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出版者:伯亞出版事業有限公司

作者:克勞德‧依維爾(Claude Yvel)

出品人:

页数:0

译者:張漢明

出版时间:1994

价格:0

装帧:

isbn号码:9789579229029

丛书系列:

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油畫技法·古方今用： 汲取經典，融匯創新，開啟繪畫新視界 在藝術長河中，油畫以其獨特的質感、豐富的色彩和深邃的表現力，始終佔據著重要的地位。而油畫的技法，更是歷經數百年積澱，承載著無數前輩大師的智慧結晶。本書《油畫技法·古方今用》並非簡單的技法羅列，而是深入挖掘傳統油畫的精髓，並將其與當代藝術的發展需求巧妙融合，旨在為您提供一個全新的視角，幫助您在創作的道路上，既能汲取前人的寶貴經驗，又能揮灑當代的無限創意。 追溯經典，洞悉傳統的魅力 油畫的歷史，是一部不斷演進的技法史。從文藝復興時期對光影和體積的精準捕捉，到巴洛克時期對戲劇性氛圍的營造，再到印象派對光線瞬間變化的探索，每一個時代都留下了獨特的油畫語言。《油畫技法·古方今用》將帶您一同走進這些輝煌的時刻。我們將細緻剖析那些被時間檢驗的經典技法，例如： 底層的奧秘： 從傳統的石膏底料到現代化的預製畫布，我們將深入探討不同底層對油畫顏料附著力、光澤度以及最終畫面質感的影響。您將學習如何根據自己的創作意圖，選擇最適合的底層處理方式，為作品打下堅實的基礎。 顏料的魔力： 油畫顏料的成分、種類以及它們之間的微妙互動，是決定畫面色彩生命力的關鍵。《油畫技法·古方今用》將帶您認識不同種類的油畫顏料，了解它們的覆蓋力、透明度、乾燥速度以及在混合過程中的變化。我們將重點關注如何運用古典顏料的調配原則，創造出豐富而微妙的色彩過渡。 筆觸的語言： 每一筆觸都蘊含著畫家的情感和意圖。本書將引導您學習不同畫筆的運用，從柔軟的貂毛筆到硬挺的豬鬃筆，再到各種造型獨特的畫刀，探究它們如何在畫面上留下不同的肌理和質感。您將掌握如何運用疊加、刮擦、點畫等古典筆觸技法，塑造出物體的立體感和空間感。 層次與透明的藝術： 油畫的魅力之一在於其豐富的層次感和對光線的處理。我們將詳細闡述“濕畫法”（Alla Prima）和“罩染法”（Glazing）等經典技法，探究如何通過一層一層的薄塗，營造出深邃的色彩層次，以及如何利用透明顏料和媒介劑，實現光線的穿透和折射，讓畫面更具生命力。 質感的追求： 從光滑如鏡的表面到粗糙的沙粒感，《油畫技法·古方今用》將引導您探索如何通過添加不同的媒介劑，如石蠟、沙子、報紙碎屑等，來豐富油畫的表面質感，使畫面更具觸感和表現力，從而更好地傳達藝術家的思想和情感。 融匯當代，激發創作的無限可能 藝術的發展永不止步，當代社會為油畫創作帶來了前所未有的挑戰與機遇。《油畫技法·古方今用》深知，學習經典並非為了墨守成規，而是為了更好地創新。因此，本書將重點放在如何將這些傳統技法融入當代的創作語境中，激發您的無限潛能： 解構與重塑： 您將學習如何從古典大師的作品中汲取靈感，分析其構圖、色彩和光影的處理方式，並將這些元素進行解構，再根據現代審美和個人風格進行重塑。 材質的實驗： 除了傳統的畫布和顏料，當代藝術對材質的運用更加自由。《油畫技法·古方今用》將鼓勵您嘗試在不同材質上進行油畫創作，例如木板、金屬、織物，甚至與其他媒介進行結合，拓展油畫的表現邊界。 主題的現代演繹： 無論是風景、人物、靜物，還是抽象表達，《油畫技法·古方今用》都將引導您思考如何運用經典的油畫技法，來詮釋當代社會的多元主題，例如科技的發展、社會的變革、人性的複雜等。 媒介劑的現代應用： 除了傳統的亞麻籽油、松節油等，現代市場上出現了許多新型的油畫媒介劑，它們的出現為油畫技法注入了新的活力。《油畫技法·古方今用》將帶您了解這些新型媒介劑的特性，例如延緩乾燥、增加光澤、改變流動性等，並探索它們在現代油畫創作中的創新應用。 個性化表達的探索： 藝術最終是個性的展現。本書鼓勵您在掌握基礎技法的同時，不斷實驗和探索，形成自己獨特的筆觸、色彩傾向和表現方式，讓每一幅作品都充滿您的個人印記。 為何選擇《油畫技法·古方今用》？ 這本書不僅是一本技法指南，更是一次藝術探索的旅程。我們力求用清晰、易懂的語言，配合豐富的圖例和實例，讓您在學習過程中，不僅能夠掌握知識，更能體悟藝術的精髓。無論您是剛剛踏入油畫領域的新手，還是尋求突破和創新的資深畫家，《油畫技法·古方今用》都將是您不可或缺的良師益友。 通過本書，您將學會如何： 理解和運用 經典油畫技法，紮實您的繪畫基本功。 激發創新思維，將傳統技法與當代審美巧妙融合。 拓展創作視野，嘗試更多元的材質和表現手法。 提升作品質感，讓您的油畫作品更具深度和生命力。 建立自信，在藝術創作的道路上，自由揮灑您的才華。 《油畫技法·古方今用》誠摯邀請您，一同開啟一段精彩的油畫藝術探索之旅，讓經典的智慧與現代的創新，在您的畫筆下綻放出耀眼的光芒。

