d'artiste Digital Painting 2 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Ballistic Publishing

作者:Daniel Dociu

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:2010-7-1

价格:USD 75.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781921002571

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 数字绘画
• 绘画教程
• 艺术
• 插画
• 概念艺术
• Photoshop
• 绘画技巧
• d'artiste
• 绘画参考
• 艺术设计

《d'artiste Digital Painting 2》是一本专注于数字绘画艺术的综合性指南。本书深入探索了数字绘画领域的核心技术、创作流程和前沿趋势，为从初学者到经验丰富的艺术家提供了一个宝贵的学习资源。 本书的结构清晰，内容丰富，涵盖了数字绘画的多个关键方面。它首先会带领读者回顾数字绘画的基石，包括不同软件的介绍与选择，以及绘画硬件（如数位板、触控屏）的最佳实践。在软件部分，本书不会局限于单一工具，而是会根据其在数字绘画领域内的普遍性和强大功能，深入剖析主流数字绘画软件的界面布局、常用工具、笔刷设置、图层管理以及混合模式的应用。读者将了解到如何根据自己的绘画风格和项目需求，灵活运用这些工具来达到最佳效果。 在技术层面，本书将详尽阐述数字绘画中至关重要的色彩理论和运用。这包括色彩的构成、色彩的和谐搭配、色彩的情感表达以及如何在数字环境中准确地还原和调整色彩。通过对色轮、互补色、类似色等概念的深入讲解，并结合大量实例，读者将掌握如何运用色彩来增强画面的氛围感、引导观者视线，并赋予作品生命力。 构图是视觉艺术的灵魂，本书也为构图提供了专业的指导。它会讲解构图的基本法则，如三分法、黄金分割、对称与不对称、引导线等，并分析不同构图方式如何影响画面的稳定感、动感和叙事性。此外，本书还会探讨如何根据题材和主题来选择最合适的构图方案，并通过实际案例演示构图的演变过程，帮助读者培养出色的画面组织能力。 光影的表现是数字绘画中塑造立体感和空间感的关键。本书将深入讲解光源的类型、光影的走向、阴影的形态以及如何利用光影来突出主体、营造戏剧性或表现材质的质感。读者将学习到如何通过细致的光影刻画，让画面中的物体栩栩如生，赋予画面更强的真实感和感染力。 人物绘画是数字绘画中最受欢迎的主题之一。本书将提供一套系统的人物绘画教程，从人体比例、骨骼结构、肌肉纹理的学习，到面部五官的刻画、发型与服装的表现。它会一步步地引导读者掌握绘制不同年龄、性别、体态的人物技巧，并注重细节的处理，例如皮肤的质感、服装的褶皱以及表情的传达，让人物形象更加生动可信。 除了人物，风景与场景的描绘也是数字绘画的重要组成部分。本书会深入探讨如何捕捉自然光下的风景特征，如何表现不同天气下的氛围，以及如何通过细节的刻画来构建一个引人入胜的虚拟世界。从山川河流到城市街道，本书都将提供具体的创作思路和技法演示，帮助读者将脑海中的奇幻场景变为现实。 在表现手法上，本书将介绍多种数字绘画的风格与技法。这可能包括写实主义的精雕细琢、印象派的光影捕捉、卡通动漫的夸张变形，以及概念艺术的独特创意。本书将通过分析不同风格大师的作品，拆解其创作过程，让读者理解不同风格的形成原因和表现特点，并鼓励读者在掌握基础技法后，探索并形成自己的独特风格。 此外，本书还将触及一些进阶的数字绘画概念，例如纹理的应用与创建，如何在数字绘画中有效地使用笔刷库，以及如何通过后期处理来提升画面的整体效果。它可能会介绍一些常用的后期调整工具，如色彩平衡、曲线、饱和度等，并演示如何利用这些工具来优化画面的色彩、对比度和亮度，使其达到更专业的水准。 本书的价值还在于其丰富的案例研究和艺术家访谈。通过对当前数字绘画领域杰出艺术家的作品进行深入分析，读者可以学习到他们的创作思路、技法亮点以及解决问题的经验。艺术家访谈则能提供宝贵的行业洞察和个人经验分享，帮助读者了解数字绘画行业的最新发展趋势，以及职业艺术家是如何在实践中不断提升自己的。 总而言之，《d'artiste Digital Painting 2》是一本内容翔实、技术全面、案例丰富、启发性强的数字绘画艺术指南。它不仅是学习数字绘画技巧的教科书，更是激发创作灵感、探索艺术可能性的引路人。无论您是渴望踏入数字绘画世界的初学者，还是寻求突破瓶颈的资深艺术家，本书都能为您提供宝贵的知识和指导，助您在数字艺术的道路上更进一步。

