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页数:37

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出版时间:2008-2

价格:36.00元

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isbn号码:9787533024260

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《宋元山水画的笔墨语言与时代精神》 内容简介 本书深入剖析了中国宋代和元代山水画的发展脉络、核心美学范式及其在特定历史语境下的文化意义。这不是一本技法指导手册，而是对中国绘画史上两个关键时期——古典主义巅峰与文人画崛起的——进行系统梳理与深度解读的学术专著。 全书分为六个主要部分，力求从理论构建、风格演变、图式分析到个案研究，多维度揭示宋元山水画的内在逻辑。 --- 第一部分：宋代山水画的“格律”与“宇宙观” 本部分聚焦于北宋恢弘的气象与南宋精微的观察。我们将详细探讨北宋“范宽体”的雄伟构造，分析李成、郭熙等人如何构建具有哲学深度和宇宙秩序感的“全景式”山水。重点解析“可游、可居、可观”的美学原则在李唐、刘松年等院体画家作品中的具体体现。 技法解析侧重： 侧重于“皴法”的理论性探讨，如披麻皴、斧劈皴的结构功能，而非具体描绘步骤。探讨如何通过墨色的浓淡干湿来表现“气”与“理”，即宋人对自然本体的理解。 时代精神： 考察宋代士大夫阶层对“格物致知”的追求如何投射到对山水的精确描绘中，以及院体画如何承担起官方审美与教化功能。 --- 第二部分：南宋院体的精微与“意在笔先”的深化 南宋时期，随着政权南迁，山水画风趋向于对局部景物的深入捕捉和对光影气氛的营造。本章详细对比了马远与夏圭的“边角式”构图（“马一角”、“夏半边”），探讨这种构图如何表达南宋士人的局限性感受与内敛的情感。 “界画”在宋代的地位： 探讨如李诫《营造法式》对院体画中建筑描绘的影响，分析界画如何作为一种精确的科学观察手段服务于山水画的构建。 水墨的突破： 重点研究南宋水墨画如何超越青绿设色的程式，以纯粹的墨韵来表现水气的流动和雾霭的迷离，为元代文人水墨奠定基础。 --- 第三部分：元代文人画的自觉与山水的“我化” 元代是山水画史上一个里程碑式的转折点，文人画体系的正式确立，使得山水不再仅仅是客观再现，而成为画家主体精神的载体。本部分是全书的重点之一。 “元四家”的地域与师承差异： 深入分析黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四家各自的笔墨语言和思想根源。重点阐释黄公望的“简淡自然”如何从宋人繁复的笔墨中解放出来。 “元气淋漓”的理论构建： 剖析赵孟頫“笔墨当随时代”的论断，以及其对“复古主义”的提倡如何影响了后世对唐、五代笔墨的重新解读。探讨他们如何将书法笔法（如折带皴、牛毛皴）彻底融入山水画的肌理建构中。 --- 第四部分：图式与笔墨的哲学内涵 本部分将视角从时代风格转向具体的绘画元素，解析宋元画家在结构和笔墨运用上的哲学意图。 皴法的“符号化”： 探讨宋代的“界笔”向元代的“写笔”转变过程中，皴法如何从描述对象（如山石的质地）转向表达心境（如个体的性格）。例如，倪瓒笔法的“干枯”与“稀疏”如何象征其遗世独立的隐逸情怀。 “留白”的玄学意义： 分析宋代的“云烟氤氲”与元代的“空寂”留白之间的区别。宋人的留白常用于处理空间层次和湿润气氛，而元人的留白则更多地被视为“虚”与“无”的表达，是道家“虚静”思想的视觉体现。 --- 第五部分：山水画中的“学古”与“创新”的辩证关系 宋元两代对前代传统的继承与发展构成了绘画史的主旋律。本章将详细梳理元四家如何从宋人画法中汲取营养，并进行彻底的“内化”与“重构”。 董源、巨然在元代画学中的地位重估： 强调江南画派（董巨）如何被元代文人视为“古法”的正宗，以及这种回溯对明清山水画的深远影响。 个性化笔墨的成熟： 探讨诸如王蒙那般将多重皴法融会贯通，以复杂、繁密的笔触来表现深邃的思想内涵，标志着山水画由“观物”到“抒怀”的彻底转型。 --- 第六部分：宋元山水画的审美遗存与对后世的影响 最后一部分将总结宋元山水画在美学上的贡献，特别是其如何塑造了后世（明清）对“中国画”的定义。 对“逸品”的推崇： 分析院体画的“庙堂之高”如何与文人画的“江湖之远”相互映衬，共同确立了中国艺术对“士气”和“风骨”的永恒追求。 藏画与鉴藏体系的形成： 简要提及宋徽宗的画院体制和元代文人间的交流如何促进了绘画理论和鉴赏标准的建立，这些标准至今仍是理解中国艺术史的关键钥匙。 本书适合于艺术史研究者、高年级美术专业学生，以及对中国古典哲学与山水美学有深度兴趣的读者研读。它旨在提供一套严谨的分析框架，帮助读者理解宋元山水画的复杂内涵，而非提供速成的绘画技巧。读者将通过本书了解到，山水画的线条与墨点背后，蕴含着那个时代最深刻的宇宙观和人生哲学。