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这本书的叙事节奏把握得非常精准，它没有陷入无休止的技术细节泥潭，而是巧妙地穿插了一些艺术史的小插曲和不同时期画家的创作心得。这种“软性”内容的植入，极大地提升了阅读的趣味性和人文气息。它让我意识到，技法是工具，而最终的灵魂来自于对世界的观察和对人生的感悟。读到一些关于艺术家们在创作瓶颈期如何突破的轶事时，我深有共鸣，感觉自己不再是一个孤立的“学习者”，而更像是在与历史上的大师们进行一场跨越时空的对话。这种精神层面的滋养，是很多纯粹的“技术手册”所无法提供的，它让学习过程变得立体而有温度。

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书中对色彩理论的阐述角度相当新颖，它不像一般的教科书那样枯燥地罗列色谱和冷暖关系，而是通过大量的实际案例和历史画作进行剖析，让人在“看画”的过程中自然而然地理解了色彩的魔力。特别是对于“环境光”和“固有色”之间微妙关系的把握，作者的见解独到且富有洞察力，这种深层次的理论探讨，极大地拓宽了我的认知边界。我过去总是在色彩上感到困惑，觉得调色像是碰运气，但这本书提供了一套更系统、更科学的底层逻辑，让我开始学会“倾听”颜料的声音，而不是盲目地堆砌色彩。这种由浅入深、由表及里的讲解方式，成功地将那些抽象的艺术概念具象化了，读起来非常过瘾，让人忍不住想立刻拿起画笔去验证书中的理论，实践的欲望被彻底点燃。

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我尝试着按照书中的某些练习步骤进行实践，发现执行起来的难度适中，既不会因为过于简单而显得敷衍，也不会因为过于复杂而让人望而却步。最让我欣赏的是，它并不强迫读者去模仿某个固定的风格，而是鼓励你在掌握了基础技巧后，发展出属于自己的笔触和语言。书中介绍的几种基础材料的特性分析非常到位，对于不同媒介的相容性和表现力做了详尽的对比，这对于我筛选工具、优化创作流程帮助巨大。过去我总是在材料的选择上浪费时间，现在我能更精准地知道哪种底料最适合哪种技法，极大地提高了效率。这感觉就像是拿到了一把精密的瑞士军刀，每个工具都有其明确的用途和最佳的使用场景，实战价值极高。

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从结构上看，这本书的逻辑链条设计得非常严密，知识点之间的递进关系自然流畅，如同一个精心铺设的迷宫，每一步都有清晰的指引，但又充满了探索的乐趣。它没有采用那种一成不变的章节划分，而是根据不同的创作阶段设置了“探索”、“深化”、“融合”等不同的模块，这种动态的结构划分更能契合一个创作者心智成长的轨迹。我尤其喜欢它在结尾部分设置的“自我评估与反思”环节，它引导读者跳出画面的具体表现，去审视自己的创作理念和长期目标，这种引导性的思考，使得这本书的价值远超于一本单纯的技法书，更像是一位严谨而富有远见的私人导师，陪伴你进行一场长期的艺术修行。

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这部书的装帧设计真是让人眼前一亮，拿到手沉甸甸的，纸张的质感也特别好，印刷色彩饱满，细节处理到位，看得出出版社在实体书制作上确实下了不少功夫。内页的排版布局清晰明了，图文对照的方式非常直观，即使是对于初学者来说，也能很快找到重点。光是翻阅这本书，就感觉自己仿佛置身于一个艺术殿堂之中，那种对知识的敬畏感油然而生。设计风格上融合了古典的韵味与现代的简洁，让人在阅读的过程中既能感受到历史的厚重，又不觉得沉闷。尤其是一些关键步骤的插图，细节刻画得极为精妙，即使用肉眼观察，也能感受到笔触的力度与色彩的过渡，这种对细节的关注，对于一门技术性极强的领域来说，无疑是加分项。这本书的整体设计感，已经超越了一本普通教程的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品，让人爱不释手，每次翻开都能带来新的触动和思考。

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我有这本书，可以联系我。

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