具体描述
本书是作者多年摄影教学与艺术创作的总结，全书分为摄影造型基础和摄影艺术创作两个部分，撇开枯燥的基础摄影知识，以大量的摄影实例，图文并茂地阐述了摄影造型中的规律与要点，旨在帮助读者广开思路，扩大艺术视野，掌握艺术审美规律，培养摄影者敏锐的观察力和创造力。
作者简介
宋焕成，清华大学教授
美术学科绘画与摄影方向硕士研究生导师
中国高等教育学会摄影教育专业委员会副主席
北京摄影家协会副主席
北京高校摄影研究会理事长
中国摄影家协会会员
中国美术家协会会员
自1981年，先后承担摄影作品赏析、摄影基础与实践、摄影艺术创作、摄影与绘画色彩研究、广告摄影的艺术表现等本科生和研究生课程。曾获教育奖励基金二等奖。
1996年在日本尼康株式会社研究摄影技术，进行摄影创作并举办个人摄影艺术展。
摄影作品发表及参展两千余件。曾参加第三届《大众摄影》黑白摄影艺术联展、印度国际影展、中国三地摄影艺术展等。作品在美、日、德、法等多国相继展出。曾获全国首届教师美术、摄影、书法比赛摄影一等奖，首届凤凰光学摄影教育奖励基金“红烛奖”等。
目录信息
读后感
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用户评价
从器材使用的角度来看，这本书的处理方式非常成熟和平衡。它没有陷入追逐最新款相机的泥潭，而是将重点放在了如何“用好你现有的工具”上。对于镜头语言的解析部分，我感觉作者简直是一位语言学家，他将不同焦距的镜头——从广角到长焦——比作不同的“情绪放大器”。广角镜头如何夸张空间感，营造压迫或开阔的氛围；长焦镜头如何压缩景深，将遥远的事物拉到眼前，聚焦情感。这种生动形象的比喻，让我立刻明白了为什么某些场景非得用特定的镜头不可。更贴心的是，书中对闪光灯和自然光结合的实战案例分析非常透彻。作者没有使用复杂的影棚布光图，而是用非常生活化的场景，比如咖啡馆的窗边、街角的灯光，教我们如何借力打力，创造出专业级别的光效。这对于那些预算有限、主要在户外或室内自然光下创作的摄影爱好者来说，简直是宝藏级别的指导。
评分这部作品的画面构图简直是教科书级别的，每一个元素都摆放得恰到好处，光影的运用更是出神入化。尤其是在处理风景摄影时，作者对景深的把握，以及如何利用前景、中景和背景的层次感来引导观众视线，展现得淋漓尽致。那些关于如何选择不同焦段镜头来表达不同情感的章节，对我这个业余爱好者来说，简直是醍醐灌顶。我以前总是随手乱拍，现在学会了有意识地去构建画面，去思考“我在画面中到底想说什么”。书里介绍的那些后期处理技巧也相当实用，不是那种复杂的、让人望而却步的参数调整，而是真正能提升照片质感的实用小窍门。比如，如何通过微妙的色彩平衡来营造特定的氛围，或者如何通过锐化和降噪来优化细节。读完之后，我感觉自己的摄影眼被重新打开了，看世界的角度都变得不一样了。它不仅仅是一本技术手册，更像是一本关于“如何看世界”的艺术指南。我特别喜欢其中关于“慢门”的探讨，作者如何用长时间曝光将流动的河流或天上的云彩凝固成梦幻般的画面，那份宁静和力量感是其他书里很少能捕捉到的。
评分这本书的叙事风格非常独特，它不像那种冷冰冰的说明书，而是带着一种娓娓道来的亲切感。作者似乎坐在我对面，很耐心地分享着他多年的经验和感悟。我尤其欣赏他对“光线是摄影的灵魂”这一主题的深度挖掘。书中详细对比了清晨、正午、傍晚以及阴天不同光照条件下的拍摄策略，并且配有大量的实例图，让人一目了然。比如，在处理逆光人像时，作者介绍的几种打光技巧，不仅解决了曝光问题，还巧妙地利用了轮廓光，使得人物主体更加突出，富有立体感。这种理论与实践紧密结合的写法，极大地提高了我的学习效率。对我这个追求纪实风格的摄影师来说，书中关于“瞬间的捕捉”那一章提供了很多启发。如何预判被摄体下一秒的动作，如何将决定性瞬间完美地定格，这需要极高的观察力和反应速度，而作者提供的那些训练方法确实很有帮助，让我开始有意识地去练习自己的“预见性”。这本书的排版设计也很舒服，留白得当，阅读体验极佳，让人愿意一页一页地沉浸其中，而不是感到信息量过载。
评分我特别欣赏作者在书中对“摄影伦理与表达尺度”的探讨，这是一个很多教学书籍会避而不谈的敏感话题。书中用相当客观的笔墨分析了在拍摄人文纪实、街头抓拍时，如何平衡艺术表达的权利与被摄者隐私的保护。作者分享了一些他处理争议性题材时的内心挣扎和决策过程，这不仅仅是技术层面的教学，更是一种职业素养的培养。他强调了“尊重”永远是第一位的，技术手段可以帮助你更好地完成创作，但不能成为侵犯他人尊严的借口。这种对社会责任感的强调，让我对摄影这项活动有了更深一层的敬畏。此外，书中关于“图片故事化”的章节也极具价值。如何将一系列看似零散的镜头碎片，通过内在逻辑和情感线索串联起来，形成一个完整、有说服力的叙事，作者提供了清晰的步骤和范例。这对于我未来计划进行长期项目拍摄的野心来说，提供了坚实的理论基础和实践路径，让我对接下来的学习方向更加明确了。
评分我得说，这本书对“创作理念”部分的探讨，是它最让我惊喜的地方。很多摄影教学书只停留在“如何操作相机”的层面，但这本书却勇敢地迈入了“为什么而拍”的哲学思考。作者并没有直接给出标准答案，而是通过列举不同艺术流派对摄影的理解，引导读者去构建自己的艺术语言。书中对“个人风格的形成”的论述尤为精辟，他强调，技术只是工具，真正的力量来源于你对世界独特的情感投射。我深受启发的是其中关于“留白与意境”的讨论，如何通过不拍满画面，而是留下想象的空间，来增强作品的叙事张力。这与传统的“清晰、完整”的拍摄思路形成了鲜明的对比，也让我开始反思我自己的作品是不是过于直白了。对于那些渴望从“记录者”蜕变为“创作者”的摄影人来说，这本书无疑是一剂强心针。它鼓励你打破常规，去挖掘镜头背后更深层次的个人表达，这在目前的摄影教材中是相当难得的。
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