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出版者:天津人民美术出版社

作者:秦洪彬

出品人:

页数:34

译者:

出版时间:2008-4

价格:26.00元

装帧:平装

isbn号码:9787530536407

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 写意
• 老虎
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• 动物
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游龙戏凤：中国传统戏曲鉴赏指南 内容提要 《游龙戏凤》是一部深度聚焦于中国传统戏曲艺术的综合性赏析指南。本书旨在为广大戏曲爱好者，无论是初入门的新知，还是渴望深入了解的资深票友，提供一个全面、立体、富有洞察力的视角，去领略中华戏曲跨越数百年历史沉淀下来的独特魅力、表演精髓与文化内涵。本书摒弃了冗长枯燥的学术说教，力求以生动、贴近人心的笔触，带领读者走进那个声、色、艺完美融合的舞台世界。 全书结构严谨，内容涵盖了中国戏曲的历史溯源、剧种概览、表演程式、音乐声腔、脸谱服饰以及当代传承与创新等多个维度。我们特别关注那些构成戏曲艺术灵魂的“非物质性”元素，如“身段”、“手势”、“眼神”中所蕴含的文化密码。 第一部分：溯源与格局——戏曲的诞生与舞台脉络 本部分首先追溯了中国戏曲的根源，从先秦的乐舞、汉代的角抵、唐代的参军戏，直至宋元的南戏与杂剧的成熟，勾勒出戏曲艺术从小众走向“百戏之冠”的历史轨迹。 杂剧与南戏的奠基： 详细解析元曲四大家（关汉卿、白朴、马致远、郑光祖）的艺术成就，对比南戏注重抒情、杂剧注重结构的差异。 明清腔调的演变： 聚焦昆山腔（后发展为昆曲）的典雅细腻与地方戏曲的勃兴，特别是徽班进京如何催生出京剧这一“集大成者”。 戏曲的“四功五法”： 深入剖析“唱、念、做、打”这四大基本功是如何通过“手、眼、身、法、步”这五种技法得到完美体现的。我们不仅描述了“打”的刚猛，更着重描绘了“做”中“做念”与“做表”的微妙差异，例如如何通过一个眼神来表达“望穿秋水”的思念之情。 第二部分：声腔的魅力——流派纷呈的听觉盛宴 戏曲的音乐是其最动人心魄的部分。本书将大量的篇幅用于解析不同剧种的声腔特色，并特别引入了乐理知识，帮助读者理解戏曲板式结构与情感表达的关系。 京剧的“皮黄”体系： 详细区分老生、小生、花脸、青衣、花旦等行当的唱法特点。例如，老生的“韵厚”、“气沉”，与青衣的“腔圆”、“音细”之间的内在张力。对谭、程、荀、尚四大家在“老生”流派中的贡献进行对比分析。 昆曲的“水磨腔”： 强调昆曲的“曲牌体”与“板式变化”对于叙事节奏的控制。昆曲之美在于“含蓄内敛”，如何通过气口与润腔来展现“意境”。 地方戏的“土味”与生命力： 选取豫剧的质朴、越剧的婉约、川剧的变脸绝技等进行个案分析，探讨地域文化如何塑造出独特的声腔风格，使得戏曲艺术保持了旺盛的生命力。 第三部分：舞台的符号——脸谱、服饰与虚拟空间 戏曲舞台是写意的，一切皆有定式与符号。本部分致力于解读这些视觉符号背后的文化逻辑。 脸谱的色彩学与心理学： 脸谱不仅仅是化妆，更是人物性格的视觉浓缩。我们细致分析了“红脸关公”的忠义、“黑脸包拯”的刚直、“白脸曹操”的奸诈等常用色彩的含义，并探讨了新派脸谱在继承传统基础上的创新方向。 行头（服饰）的等级与功能： 从蟒袍、靠、帔、褶子到箭衣，每一种戏服都有其严格的穿着规范，服务于不同身份、年龄和场合的需求。例如，靠（武将铠甲）的“膀、裙、靠背”如何协助武打动作的展现。 虚拟空间的构建： 戏曲舞台不设布景，如何通过“马鞭”表示骑马，“开门、上马”的程式动作来“移步换景”？本书通过大量舞台实例，揭示了中国传统表演艺术如何以极简的方式，构建出宏大的叙事空间。 第四部分：经典剧目深度赏析 本书精选了不同流派、不同题材的十部经典剧目进行深度解析，帮助读者从实践中领悟理论。 历史正剧的代表： 如《搜孤救孤》、《失街亭》——分析其如何在有限的篇幅内，完成对复杂历史事件和人物内心挣扎的刻画。 传奇与才子佳人： 如《牡丹亭》、《西厢记》——重点剖析“梦幻”与“写意”手法如何服务于爱情的表达。 武戏的魅力： 以《霸王别姬》为例，探讨巾帼英雄的悲剧性，以及“趟马”、“走边”等武打程式的精妙之处。 结语：薪火相传——当代戏曲的挑战与未来 最后，本书对当前戏曲艺术在现代化进程中所面临的困境进行了探讨，包括如何平衡对传统的尊重与对现代观众审美需求的迎合，如何利用多媒体技术，在不破坏戏曲“写意”本质的前提下，拓展其传播广度。本书呼吁读者珍惜这份人类的共同文化遗产，并以更开放的心态去拥抱它的复兴之路。 适用人群： 戏曲初学者、艺术院校师生、文化爱好者、对中国非遗感兴趣的国内外读者。本书的语言风格力求平实、富有画面感，既能满足专业人士对细节的考究，也能让普通读者在轻松愉快的阅读体验中，领略中国戏曲这门博大精深的舞台艺术的无限风采。

