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出版者:Editions Beauchesne

作者:Jean-François Lavigne

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2006-10-27

价格:EUR 24.00

装帧:Broché

isbn号码:9782701014999

丛书系列:

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《光影织就的生命叙事：当代视觉艺术中的存在与感知》 本书深入探讨了20世纪中叶至今，视觉艺术领域中关于“存在”（Being）与“感知”（Perception）这一核心哲学命题的复杂图景。我们试图超越传统的美学范式，将目光投向那些致力于揭示生命本体经验的艺术实践，考察艺术家如何运用光线、材质、空间和时间，构建起一个既可被观看又难以被完全把握的现象学场域。 第一部分：形而上学的画布：从现象学转向身体经验 本章首先梳理了战后欧洲大陆哲学，尤其是现象学思潮对视觉艺术的深远影响。我们关注海德格尔“在世存在”的概念如何被具身艺术（Embodied Art）所转化，以及梅洛-庞蒂关于“身体作为首要的知识器官”的论述，如何为理解特定媒介的物质性提供了新的维度。 1. 物质的形而上学：触觉与视觉的交融 我们分析了以安塞尔姆·基弗（Anselm Kiefer）为代表的艺术家，他们如何利用厚重的材料——铅、灰烬、干枯的植物——使画面超越了单纯的图像再现，成为一种承载历史重量和本体焦虑的物质祭坛。这不是对特定历史事件的简单记录，而是对“时间如何嵌入物质”这一问题的直接追问。基弗的作品迫使观众通过视觉预设的“观看”行为，转向一种更接近于“触碰”和“感受”的身体性经验。我们详细考察了他在画布上堆叠、烧灼、刮擦的技法，揭示了这些身体力行的痕迹如何构成了作品不可分割的意义结构。 2. 空间作为场域：从画框到环境 本部分聚焦于环境艺术和大地艺术（Land Art）如何挑战了传统艺术品作为独立对象的地位。我们以罗伯特·史密森（Robert Smithson）的《螺旋堤》（Spiral Jetty）为例，探讨了艺术作品如何从孤立的审美客体，转变为一个与地理、气候、光照周期深度耦合的事件。这种艺术不再是“被观看”的，而是“被经历”的。观众必须亲身抵达，用行走、呼吸和时间来完成对作品的“阅读”。我们讨论了这种空间介入如何呼应了列维纳斯关于“他者”在场性的伦理诉求，即将艺术体验从纯粹的主体性沉思，引向对外部世界的负责任回应。 第二部分：光影的辩证法：可见与不可见的边界 本章深入探讨了光（Light）在当代艺术中的双重角色：既是使对象显现的物理媒介，又是揭示存在局限性的形而上学工具。 1. 纯粹的光：从具象到本质 我们考察了詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）和丹·弗拉文（Dan Flavin）的工作。特瑞尔的工作室是对“光如何成为空间本身”的终极探求。他的“视场”（Skyspaces）和光场装置，通过精确计算的光线进入和颜色梯度，模糊了墙壁、天花板和空气的界限。观众面对的不再是物体，而是光线自身的“存在”——一种无法被捕捉、无法被物化，却又无可辩驳地占据感官的实在。这与胡塞尔对意识流的分析具有内在的同构性：我们体验的不是光本身，而是我们被光所塑造的感知瞬间。 弗拉文对日光灯管的运用则展示了对“现成物”（Ready-made）的进一步解构。灯管作为工业产品，其功能性被剥离，仅仅作为发射特定波长光线的媒介。他通过光线在建筑空间中的反射和扩散，创造出一种宁静而又具有侵略性的氛围，迫使观看者重新审视他们与日常人造环境的关系。 2. 阴影与缺席：媒介的自我反思 与光线的显现相对立，我们探讨了那些专注于“阴影”和“缺席”的艺术家。例如，一些摄影师和影像艺术家不再关注清晰的影像，而是将镜头对准曝光过度或曝光不足的区域，甚至是纯粹的黑色。这些“黑场”的图像并非“没有内容”，而是内容被压缩、被推入不可见领域的证据。它们挑战了视觉文化的“可见性至上”的暴政，暗示了真正的存在经验往往蕴含在我们无法直接言说或看见的领域。 第三部分：时间的雕塑：瞬间、循环与永恒 当代视觉艺术拒绝了传统绘画对静止瞬间的捕捉，转而拥抱时间作为构成作品的第四个维度。本部分着重分析了动态影像和时间基艺术如何重塑了观众的记忆与期待。 1. 循环叙事与意义的生成 我们将分析那些采用循环播放或慢动作的影像装置，如比尔·维奥拉（Bill Viola）的作品。维奥拉通过对人体动作的极端慢放，将一个转瞬即逝的动作（如跌倒、呼吸）延长至近乎永恒。这种时间上的拉伸，使得观众被迫放弃对情节的追逐，转而沉浸于过程的肌理之中。在极端的慢速中，生命（或死亡）的“本质性时刻”被剥离了叙事的外壳，呈现出一种近乎宗教性的、超越日常经验的张力。 2. 物质的腐朽与时间的印记 本章也涉及那些利用生命体或易逝材料进行创作的艺术家，他们直接将“腐朽”和“消亡”纳入作品的结构中。通过展示有机物的分解过程，这些艺术品成为了时间的活的档案。它们不是关于死亡的象征，而是死亡作为生命不可分割一部分的直接展示。这种对时间不可逆性的直面，构成了对现代人试图逃避生命终结这一普遍倾向的有力批判。 结论：经验的回归与艺术的伦理 本书最终认为，当代视觉艺术中的“存在”议题，已不再是关于“我是谁”的个体身份追问，而是关于“我们如何共同感知世界”的集体体验伦理。光影、物质与时间不再是描绘的对象，而是艺术家用来邀请观众进入深度在场状态的工具。这种艺术拒绝提供简单的答案或愉悦的图像，而是要求观看者承担起感知和阐释的责任，从而在艺术的场域中，重新发现被日常生活的喧嚣所遮蔽的、更为本真的生命活力。

