Completely rewritten and reorganized, this groundbreaking edition weaves together the most recent scholarship, the most current thinking in art history, and the most innovative digital art library. Experience the new Janson and re-experience the history of art. The Portable Edition of Janson's History of Art, Seventh Edition features four lightweight, paperback books packaged together along with optional access to a powerful student website, www.myartkit.com, making the text more student friendly than ever. Janson's History of Art is still available in the original hardcover edition and in Volume I and Volume II splits. The Portable Edition is comprised of four books each representing a major period of art history: Book 1: Ancient Art includes chapters 1-7 Book 2: Medieval Art includes chapters 8-13 Book 3: The Renaissance Art Through the Rococo includes chapters 13-22 Book 4: The Modern World includes chapters 23-30. Long established as the classic and seminal introduction to art of the Western world, the Seventh Edition of Janson's History of Art is groundbreaking. When Harry Abrams first published the History of Art in 1962, John F. Kennedy occupied the White House, and Andy Warhol was an emerging artist. Janson offered his readers a strong focus on Western art, an important consideration of technique and style, and a clear point of view. The History of Art, said Janson, was not just a stringing together of historically significant objects, but the writing of a story about their interconnections, a history of styles and of stylistic change. Janson's text focused on the visual and technical characteristics of the objects he discussed, often in extraordinarily eloquent language. Janson's History of Art helped to establish the canon of art history for many generations of scholars. The new Seventh Edition introduces the authorship of six distinguished specialists narrating the history of art for today's students. The contribution of multiple authors allows an expert's understanding to permeate each and every part of the text with a currency in art historical thinking and an enhanced discussion of context. The result is a complete rewriting and a weaving together of expert knowledge into a meaningful and powerful presentation of Western art.
H.W.詹森(H.W.Janson,1913—1982),美国著名艺术史家,艺术史学的传奇人物,曾任纽约大学艺术系教授、系主任。詹森出生于圣彼得堡,后随家人迁往德国汉堡,就读汉堡大学期间师从艺术史大师欧文·潘诺夫斯基。后接受潘诺夫斯基的意见移民美国,于1942年获哈佛大学艺术史博士学位。曾任美国艺术院校协会主席,《艺术通报》编辑,他还是美国文艺复兴学会的创办人之一并曾任主席。詹森主要致力于文艺复兴艺术和19世纪雕塑的研究,主要的学术著作有《多纳太罗的雕塑》和《19世纪雕塑》等,晚年主要关注东西艺术对话。1962年撰写出版了艺术通史著作《詹森艺术史》,大受欢迎,很快成为艺术史教育的标准教材。
A.F.詹森(A.F.Janson),美国北卡罗来纳威明顿大学艺术史教授,博物馆策展人,H.W.詹森的儿子。从他父亲于1982年去世到2004年,由他负责修订《詹森艺术史》。
J.E.戴维斯(Penelope J.E.Davies),美国得克萨斯大学奥斯丁分校助理教授。她主攻希腊罗马艺术与建筑,同时也是一位考古学家。她的著作《死亡与皇帝:从奥古斯都到马可·奥勒利乌斯时代的罗马帝国墓葬》曾获瓦萨里奖。
沃尔特·B·丹尼(Walter B.Denny),美国马萨诸塞大学阿姆赫斯特分校艺术史教授,史密斯学院艺术博物馆伊斯兰艺术的策展顾问。他的著作包括有关奥斯曼土耳其地毯、织物和瓷器的书籍,以及有关细密画和建筑的论文。
弗利玛·福克斯·霍弗里希特(Frima Fox Hofrichter),美国布拉特学院艺术与设计史系教授、系主任。她的著作《朱迪思·莱斯特,荷兰黄金时代的一位艺术家》曾获美国艺术院校协会的米勒德·迈斯出版基金奖。
约瑟夫·雅各布斯(Joseph Jacobs),现居纽约市的独立学者,批评家及艺术史家,主要关注现代艺术。佛罗里达州萨拉索塔市约翰和马布尔·林林艺术博物馆策展人,俄克拉荷马城艺术博物馆董事,新泽西州纽瓦克博物馆美国艺术策展人。
安·M·罗伯茨(Ann M.Roberts),美国森林湖学院艺术教授,新版《詹森艺术史》的主要作者。专攻文艺复兴的艺术史家,她发表了众多有关北方和意大利文艺复兴的散文、论文和评论。她的研究主要关注文艺复兴时期的女性。
大卫·L·西蒙(David L.Simon),美国科尔比学院耶特艺术教授,2005年获学院的巴塞特教学奖。出版的著作包括大都会艺术博物馆及其分馆修道院艺术博物馆收藏的西班牙和法国南部罗马式雕塑目录。
欢迎走进詹森经典教材的第七版,之前的版本曾向数代英语学子介绍了艺术史。对于众多教授艺术史入门课的教师而言,詹森这个名字与我们介绍的主题是同义的。1962年普兰蒂斯•霍尔出版公司首次出版《詹森艺术史》时,约翰•F•肯尼迪(John F. Kennedy)仍执掌白宫,而安迪...