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这本书的结构安排逻辑性极强，层次分明，让人感觉非常顺畅。从基础的线条练习开始，循序渐进地过渡到复杂的结构组合，每一步都有明确的学习目标和检验标准。我个人最喜欢它在“误区纠正”部分的处理方式，非常直截了当，直接指出了初学者最容易犯的错误，并配上了对比图，比如“形似而神不似”和“笔墨失控”的案例分析，让人一看就明白症结所在。这种对学习者心理的精准把握，使得学习过程中的挫败感大大降低，每攻克一个难点，都会有一种豁然开朗的成就感。此外，作者在章节末尾设置的“自检清单”也非常巧妙，它不是简单的复述知识点，而是引导读者进行自我反思和创作总结，真正做到了学以致用，让学习过程成为一个持续反馈和进步的良性循环。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种古朴典雅的风格，一拿到手里就仿佛能感受到一股墨香。封面上的留白恰到好处，让主题内容更加突出，而且纸张的质感也非常棒，厚实而又不失细腻，翻阅起来是一种享受。我特别喜欢它在细节处理上的用心，比如内页的字体选择和排版布局，都透露着一种专业和对传统艺术的尊重。特别是那些图例的印刷效果，色彩的过渡自然流畅，即便是复杂的笔触也能清晰地展现出来，这对于我们这些初学者来说简直是福音，能更直观地去理解和模仿。这本书的整体设计语言非常统一，从目录到索引，都体现出一种严谨的学术态度，让人感觉这不是一本简单的教程，更像是一件值得珍藏的艺术品。我甚至会花时间去研究一下作者在设计这本书时所倾斜的审美倾向，它本身的视觉效果就已经在潜移默化地影响着读者的审美观了。

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作为一名对传统艺术有着浓厚兴趣的爱好者，我发现这本书在材料选择和工具使用上的建议非常实用且接地气。它没有盲目推崇昂贵的进口材料，而是详细对比了不同产地、不同等级的笔、墨、纸、砚的特性，以及它们如何影响最终的墨韵和画面效果。作者甚至分享了一些自己独家调墨的“小窍门”，比如在特定天气条件下如何调整用水的比例来控制墨色的层次变化，这些都是在其他教材中很难找到的宝贵经验。更重要的是，书中强调了对工具的“人化”和“物化”的辩证关系，提醒我们工具是为表达服务的，而不是束缚我们的枷锁。我尝试着根据书中的建议更换了几种纸张进行练习，立刻感受到了明显的不同，这让我对未来的创作有了更清晰的方向感，知道如何根据自己的需求去挑选和驾驭手中的工具。

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这本书的讲解深度和广度都远超出了我的预期，它不仅仅是简单地教你“怎么画”，更深入地探讨了“为什么这样画”。作者在解析传统笔墨技法时，并没有停留在表面的技巧层面，而是追溯到了古代大师们的创作心境和哲学思想，这一点非常打动我。比如，它对“气韵生动”的解读，不是空泛的理论，而是结合了具体的用笔和墨色的变化来阐释，让抽象的概念变得触手可及。我尤其欣赏作者在讲解不同季节、不同姿态的动物形态时，所展现出的那种细致入微的观察力，每一个细节，无论是肌肉的起伏还是毛发的走向，都有详实的图解作为支撑。这种由内而外的剖析，极大地提升了我对所描绘对象的理解，让我明白了艺术创作的本质在于对生命力的捕捉，而非简单的形似。读完后，我感觉自己的绘画思维被拓宽了不少，不再局限于单一的视角去处理画面。

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我必须承认，这本书的文字风格带着一种沉静而富有感染力的力量，它不像一些教程那样板着面孔说教，反而像是一位经验丰富的前辈在耳边轻声细语地指导你。作者的语言简洁有力，但又充满了对艺术的敬畏之心，每一个用词都经过了深思熟虑，仿佛每一个字后面都蕴含着深厚的功力。阅读过程中，我常常被那种对传统文化精髓的深刻理解所打动，这种情感上的共鸣，是单纯的技巧堆砌所无法比拟的。它不仅仅是在传授绘画技艺，更是在传递一种对待艺术、对待生活的那种专注、耐心和审慎的态度。读完之后，我感觉自己的心境也沉淀了许多，对艺术创作的热情被重新点燃，带着一种更为谦卑和坚定的信念，去面对未来的每一次挥毫泼墨。

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