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出版者:淑馨

作者:Friedrich Schiller

出品人:

页数:0

译者:馮至

出版时间:1989

价格:0

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isbn号码:9789575316402

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• 随笔
• [歐美]
• FriedrichSchiller
• 100+_pages
• #424.Romanticism
• #31.aesthetics
• #153.letters
• #0342.F.Schiller(1759-1805)
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璀璨文明的交汇：古希腊哲学与美学思想探索 一部深度剖析人类理性光辉与审美追求的恢弘著作 本书并非关于现代审美教育的零散思考或当代美学流派的综述，而是将目光投向西方文明的源头——古希腊，对其哲学思想与美学观念进行系统、细致的梳理与阐释。我们旨在揭示，在雅典的城邦兴衰中，那些奠定西方思维基石的思想家们，是如何构建起理性、和谐、真理与美相互交织的宏大体系的。 第一部分：从“神话到逻各斯”——理性的诞生与宇宙的秩序 本书首先聚焦于古希腊哲学从自然哲学向思辨哲学的过渡。我们探讨米利都学派对“本原”（Arche）的追问，这种对世界万物背后统一规律的探求，本身就是一种对“秩序”与“和谐”的早期审美表达。 1.1 毕达哥拉斯学派：数、音乐与宇宙的和谐 重点剖析毕达哥拉斯及其学派如何将“数”提升至形而上的地位。他们不仅发现了音程的数学关系，更将其推广至整个宇宙的结构，提出了著名的“天体音乐”（Musica Mundana）概念。书中详尽考察了他们如何通过对比例、对称性的数学化理解，将抽象的数学美感转化为对宇宙秩序的信仰。我们细致辨析了“和谐”（Harmonia）在毕氏哲学中的双重意义：既是数学关系，也是道德与政治的理想状态。 1.2 赫拉克利特与巴门尼德：运动与永恒的辩证张力 我们将对比分析赫拉克利特关于“变化即是常态”（Panta Rhei）的观点与巴门尼德关于“存在是永恒、不可变”的论断。这种关于“变”与“不变”的哲学张力，在美学上映射为对生命力、动态美与永恒静穆、理想形式的两种不同追求。书中将探讨这种对立如何影响了后世对“形式美”与“内容美”的理解。 第二部分：苏格拉底、柏拉图——理型与摹仿的永恒追问 本书的核心部分之一，在于深入解析柏拉图对美学和艺术理论的奠基性贡献。 2.1 苏格拉底的伦理美学 我们首先回顾苏格拉底“美即是善”的伦理学立场。通过对《荷马史诗》中英雄形象的批判性考察，揭示了苏格拉底如何将艺术的价值与道德教化紧密捆绑，强调艺术的首要功能是塑造优良的公民品格。 2.2 柏拉图的“理型论”与艺术的“三重距离” 这是本书论述的重中之重。我们详细阐释了柏拉图的“理型论”（Theory of Forms），并以此为基础，系统解读他对艺术的批判。书中将清晰划分出三个层次： 1. 理型（Idea）： 绝对的、永恒的美与善的源泉。 2. 现象界（Particulars）： 感官世界中的具体事物，它们是对理型的拙劣摹仿。 3. 艺术品（Art）： 对现象界的摹仿，因此是对理型两重远离的产物。 书中将深入探讨柏拉图在《理想国》中对诗人（尤其是荷马）的驱逐，并非出于对艺术本身的憎恶，而是源于艺术所具有的“情感煽动性”和“对真理的偏离性”。我们将分析这种“贬低”背后的深刻用意：即追求绝对的理性至上。 2.3 悲剧中的“卡塔西斯”：一个未被完全拒绝的领域 尽管柏拉图整体上对艺术持保留态度，但书中也会细致考察他对“净化”（Katharsis）概念的提及。这种对情感的宣泄与整理，被视为艺术（尤其是悲剧）在道德教育上可能具有的积极作用，为亚里士多德的美学奠定了潜在的讨论基础。 第三部分：亚里士多德——经验、模仿与艺术的内在逻辑 如果说柏拉图的美学是理想主义的，那么亚里士多德的美学则标志着经验主义和科学精神的胜利。 3.1 模仿论的翻案：模仿即认识 本书系统辩析了亚里士多德在《诗学》中对“模仿”（Mimesis）的全新诠释。与柏拉图不同，亚里士多德认为模仿是人类的天性，是学习知识的开端。艺术模仿的不是事物表象，而是事物“可能的样子”（what may be），即具有普遍性的本质。这种对模仿的肯定，极大地提升了艺术的认识论地位。 3.2 悲剧的六要素与形式的完善 我们将聚焦《诗学》中对悲剧结构要素的严谨分析：情节（Mythos）、性格（Ethos）、思想（Dianoia）、言辞（Lexis）、歌唱（Melos）与状景（Opsis）。书中将着重探讨“情节”为何被置于首位，以及“完整性”、“统一性”和“可理解的变动”等结构原则，如何体现了亚里士多德对形式完美的追求。 3.3 必然性、偶然性与审美愉悦的根源 我们将详细解析亚里士多德对悲剧效力的论述，特别是“通过怜悯与恐惧而达到心灵的净化”（Katharsis）。这种净化被视为一种理性的、愉悦的经验，是观众在安全的环境中体验人类生存普遍困境的审美回报。书中还将讨论亚里士多德在《修辞学》中对情感的分析，展示其将美学与心理学、逻辑学相结合的努力。 第四部分：希腊化时期的美学转向——从宏大叙事到个人感性 最后，本书将简要回顾亚里士多德之后，美学思想如何随着希腊城邦的衰落而转向。 4.1 希腊化艺术中的“情感强度” 探讨在马其顿帝国和后来的罗马影响下，艺术风格如何从古典时期的克制转向希腊化时期的动感、激情和夸张。这反映了社会动荡中，人们对个体情感体验的关注增强。 4.2 斯多葛学派与伊壁鸠鲁学派的“宁静之美” 对比研究两种主要的哲学流派对“至善”的理解，及其如何影响了他们对“美”的界定：斯多葛学派强调通过理性克制实现内心的宁静与和谐（一种内在的美德），而伊壁鸠鲁学派则更倾向于感官上的平静与无痛苦的状态（一种享乐主义层面的美）。 本书通过对这些核心思想的深入挖掘，力求为读者构建一幅清晰的图景：在古希腊，美并非孤立的感官愉悦，而是与真、善、理性和宇宙秩序紧密相连的整体性追求。它是一场跨越千年的对话，关于人类心智如何试图理解并创造一个和谐有序的世界。