评分一直到29章都是非常好的艺术通史著作。 无论对于艺术入门的自学者还是较为专业的人士用来参考都很有价值。 下面只讲问题: 和以前的艺术史相比较,隐约有一条政治正确的线索:即重视女性艺术家、重视非白人艺术家,重视少数民族艺术家。 从28章开始渐渐开始出现一些问题,第一...
评分1、文字没来得及细看,翻后感觉浅显易懂,十分流畅。是西方艺术史,无中、日、非洲方面内容。 2、图片是我看过国内出版艺术史中色彩最亮的,《梅杜萨之筏》、《夜巡》都可以看得清清楚楚。就《夜巡》而言,我记得有的评论说小女孩是画作中唯一的光源,但在本书中我看到两个:...
评分目前市面上流行的多种艺术史书籍,除了贡布里希的名著《艺术的故事》,实际上都是美国大学的艺术史导论教材。《艺术的故事》是一本适于入门的好书,我却更青睐那些教材。说起来,导论教材的阅读门槛其实与面向大众的普及读本相当,更具学术性又兼顾可读性,且在系统性和严谨性...
评分听说《加德纳艺术通史》和这本二选一就行,我看了一下两者的目录和导论,觉得前者行文有一种形式上的简洁和理性,但内容略微空洞,容易让人走神,后者看上去比较像中规中矩的加料版历史课本,看着比较习惯,就选择后者。其实也只是西方主流艺术史而已。 古代:体现神话、人体、...
翻到20世纪上半叶的抽象艺术篇章,我感到了一种智力上的挑战,但也是极其充实的。作者对待立体主义的分析非常透彻,他没有将毕加索和布拉克的创新仅仅视为对自然物体的拆解,而是将其视为对人类认知局限性的哲学反思。书中对“多重视角同时呈现”的机制进行了非常清晰的图解说明,这对于一个初次接触此类复杂理论的读者来说,是莫大的帮助。而紧随其后的达达主义和超现实主义,则被赋予了强烈的时代烙印——对理性主义幻灭后产生的反抗与潜意识的探索。我尤其欣赏作者将萨尔瓦多·达利的作品与弗洛伊德的精神分析理论进行对比的段落,这种跨学科的参照,极大地丰富了对超现实主义作品“意义”的理解层次。整段的论述充满了对“何为艺术”这一核心问题的追问,并且毫不回避地展示了艺术如何从美学范畴走向了对社会和心理深层的介入。
评分最后一部分关于二战后艺术的演变,给我的感觉是彻底的解放与无序的扩张。当代艺术的复杂性常常让人望而却步,但作者在这里构建了一个清晰的导览图。他对波普艺术的分析,精准地指出了其对“高雅艺术”壁垒的嘲讽与挪用,安迪·沃霍尔的丝网印刷如何消解了原作的独特性,这本身就是对消费社会的一次艺术化批判。更令人印象深刻的是,作者没有将焦点仅仅放在欧美中心,而是开始谨慎地引入了对非西方艺术(尽管篇幅有限)的关注,并探讨了全球化背景下艺术身份的重塑。对于极简主义的讨论,则回归到一种近乎冥想的状态,通过对材料和空间的纯粹关注,来对抗信息爆炸时代的过度刺激。总的来说,这一卷的特点是开放性极强,它没有试图为一切艺术形式下一个绝对的定义,而是鼓励读者以一种开放的心态去拥抱艺术界持续不断的自我革新和边界拓展。
