具体描述
《我读石涛画语录:艺术类》版本采用荣宝斋出版社2004年版。石涛(1642～1707)是清初画坛革新派的代表人物口原名朱若极’明靖江王朱赞仪后裔，削发为僧后，自称苦瓜和尚。他作画时根据个人独特。的感受创造相应的画法，追求从古人入，从造化出的艺术境界，凡山水、人物、花果、兰竹、梅花，无不精妙。《画语录》是石涛的绘画专论，语言晦涩，深奥难读。吴冠中对《画语录》逐字逐句译述，并加上必要的解释与评议，阐明石涛的创作意图与创作心态，尤其重视其吻合现代造型规律的观点。书末还附有《画语录》的两个版本——《美术丛书》影印本《苦瓜和尚画语录》和大涤堂刻本《画谱》。
作者简介
目录信息
读后感
石涛既于画成就极高，也是少有的书画理论家，《石涛画语录》十八章文字寥寥，意深词涩，玄之又玄。其中“一画”、“尊受”、“蒙养”、“资任”等概念尤为常人不解。历来山水画论解析者中吴冠中为善。吴在此书自序中道:石涛与梵高，他们的语录与书信是杰出作者的实践体...
评分 评分石涛既于画成就极高，也是少有的书画理论家，《石涛画语录》十八章文字寥寥，意深词涩，玄之又玄。其中“一画”、“尊受”、“蒙养”、“资任”等概念尤为常人不解。历来山水画论解析者中吴冠中为善。吴在此书自序中道:石涛与梵高，他们的语录与书信是杰出作者的实践体...
评分 评分吴冠中先生认为这画语录是国宝，是“世界美术发展史上一颗冠顶明珠”。明珠而且冠顶。1995年的吴老凭其艺术经验和感悟说的这番话应该是经得起时间检验的。 石涛的这些话我觉得不仅是该读和学，其实还应该是每个学绘画的学生都应该背会的。
用户评价
每次拿起这本书，都感觉像是在进行一场关于精神重塑的修行。它最吸引我的地方在于，它毫不掩饰地展现了一种对“俗气”的鄙夷和对“真我”的追求。那种对陈规旧律的蔑视，对墨守成型的抗拒，读起来让人热血沸腾。书中关于“点染之间，不可有滞涩之意”的告诫，让我反复咀嚼了很久。这不仅仅是关于笔触要流畅，更是关于思维不能被困住。我开始反思自己过去的一些创作习惯，发现很多时候是自己先在心理上给自己设下了框架，然后才在画布上实现这些限制。这本书就像一面镜子，照出了我内心深处那些不必要的束缚和犹豫。它的语言风格是那种带着强烈个人色彩的，充满了激情和一种近乎偏执的执着，丝毫没有学究气。这种真性情，才是艺术的源头活水。读完后，我甚至会放下笔墨，单纯地去观察窗外的云影变化，试图从中捕捉到作者笔下那种“随心所欲不逾矩”的境界。它带来的影响是全方位的，让我的审美趣味都有了显著的提升，开始欣赏那些看似粗粝，实则蕴含深意的表达。
评分这部作品对我来说，更像是一部古代艺术家精神世界的“私房记录”，它没有太多公开宣讲的架子，更多的是一种心与心的对白。我特别喜欢书中那种对“偶然性”的尊重，那种把笔墨失控视为灵感降临的坦荡。这与现代社会过度追求可控性、完美性的文化氛围形成了鲜明的对比。在阅读这些记录时，我仿佛能听到作者在创作过程中发出的低语，关于对材料的敬畏，对瞬间的把握。它的文字犹如未经修饰的岩石，粗粝却充满力量。与其他艺术著作的平铺直叙不同，它的结构本身就充满了张力和韵律，时而急促，时而舒缓，这种阅读上的“节奏感”，其实就是作者创作心境的直接投射。它迫使我走出舒适区，去拥抱创作中的“错位”和“意外”，而不是一味地修补和隐藏。这本书的深远影响在于，它让我不再惧怕失败和不完美，而是视之为作品生命力的一部分，这种心态的转变，比学会任何一种绘画技法都来得重要和持久。
