代的社会思潮作为背景支撑。比如，浪漫主义如何是对启蒙理性主义的一种反动和回归个体情感的宣言，这一点分析得极其精辟，让那些听起来情绪饱满的交响乐瞬间有了深刻的历史注脚。我以前听李斯特的炫技作品，总觉得那是单纯的炫耀技巧，但读了这本书后，才明白那背后是音乐家试图突破既有形式、表达无限精神空间的呐喊。这本书的优点在于，它成功地搭建了一座“通俗”与“深度”之间的桥梁，让专业术语不再是高高在上的壁垒，而是理解音乐深意的阶梯。读完之后，再去听任何一张古典音乐唱片，都会感觉自己像是拥有了一副“透视镜”，能看穿音符背后的所有布局和意图，非常过瘾。

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这本书的阅读体验是那种静谧而沉浸式的，它更像是一本精致的文学作品而非传统的历史教材。我个人尤其欣赏作者对于“人”的刻画，他似乎更专注于捕捉那些音乐巨匠们在创作低谷时的迷惘与重拾灵感的瞬间。比如，他对马勒晚期作品中那种对生命终极意义的追问，描述得极其感性，那种带着颤抖的生命力，通过文字传递出来，我都能感受到空气中弥漫的苍凉与壮美。这种细腻的心理描写，使得那些遥远的历史人物突然变得触手可及，仿佛他们就在我身边，正对着我倾诉他们的心声。而且，作者在提及那些重要的音乐事件时，总能穿插一些鲜为人知的轶事，这些小故事像是给严肃的音乐史增添了人情味和戏剧性，让阅读过程充满了惊喜。举个例子，关于某个首演现场观众的夸张反应，或者某位作曲家与赞助人之间微妙的权谋，都让这本书读起来像侦探小说一样引人入胜。对于我这种需要情感共鸣的读者来说，这本书的价值远超信息罗列，它是一部关于人类创造力与脆弱性的赞歌，值得反复品味，每一次都能挖掘出新的情感层次。

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这本书简直是打开了新世界的大门，让我对古典音乐的理解提升到了一个新的层次。作者的叙事功力着实了得，他没有采用那种枯燥的年代编年史，而是巧妙地将音乐家的生平和他们所处的时代背景交织在一起，读起来丝丝入扣。比如，他对贝多芬在失聪边缘的挣扎，以及这种痛苦如何转化为震撼人心的作品，描绘得入木三分，我仿佛能感受到那份与命运抗争的巨大力量。再比如，莫扎特那天才横溢却又带着一丝悲剧色彩的一生，在作者笔下显得格外鲜活和立体，不再是教科书上那个脸谱化的神童形象。我特别喜欢作者在分析乐曲时那种深入浅出的方式，他能用最朴素的语言解释那些复杂的对位法或者和声进行，让我这个非科班出身的听众也能领略到音乐结构的美妙。这本书不仅仅是音乐史的梳理，更像是一部部关于人类精神探索的史诗，它让我重新审视了那些耳熟能详的作品，每一次重听，都有了全新的感悟。这本书的装帧设计也很考究，纸张的质感和字体排版都透着一股对艺术的敬畏，拿在手里就觉得分量十足。对于任何想深入了解西方音乐精神内核的人来说，这都是一本不容错过的珍宝，它教会我如何“听”音乐，而不仅仅是“听到”音乐。

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这本书的作者显然是一位拥有深厚人文素养的学者，他将音乐史置于整个西方文化脉络中进行考察，使得这部作品的视野极为开阔。我注意到，书中多次探讨了音乐与其他艺术形式，如建筑、文学、哲学之间的相互影响。例如，作者对十九世纪末新艺术运动（Art Nouveau）对音乐形式的影响分析，就非常具有启发性，他指出那种有机生长的、流线型的设计美学是如何体现在某些作曲家的和声进行中的。这种跨学科的视角，极大地丰富了我对“艺术”本身的理解，让我意识到，所有伟大的创造都是相互渗透、彼此呼应的。此外，这本书的行文风格带着一种古典的优雅和严谨，句式结构复杂却又不失流畅，读起来有一种被智力挑战的快感。它迫使我慢下来，仔细咀嚼每一个论断背后的论据，而不是囫囵吞枣地接受结论。这本书更像是一份邀请函，邀请读者进入一个由声音、历史与哲学交织而成的宏大殿堂，去探索人类精神能够达到的至高境界。它不是一本可以轻松读完的书，但它的回味无穷，绝对物超所值。

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我必须指出，这本书的结构布局简直是一门艺术，它没有采用时间顺序的僵硬框架，而是以主题和风格的演变为主线进行串联。这种非线性的叙述方式，极大地避免了阅读疲劳，同时也让不同时期、不同风格的音乐之间的“对话”变得清晰可见。作者非常擅长做横向的比较分析，比如他会把盛期古典主义时期音乐的清晰对称美，与晚期浪漫主义时期那种极度夸张的个人情感表达进行对照，让读者清晰地看到音乐语言是如何随着时代的需求而“进化”的。我喜欢这种跳跃式的阅读体验，它允许我根据自己的兴趣点深入某个特定的流派，而不用担心错过全局。此外，书中对音乐“语汇”的解释也做得非常到位，很多以前只是听过但从未深究的术语，比如“奏鸣曲式”或“赋格”，都在作者的解释下变得清晰明了，不再是令人生畏的符号。这本书的价值在于，它提供了一个高屋建瓴的视角，让你不仅知道“谁在什么时候写了什么”，更重要的是理解了“为什么他们要以那种方式去写”。这对于提升个人的音乐鉴赏力是革命性的。

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