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页数:119

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出版时间:2008-10

价格:38.00元

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isbn号码:9787806788400

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《光影的艺术：透视与空间营造的奥秘》 这是一本深入探索视觉空间与光影表现的专业书籍。它并非一本关于立体构成基础理论的入门读物，而是将目光聚焦于光影作为塑造三维感、增强空间深度与传递情感的强大媒介。本书将带领读者超越平面二维的描绘，进入一个由光线与阴影交织而成的丰富世界，理解它们如何协同作用，赋予物体以体积，构建出引人入胜的场景。 核心内容概览： 1. 光线的本质与特性： 光源的类型与性质： 从自然光（太阳、月光）到人造光（点光源、线光源、面光源、聚光灯、散射光等），详细分析不同光源的光谱、色温、强度和照射范围的特点。 光线的传播与互动： 讲解光线的直线传播、反射、折射、散射等基本物理现象，以及它们如何影响我们感知到的物体形态和空间关系。 色彩与光影的交融： 深入剖析色彩在不同光照条件下的变化，以及色彩如何影响光影的冷暖、明暗和饱和度，从而营造出特定的氛围。 2. 阴影的构成与表达： 阴影的种类： 区分本影、半影，并分析它们是如何由光源的性质和物体的几何形状决定的。 投影的原理： 详细解析物体在不同角度、不同距离光源照射下形成的投影规律，包括侧影、背影、内部阴影等。 阴影的艺术化处理： 探索如何通过控制阴影的形状、大小、密度和边界模糊度，来增强物体的立体感、区分空间层次、暗示时间流逝甚至表达情绪。例如，锐利的阴影可以制造戏剧性的冲突感，而柔和的阴影则能营造宁静或梦幻的氛围。 3. 光影在空间营造中的应用： 空间层次的构建： 学习如何运用明暗对比来区分前景、中景和远景，引导观者视线，制造空间的纵深感。 体积感的塑造： 详细讲解如何通过高光、阴影的合理布局，勾勒出物体的轮廓和曲面，使其从二维的画面中“浮现”出来，具有真实的质感和体量。 环境的烘托与氛围的渲染： 分析光影如何影响和定义一个空间的环境，例如，透过窗户的光束可以强调室内空间的开放性，而昏暗的光线下则可能暗示秘密或危险。本书将提供大量案例，展示如何在不同场景（室内、室外、自然光、人工光）中运用光影技术来营造特定的氛围，如温暖、神秘、庄重、活力等。 叙事性的光影： 探讨光影作为一种视觉语言，如何参与到故事叙述中。例如，一道穿透黑暗的光可以象征希望，而阴影的笼罩则可能预示着困境。 4. 实践技巧与表现手法： 写实光影的绘制： 提供从素描到数字绘画的多种写实光影表现技巧，包括笔触、纹理、明暗过渡等。 风格化光影的探索： 鼓励读者突破写实的束缚，探索更具表现力的风格化光影，如扁平化设计中的模拟光影、印象派对光色的捕捉、以及表现主义对情绪化光影的运用。 案例分析与灵感启发： 收录大量经典艺术作品（绘画、摄影、电影截图）、建筑设计图、以及现代设计作品中的光影运用案例，进行深入的剖析，帮助读者理解并汲取灵感。 本书特点： 理论与实践并重： 不仅提供坚实的理论基础，更注重实际操作技巧的传授。 图文并茂，视觉化强： 大量精美的插图、示意图和范例作品，直观展示光影的构成与变化。 跨领域视角： 融合了绘画、摄影、电影、建筑、工业设计等多个领域的优秀实践，提供多元化的启发。 强调观察与思考： 鼓励读者在日常生活中敏锐地观察光影现象，并学会将其转化为创作的语言。 目标读者： 本书适合所有对视觉艺术创作感兴趣的人士，包括但不限于： 绘画爱好者、素描与色彩学习者 平面设计师、插画师、概念艺术家 摄影师、摄像师 电影美术指导、场景设计师 建筑师、室内设计师 对光影在视觉艺术中作用有深入探究需求的专业人士 《光影的艺术：透视与空间营造的奥秘》将是一本引导您深入理解光与影的力量，并将其巧妙融入您的创作中的宝贵指南。它将教会您如何“看见”光，如何“运用”影，从而赋予您的作品前所未有的生命力与空间感。