评分自从接触了这本书，我对传统笔墨的理解彻底被颠覆了，这哪里是教人画画的指南，分明是一部关于生命哲学的启示录。书中的观点极其锐利，直指人心，尤其是谈及“有无相生”那一段，让我醍醐灌顶。它不是简单地强调“留白”的美学，而是深入探讨了虚实之间的辩证关系，让我意识到，画面中的“无”处，往往蕴含着比“有”处更强大的张力。这种思考方式，直接延伸到了我对生活的理解上：我们总是在追求拥有，却忽略了放下和空无带来的力量。阅读体验上，它的节奏把握得极好，时而如大江东去，气势磅礴，直抒胸臆；时而又像山涧溪流，细密而富有韵律感，引导读者逐步深入到那个特定的心境之中。我甚至发现，这本书的结构本身就是一种“变化”的体现，没有固定的章节体例，更像是一组组灵感的碎片被打捞上来，却又奇妙地相互支撑。对于那些只停留在技法层面，渴望快速上手的初学者来说，这本书或许有些“过于深刻”，但对于那些已经有一定基础，正在寻找突破瓶颈的“过来人”而言，它简直就是一剂猛药，能瞬间激发沉睡已久的创造力。
评分这本画论集简直是为我打开了一扇通往艺术精神的秘境之门，我拿着它，总觉得手上捧着的不是一本寻常的书籍，而是一份沉甸甸的、历经风霜的古老智慧。初读之下，那种扑面而来的，是笔墨间那种恣肆汪洋、不拘一格的气概，仿佛能从纸页上嗅到浓烈的松烟和陈年的墨香。它不像某些理论那样高高在上，动辄抛出晦涩难懂的术语，而是用一种近乎喃喃自语的方式，讲述着创作的“心法”。我尤其欣赏其中关于“变化”的论述，那种鼓励超越既有范式的勇气，让人在面对自己的创作困境时，不再畏首畏尾。记得有一次临摹古代名作，总觉得形似而神不似，翻开此书的某几页，忽然间对“胸中有丘壑”有了更深的理解，不再执着于细节的描摹，而是去捕捉那种由内而外散发出的生命力。这本书的文字本身就带有极强的画面感，读起来就像是在听一位饱经风霜的智者，在深夜的灯下，娓娓道来他对于山川、对于自然的独特感悟，那种自由不羁，那种对俗世的超然，深深地触动了我这个终日被城市喧嚣所困扰的现代人。它教会我的，是如何在日常的琐碎中，提炼出属于自己的“意”，这是任何技术层面的指导都无法比拟的宝贵财富。
评分这本书的价值，在于它提供了一种“逆向思维”的艺术观照方式。它并没有教你如何“画得像”，而是教你如何“活得像”一位真正的创作者。我最欣赏它探讨的“自性”与“物性”的关系，那种强调主体意识在创作中的绝对主导地位，是极其有力的宣言。很多时候，我们被物象（比如具体的山水形态）所奴役，试图去复制它，而这本书则鼓励我们去驾驭物象，让物象成为我们表达内在精神的载体。从文字的排布和选取上，就能感受到作者强烈的个人意志，仿佛他正在对着空气挥毫，每一个字都是一笔重重的皴擦。它的阅读体验是需要投入精力的，因为它不像那些流程化的教程，读完就能立刻看到效果。相反，它要求读者进行大量的反刍和内化，每次重读，都会因为自身阅历的增加而产生新的理解层次。对于那些追求艺术深度的人来说，这种需要反复挖掘才能品出其真味的文本，才更显珍贵，因为它提供的不是一次性的快感，而是一种长期的精神伴侣。
评分邹德侬先生推荐的书。
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评分无法生有法，有法贯众法。
评分邹德侬先生推荐的书。
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