评分关于现代艺术的开端,尤其是在19世纪末印象派和后印象派的交锋部分,阅读体验无疑是激动人心的。这部分内容打破了以往艺术史书籍中那种线性和进步的叙事框架,转而聚焦于“视觉革命”的突发性和不连续性。作者对莫奈对光影的“瞬间捕捉”的描述,充满了对科学观察的敬意,但同时又敏锐地指出了这种看似客观的记录背后隐藏的主观情感波动。但真正让我眼前一亮的是对塞尚的论述。书中没有停留在“结构与形式”的传统评价上,而是深入探讨了塞尚如何通过分解几何形状来挑战文艺复兴以来的透视法则,这无异于对西方视觉经验的一次基础性动摇。这种对“观看方式”的颠覆,被清晰地呈现在了读者面前。对于梵高作品的分析,则充满了对艺术家精神世界的深切同情,色彩的运用不再是简单的颜料混合,而是内心情感的直接喷发,这种共情式的解读,让冰冷的艺术史文献瞬间有了温度。
评分当我翻阅到关于巴洛克与洛可可时期的章节,那种强烈的视觉冲击感几乎要穿透纸面。不同于早期对古典主义的严谨复述,这里的笔触变得更加奔放和富有激情。作者对于卡拉瓦乔光影手法的描述,简直像是在用文字重现“明暗对比法”的戏剧效果,他精准地捕捉了那种将神圣主题置于市井场景的革命性手法,以及这种手法在宗教改革后期的巨大社会影响力。更妙的是,作者没有将巴洛克简单地视为一种风格的膨胀,而是将其置于绝对君主制兴起的大背景下进行解读,清晰地展示了艺术如何被用作权力展示和情感操纵的工具。而转向洛可可时期的分析,语气又变得轻盈而带着一丝讽刺,对法国宫廷的浮华和对自然主题的过度浪漫化进行了细腻的解构。这种风格的急剧转变,在同一本书中被无缝衔接,显示出作者驾驭复杂历史叙事的高超技巧。我尤其喜欢他对于“情感过载”现象的探讨,即艺术如何从宏大的叙事转向对私人享乐的细腻描摹。
评分这部关于艺术史的巨著,确实是深入探索西方艺术发展脉络的绝佳选择。我花了相当长的时间来消化其中的内容,尤其是在中世纪晚期到文艺复兴早期这一阶段的论述,简直是为我打开了一扇全新的窗户。作者对于哥特式建筑从法国向外扩散的细微差别,以及不同城市艺术赞助人偏好的微妙差异,描绘得淋漓尽致。比如,书中对比了佛罗伦萨和西耶那画派在色彩运用和人物情感表达上的根本性区别,这种对比不是简单地罗列事实,而是深入剖析了当时的社会结构和宗教哲学如何渗透到画布之上。我特别欣赏作者在分析早期尼德兰艺术时所采用的近距离观察法,他仿佛带着放大镜,逐一审视扬·凡·艾克的油画技法革新,以及早期北方艺术对光线和材质的近乎偏执的追求。即便是对于那些耳熟能详的作品,作者也能挖掘出新的解读角度,比如将某些宗教场景的构图与当时的星象学理论联系起来,这使得原本静态的图像充满了动态的文化张力。读完这部分,我感觉自己不仅仅是在看艺术史,更是在参与一场跨越时空的文化对话。
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