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说实话，我是一个对美术史有点兴趣但实践能力很弱的业余爱好者。我一直苦于找不到一本既能提升我的鉴赏能力，又能指导我动手实践的书。这本书恰好填补了我的空白。它不仅仅是教你“怎么画”，更重要的是引导你思考“为什么这样画”。书中穿插了不少关于古代画家创作理念的探讨，这些内容让我受益匪浅。我以前看画，总觉得缺少一层隔膜，读完这本书后，我仿佛能稍微窥见古人的心境和他们对自然的理解。作者的文字功底也相当了得，行文流畅，既有学术的严谨，又不失文学的韵味。对于像我这样想要提升文化素养和艺术修养的读者来说，这绝对是一本不可多得的宝藏。

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哇，这本画册简直是艺术爱好者的福音！我最近沉迷于研究古典的绘画技法，特别是对那些细腻入微的描绘手法非常着迷。拿到这本书后，我立刻被它精美的印刷质量和丰富的图例所吸引。书里对于笔触的运用、墨色的层次变化，讲解得极其透彻，即便是初学者也能很快抓住其中的精髓。我尤其欣赏作者在讲解过程中，如何将复杂的技法拆解成一个个容易理解的步骤，让人感觉学习起来毫无压力。而且，书中收录的范例作品，无论是山水还是人物，都展现了极高的艺术水准，让人在学习技法的同时，也能感受到浓厚的艺术氛围。我感觉这本书不只是本教程，更像是一本艺术鉴赏的入门指南，让我对中国传统绘画的理解上升到了一个新的高度。我非常推荐给所有对传统艺术有热情的朋友们，相信它会给你带来意想不到的收获。

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我一直认为，一本好的艺术书籍应该具备跨越代际的生命力，这本书无疑就是这样的典范。它没有陷入追逐新潮的怪圈，而是专注于挖掘和传承那些经过时间检验的经典艺术精髓。阅读过程中，我能清晰地感受到作者对传统艺术那种深深的敬畏与热爱。这种情感的传递，对于正在学习绘画的人来说，是极其重要的精神鼓舞。它教会我，艺术的最高境界，是对生活细致入微的观察和发自内心的情感表达。这本书带给我的，不仅仅是技法的提升，更是一种对生活、对美更深层次的理解和尊重。我会将它作为我案头常备的参考书，相信随着我技艺的提高，每次重读都会有新的感悟。

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我得说，这本书的排版设计简直是教科书级别的典范。我以前买过很多绘画教程，常常因为布局混乱、图片模糊而放弃。但这本简直是反其道而行之，每一页的布局都经过精心考量，留白得恰到好处，让读者的视线可以自然地跟随作者的讲解思路。对于需要观察细节的技法部分，书中采用了高清的特写镜头，连最细微的线条变化都清晰可见，这对于我们这些追求精确性的学习者来说，简直是太重要了。而且，作者在叙述上也非常注重逻辑性，从基础的工具选择、纸张的处理，到最后的上色定稿，整个过程一气呵成，衔接得非常自然流畅。我个人觉得，这本书最成功的地方在于它成功地搭建了一个从宏观到微观的完整学习体系，让你从头到尾都能把握住绘画的脉络。

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我是一个非常注重实践操作的画者，最讨厌那些只讲理论却不给实操指导的书。这本书在这方面做得非常出色，可以说是“干货满满”。作者在讲解每一个步骤时，都会给出非常实用的技巧提示，比如如何调和特定的颜料才能达到那种古朴的质感，或者在处理某些特定形态时应该遵循的结构规律。我按照书中的指导试着画了几次，效果立竿见影。最让我惊喜的是，书中提供了一些非常规的“小窍门”，是那种只有经验丰富的老画家才会知道的经验之谈，让我在创作中避免了很多弯路。这本书的价值就在于它的实操性和可复制性，它不是高高在上的理论说教，而是手把手地带着你走进创作的现场。

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