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终于读完了！！！???? 不得不说这是一次烧脑的艰难之旅。两百多年了，这个写了《阴谋与爱情》的席勒，一度曾参与，后来因为害怕法国的政治暴力，陷入到康德的唯心主义中，研究美学，试图通过美恢复像古希腊那样人性的和谐统一，实现内心真正的自由，达到理想的和谐的社会。……...  

评分☆☆☆☆☆

1.美是要在自然对人的先天局限中先完成统一，就是说①承认物质，否则人无以立；②追求美，否则人将溺于物质中，被广大的自然拖行。要“美”来强力统一两种人的天性：懒散的堕落&粗野的冲动。 2. 而在27封信之外，另附《论崇高》。就是点明即使一切顺利，人们追求美而又能...  

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1，分裂的人身上存在着两种冲动：形式冲动和感性冲动。 形式冲动主要存在于上层人物身上，对象是形象，主要指的是秩序和法则，受思想和意志的支配，是主动的，处于这种状态的是理性人。 感性冲动主要存在于下层人物身上，对象是生活，它要占有、要享受，被感官控制，是被动的，...  

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【摘要】席勒审美教育理念的出发点是现实政治批判。在席勒看来，艺术中的美不仅以自由为基础，更是实践自由的体现；而鉴于个体与国家的同构，审美不仅可通过性格的高尚化实现个体的完满，也构建起平等而自由的政治共同体。而在美之外，崇高感亦是自由的重要来源。由此推导出的...  

评分☆☆☆☆☆

席勒是作为诗人和美学家为大家所熟知的。席勒喜好沉思，始终在诗与哲学间徘徊。正如他的朋友韩波尔特说的那样：“没有人能说你究竟是一个进行哲学思考的诗人，还是一个做事的哲学家。”这种情形使他在哲学思考和诗的领域都显得勉强。他跳跃的想象干涉抽象的思维，冷静的...  