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我是一个平面设计师，入行多年，总觉得自己在空间想象力上有所欠缺，很多时候做出来的东西总感觉“飘”着，不够“落地”。朋友推荐了这本书后，我抱着试一试的心态开始阅读。这本书的价值在于，它强迫你跳出二维的平面思维，去真正感受物体在空间中的重量、穿插和相互支撑关系。书中关于“序列变化”的探讨尤其击中了我——如何通过渐变、重复和扭转来制造视觉的引导线索。我开始尝试将这些方法应用到我的海报设计中，效果立竿见影，画面瞬间有了呼吸感和深度。我甚至开始用一些积木或者简单的纸板来模拟书中的一些小练习，这种动手实践的环节设计得非常巧妙，让你在操作中理解理论。这本书与其说是一本理论书，不如说是一本系统的思维训练手册，它训练的不是你的手，而是你的大脑如何看待和组织空间元素。

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说实话，我本来对这类偏理论性的书籍是抱着怀疑态度的，总觉得读起来会像啃石头一样乏味。但是《立体构成》彻底颠覆了我的看法。作者的叙事风格非常独特，像是在和一个经验丰富的老师面对面交流。他没有直接给出标准答案，而是设置了一系列开放性的问题，引导读者去思考“为什么”和“怎么样”。比如，在讨论“韵律感”的营造时，书中穿插了好几个不同文化背景下的建筑或雕塑片段，然后对比分析它们在节奏处理上的差异，这种跨学科的视角让我耳目一新。更让我惊喜的是，书中还探讨了动态构成在现代装置艺术中的应用，这部分内容非常前卫，让我看到了构成学不仅仅是静止的美，更是一种时间的艺术。我不得不佩服作者的知识广度，能够将古典美学与当代艺术思潮如此完美地融合在一起，推荐给所有想在视觉艺术领域深耕的朋友们，它绝对能帮你打下最坚实的基础。

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这本书给我的整体感觉是：沉静而有力。它没有花哨的辞藻去吸引眼球，而是用一种近乎严谨的态度去解构和重塑我们对三维空间的认知。我特别欣赏其中关于“负空间”的章节，作者用了很多对比图例，清晰地展示了“看不见的部分”是如何烘托“看得到的部分”的。这不仅仅是技术层面的讲解，更是一种哲学思考——如何平衡“有”与“无”。读这本书的过程中，我常常会停下来，拿起手边的任何物品，试着去分析它内部的构成逻辑，那种思维的转变是潜移默化的。我感觉作者非常尊重读者的智力，他相信读者有能力去领悟那些微妙的平衡和张力。纸张的质感也很好，印刷清晰，即便是复杂的结构剖面图也展现得淋漓尽致，这对于需要细致观察的读者来说太重要了，体现了出版方对内容质量的尊重。

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这本书的内容组织逻辑，就像一个精密的手风琴，层层递进，收放自如。一开始是基础元素（点、线、面）的解析，然后逐渐过渡到复杂的组合关系，最后上升到对整体环境的感知。我最喜欢的是书中对“尺度感”的阐述，作者没有简单地给出尺寸比例，而是结合了人类的感知系统，探讨了宏大叙事和小尺度细节之间的情感联系。这种人文关怀让原本冰冷的构成学变得有了温度。我发现，读完这本书后，我去看那些大型公共艺术作品时，不再是走马观花，而是会下意识地去分析它们是如何利用体块的对比来吸引视线的。这本书的语言风格非常醇厚，没有过多修饰，但字里行间透露出作者长期的学术积累和对美的执着追求。它不仅仅是一本工具书，更像是一次精神上的洗礼，让你重新认识到“形式服务于内容”的真正含义。

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这本书的封面设计真是太引人注目了，那种几何图形的交错和光影的运用，一下子就把我带入了一个充满想象力的空间。我翻开第一页，就被作者那种细腻入微的观察力给震撼了。它不是那种枯燥的理论堆砌，而是通过一系列生动的案例，将抽象的“构成”概念具象化了。比如，书中对“黄金分割”在不同艺术品中的应用分析，简直是教科书级别的讲解，条分缕析，让人茅塞顿开。我尤其喜欢它对于材质肌理的描述，那种笔触的轻重缓急，仿佛能透过文字感受到材料本身的温度和质感。读完前几章，我感觉自己对身边环境的感知都提升了一个层次，看任何东西都多了几分“结构感”和“秩序美”。这本书的排版也做得极好，留白恰到好处，每页的布局都像是经过精心设计的构成作品，读起来非常舒服，完全没有视觉疲劳。对于一个初学者来说，这本书无疑是一扇通往设计世界的神奇大门，它没有故作高深，而是用最朴素的语言，引导你发现潜藏在生活中的美学规律。

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