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拿起这本书，我立刻被它那种近乎于“原始材料”般的书写气质所吸引。它不像许多当代哲学著作那样，忙着与既有的理论谱系进行辩论或和解，而是径直切入现象的肌理，试图捕捉那些尚未被概念污染的、最本真的流动。作者的笔触时而如一把锋利的手术刀，精准地解剖着意识流的复杂褶皱；时而又像是一场突如其来的暴雨，将读者淹没在感官细节的洪流之中。阅读的体验是高度个人化且私密的，它更像是一种与作者灵魂深处的对视，而非传统的知识传授。我尤其欣赏其在处理“时间性”议题时的细腻之处，那种对“当下”的极度强化和对“回忆”与“期待”的层层剥离，让人对“活在此时此地”有了全新的、近乎于眩晕的认识。这本书的美妙在于它的不可简化性，你无法用几句话概括其精髓，因为它的精髓恰恰存在于那些不被轻易捕捉的、转瞬即逝的体验的缝隙之中。

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这是一部需要被“身体力行”去阅读的文本。它的论述不是抽象的符号游戏，而是紧密根植于人类最根本的、最原始的生命体验之中。作者的文字仿佛自带一种体温，让你能够清晰地感受到那种从“无形”到“有形”的挣扎过程。我印象最深的是其对“给予”与“接受”之间微妙关系的探讨，它揭示出我们日常互动中隐藏的巨大哲学鸿沟。阅读过程中，我仿佛能听见作者内心深处那持续不断的、对生命本质的确认和否定交织而成的交响乐。这本书没有试图简化复杂的现实，而是选择拥抱其全部的矛盾与张力，并将这种张力转化为一种独特的、令人沉浸的阅读体验。它不是一本消遣之作，而更像是一面镜子，映照出我们自身思维结构中那些最深层、最不易察觉的暗流涌动，强迫我们正视那些我们常常选择逃避的内在真实。

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这本厚重的文集，初翻时便被那种难以言喻的、近乎于宗教仪式般的庄严感所笼罩。作者似乎并不急于向读者展示清晰的论点或易于消化的结论，反倒更热衷于在晦涩的词句间反复打磨、雕刻出一种独特的“在场感”。阅读过程更像是一场缓慢的、需要全神贯注的哲学冥想，每一个句子都像是一个精心放置的音符，需要读者自行去调和它们之间的谐振与不和谐。我时常感到自己被拉入了一种对“生命经验”本体的深层追问之中，那种对纯粹感性运作的执着探索，要求读者彻底放下日常生活中习惯性的认知框架。它挑战了我们对于主体性、时间性以及“看”这一行为本身的理解，迫使你重新审视那些被我们视为理所当然的内在活动。全书弥漫着一种强烈的内在张力，仿佛文字本身就是一场激烈的精神搏斗，令人在感到困惑的同时，又隐隐感受到一种向真理核心逼近的振奋。这本书无疑不是为轻松阅读而设，它需要的是一种近乎于献祭般的专注，去聆听那在语言背后低语的、关于存在的原始呼唤。

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这本书的结构，初看起来或许有些令人望而生畏，因为它似乎拒绝遵循传统的线性叙事逻辑。它更像是一座由无数相互关联的、但又各自独立的“体验之塔”构成的迷宫。你可能需要反复穿梭于不同的章节之间，才能真正理解某个核心概念是如何在不同的语境下被重新塑造和强化的。对我而言，阅读的乐趣并不在于最终抵达某个明确的终点，而在于迷失在这个过程中，去感受作者如何在同一主题的不同侧面进行螺旋式深入的探讨。那种对纯粹“可见性”或“不可见性”的不断叩问，构建了一种强大的精神引力场，将读者的注意力牢牢吸附在文本的内部张力之上。它迫使我慢下来，用一种全新的、更具身体性的方式去“阅读”——用眼去“看”文字，用心去“感受”文字背后的冲动。这是一次对阅读习惯的颠覆，也是一次对思维边界的拓展，读完后，世界似乎多了一层看不见的纹理。

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坦白说，这本书的语言风格是极其独特的，它融合了高度的哲学思辨的严谨性与近乎于抒情诗歌的韵律感。作者似乎完全不顾及主流学术界对清晰度和简洁性的要求，而是选择了一种更加内敛、更依赖于词语的内在共鸣来构建意义的体系。我常常需要停下来，反复咀嚼某个措辞，试图理解它在作者特定的语境下所蕴含的全部重量。这种阅读体验是既疲惫又充满回甘的，如同在攀登一座异常陡峭的山峰，每一步都耗费心力，但一旦站稳，眼前的视野便豁然开朗。它没有提供任何现成的答案，反而更像是一套精密的工具箱，里面装满了用于解构我们自身感官和认知结构的特殊器械。这本书的价值，并不在于它“告诉”了我们什么，而在于它如何“改变”了我们“看”事物的方式，那种潜移默化的、对感知世界的重塑，才是其最深刻的影响力所在。

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