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读完这本《艺术鉴赏指南》，我不得不赞叹作者在跨学科整合上的功力。这本书远远超越了单纯的艺术史范畴，它巧妙地将心理学、社会学甚至一些基础的神经科学知识融入到对审美体验的剖析中。例如，书中解释了为什么某些色彩组合会引起特定的情绪反应，这背后不仅仅是文化习俗，更有生理基础。这种多维度的解析，让我对“美”的理解不再是单一的、表面的，而是变得立体而深刻。特别值得一提的是，作者对于“不完美之美”的推崇，打破了传统艺术中对“完美对称”的迷恋。通过对“侘寂”精神的深入挖掘，他引导我们欣赏那些有瑕疵、有时间痕迹的事物，这对于我们这些追求效率和光鲜的现代人来说，是一种温柔的提醒：生命本身就是一场不完美的美学实践。这本书读完之后，我感觉心灵得到了净化，对生活中的琐碎和残缺，也多了一份理解和包容。

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这本《艺术启蒙札记》简直是为我这种对美感一窍不通的“门外汉”量身定制的。我一直觉得自己是个十足的实用主义者，艺术对我来说就像是高不可攀的云端，充满了晦涩难懂的术语和故作姿态的姿态。然而，作者以一种近乎唠家常的口吻，将那些原本令人望而生畏的艺术概念娓娓道来。它没有一上来就给我灌输康德的《判断力批判》，而是从生活中的微小细节入手——比如一束光线如何落在窗台上，或者一块石头粗粝的质感。这种由表及里的引导方式，让我感觉自己不是在“学习”艺术，而是在重新“发现”世界。书中对不同媒介的描述尤其精彩，无论是古典油画的层次感，还是现代雕塑的空间张力，作者总能找到一个精准的比喻来锚定我的理解。读完后，我发现自己走在街上，看事物的眼光都变了，不再只是匆匆路过，而是会不自觉地停下来，去捕捉那些日常生活中被我们忽略的美。这不仅仅是一本书，更像是一把钥匙，为我打开了一扇通往全新感官体验的大门。

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我必须承认，我最初是被这本书的书名吸引的，那种带着古典韵味的“札记”二字，让我对接下来的内容充满了期待，而它也没有辜负我的期望。这本书的结构设计非常巧妙，它不像传统的艺术史那样线性叙事，而是像一个思维的漫步，在不同的时代、不同的流派之间自由穿梭，但总有一条清晰的情感脉络将它们串联起来。作者的笔触非常细腻，尤其是在探讨“瞬间美”的捕捉上，无论是对印象派光影的描绘，还是对摄影中决定性瞬间的分析，都展现出一种近乎诗意的洞察力。我特别欣赏作者在比较不同文化背景下的审美取向时所展现出的那种深厚的人文关怀。他并没有急于下定论，而是耐心地引导读者去感受不同地域的审美哲学差异，这种开放和包容的态度，使得这本书的视野极为开阔，读起来酣畅淋漓，仿佛进行了一场跨越时空的深度对话。

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这本书的编排和装帧设计本身就是一种审美体现。当我拿到实体书时，首先被它那种低调而有质感的封面材质所吸引。内页的字体选择和版面留白都拿捏得恰到好处，让人在阅读过程中感到非常舒适，完全没有视觉上的压迫感。内容上，作者似乎有一种神奇的能力，能将最抽象的哲学思辨转化为最具体的感官体验。书中对于“形式追随功能，还是功能追随形式”这个古老命题的讨论，没有陷入无休止的争论，而是通过分析建筑和工业设计案例，给出了一个充满辩证色彩的现代解读。我个人最受启发的是它关于“个人化审美建构”的部分。作者鼓励读者去质疑既定的美学标准，去建立一套属于自己的价值体系，而不是被动接受。这对于那些在信息爆炸时代感到迷茫的读者来说，无疑是一剂强心针。

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说实话，我对市面上那些充斥着学院派腔调的艺术评论已经感到有些审美疲劳了。这本书的出现，简直是一股清流。它最大的优点在于它的“去权威化”。作者似乎完全没有把自己放在一个高高在上的导师位置上，而是更像一个经验丰富的旅伴，真诚地分享他的所见所感。我尤其喜欢其中关于“技法与灵魂”的探讨。很多书会过度强调艺术家的技巧，但我在这本书里读到的是技法如何成为情感表达的载体，而不是炫耀的工具。比如，书中分析某位音乐家对休止符的运用，那种对“留白”的极致运用，简直是醍醐灌顶。它让我意识到，美感不仅仅在于复杂和繁复，更在于精准和克制。这本书的语言是活泼的，偶尔还会插入一些作者亲身经历的轶事，让原本可能枯燥的理论分析变得生动有趣，极大地降低了读者的心理门槛。

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