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我是一个刚刚步入数字艺术领域不久的“小白”，很多专业的术语和复杂的流程对我来说就像是天书。然而，这本书的叙事风格却出乎意料的亲切和接地气，完全没有那种高高在上的学院派架子。作者似乎非常懂得初学者的痛点，总能用最简单直白的语言，将那些看似高深的理论层层剥开，就像剥洋葱一样，让你一步步领会到其中的精髓。我尤其欣赏它在讲解基础概念时所采用的类比手法，那些比喻生动形象，让我一下子就能抓住问题的核心。比如，讲解光影关系时，它没有堆砌复杂的物理公式，而是将画布想象成一块被阳光照射的物体，这种具象化的引导，极大地降低了我的心理门槛。读起来一点也不觉得枯燥乏味，更像是跟随一位经验丰富、耐心十足的导师在进行一对一的私教课。它提供的不仅仅是“做什么”的指南，更重要的是“为什么这么做”的底层逻辑，这种思维层面的培养，远比单纯的按部就班更有价值。

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这本书的结构安排着实体现了极高的编排智慧，它并非简单地将各种绘画技巧罗列堆砌，而是一条精心铺设的进阶之路。初学者阶段的内容处理得极其稳健，注重基本功的夯实，从画布设置到笔刷的自定义，每一个基础环节都被细致入微地拆解，让人感觉每一步操作都脚踏实地，绝无浮躁。随后，章节的过渡衔接得如同行云流水般自然，当你感觉自己已经掌握了前一个模块的知识时，下一章的内容便恰到好处地引入了新的挑战，这种循序渐进的节奏感，极大地增强了读者的成就感和持续学习的动力。我发现，即便是之前在其他地方学到过的内容，通过这本书的视角重新审视，也能发现新的理解角度和更优化的操作流程。这种知识的深度与广度并存的编排方式，让它不仅适合刚入门的新人，对于那些想要系统梳理自身知识体系，查找技术盲点的资深爱好者来说，也是一本极佳的参考手册。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，配合着封面那富有张力的色彩搭配，简直就像是艺术品本身。我特意把它放在书架最显眼的位置，每次路过都会忍不住多看几眼。内页的纸张选择也非常考究，光滑细腻，即使用普通的铅笔在上面涂画，也能感受到笔触的阻尼感，这对于经常需要做笔记或者快速草图的读者来说，无疑是一个加分项。虽然我还没来得及深入研究里面的具体技巧，但光是翻阅那些精美的插图和排版布局，就足以让人心潮澎湃，激发创作的欲望。作者在版式设计上显然下了不少功夫，留白恰到好处，既保证了视觉的呼吸感，又有效地引导了读者的视线，使得即便是零基础的新手，也能从中找到学习的脉络和方向感。而且，细节处理得非常到位，比如扉页上的题词，字体选择的古典与现代的结合，都透露出一种对艺术的敬畏和对读者的尊重。这本书的“硬件”配置，已经为一次愉快的阅读体验打下了坚实的基础，让人对即将展开的“软件”内容充满了美好的期待和好奇心。

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我平时对“流程化”的学习方法有些抗拒，总觉得艺术创作应该充满随机性和灵感爆发，但这本书却巧妙地在“流程”和“自由”之间找到了一个绝妙的平衡点。它并没有强迫你像机器人一样复制粘贴作者的步骤，而是提供了一套高效的工作流框架，让你可以将精力从繁琐的技术操作中解放出来，更多地投入到创意构思和情感表达上。例如，它在介绍材质渲染时，并没有给出唯一的“标准答案”，而是列举了多种不同的处理思路，并分析了每种思路在不同光照条件下的效果差异。这实际上是在教导读者如何建立自己的“创作工具箱”，明白不同工具的适用场景，从而在面对千变万化的创作需求时，能够迅速做出最合适的反应。这种强调“方法论”而非“固定模板”的教学理念，让我看到了数字艺术创作中那种令人向往的自由度，感觉自己不再是被技术所束缚的工匠，而是真正拥有驾驭工具的艺术家。

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从纯粹的视觉效果和内容的实用价值来看，这本书达到了一个非常高的水准。我特别关注那些关于高级特效和后期处理的章节，通常这些内容在市面上的教程中往往含糊其辞，或者只展示最终结果而不深入讲解背后的逻辑。然而，这本书在这方面表现得异常慷慨和透明，作者似乎毫无保留地分享了自己多年积累的“独门秘籍”，无论是关于如何模拟逼真的环境光反射，还是如何通过图层混合模式创造出戏剧性的色彩对比，都有详尽的步骤分解和原理阐述。更难能可贵的是，它提供的案例都是经过精心挑选的、具有高度代表性的作品，使得读者在跟随练习时，不仅学到了技术，更潜移默化地吸收了高质量作品的审美标准。我已经迫不及待地想将书中的知识点应用到我自己的项目中去，相信有了这些扎实的理论和实践指导，我的作品质量绝对能提升到一个新的台阶。

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很精美的作品，同时也是一部教程。适合有相当基础的插画师。

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