具体描述
《戏曲作曲教程》作为专业课教材。但二十多年过去了，现在重读这《戏曲作曲教程》，感到不满足了，于是必须作一次大的修改，由上海音乐学院出版社重新出版。中国戏曲几百年来通过表演艺术家（演员和乐师们）的不断努力，在创腔和伴奏方面积累了丰富的经验。尤其从20世纪40年代起，有不少专业作曲家投入这一工作，他（她）们将西洋作曲技法带入戏曲音乐创作之中，使戏曲音乐发生了新的变化。他们所取得的璀璨成绩，在近代戏曲史上掀开了新的篇章；他们的宝贵经验，值得我们认真学习。
这本《戏曲作曲教程》是在20多年前我编著的《戏曲作曲》基础上发展而成。《戏曲作曲》原是上海音乐学院戏曲作曲专业的教材，1983年编成，1989年由上海音乐出版社出版，1999年荣获上海音乐学院第四届科研（教材）成果一等奖。近年来，上海音乐学院又开设了戏曲作曲专业课．仍将这
这次修改，在保留原有框架基础上加以充实，加强实例分析，对实用性的作曲技法进行较为详细的剖析，引导学生理论与实践结合起来，以点带面地逐步深入。
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读后感
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用户评价
我是一位退休多年的老音乐教师，虽然我的专业是古典音乐，但一直以来，我对中国传统戏曲音乐都怀有一种特殊的敬意和好奇。我总觉得，在那些古老而又充满韵味的唱腔中，蕴含着中华民族独特的审美情趣和哲学思想。然而，由于缺乏系统的学习资料，我一直无法深入了解其中的奥秘。《戏曲作曲教程》的出现，填补了我在这方面的空白。这本书的学术性非常强，但又不像我以前读过的那些专业书籍那样晦涩难懂。作者的语言非常严谨，但同时又充满了人文关怀。他不仅仅是在讲解音乐的知识，更是在传递一种对戏曲艺术的热爱。书中对于戏曲音乐的起源、发展、各个剧种的特点，都有非常详尽的介绍。我尤其喜欢作者在分析不同剧种的音乐风格时，所引用的那些经典唱段。他会详细地剖析这些唱段的旋律构成、节奏特点、配器手法，并将其与当时的社会背景、文化思潮相结合，让我能够更深刻地理解戏曲音乐的时代意义。这本书，让我对戏曲音乐有了全新的认识。我不再仅仅将其视为一种表演形式，而是将其看作是中国传统文化的一个重要载体。通过这本书，我仿佛能够穿越时空，去感受那些曾经辉煌的时代，去聆听那些流传千古的旋律。对于我这样一位有着深厚音乐功底的老教师来说，这本书无疑是难得的学习材料，它不仅让我学到了新的知识，更让我重拾了对中国传统音乐的热情。
评分我是一位正在学习编剧的大学生，在我的学习过程中，我发现，好的剧本离不开音乐的烘托。尤其是在一些古装剧、历史剧的创作中，音乐起着至关重要的作用。然而，我对于音乐的了解仅限于皮毛，很难理解音乐是如何服务于剧情的。《戏曲作曲教程》这本书，为我提供了一个全新的视角，让我能够从戏剧性的角度去理解戏曲音乐的创作。作者在书中，并没有仅仅关注音乐本身的技巧，而是着重强调了音乐与剧情、人物之间的关系。他详细讲解了如何根据人物的性格、所处的境遇、内心的情感变化，来创作出与之相匹配的唱腔和伴奏。书中对于“音乐的叙事性”的强调，给我留下了深刻的印象。作者认为，戏曲音乐不仅仅是唱词的装饰，更是剧情的延伸和发展。通过音乐，可以表达人物的潜台词，可以渲染气氛，可以推动剧情的发展。我尤其喜欢书中对于“衬词”和“过门”的讲解。作者解释了这些看似不起眼的音乐元素，在戏曲表演中起到的重要作用，它们能够起到连接唱段、表达情感、烘托气氛的作用。这本书，让我明白了，音乐对于戏剧创作的重要性，也为我今后的剧本创作提供了重要的参考。我不再只是从文字层面去构思剧情，而是能够开始从音乐的角度去思考，如何让音乐成为我剧本不可分割的一部分。
评分我是一名业余的戏曲爱好者，平时喜欢听戏、看戏，但对于戏曲音乐的创作，一直都觉得是一件非常遥远的事情。直到我翻阅了《戏曲作曲教程》，我才意识到，原来创作一台戏曲，并不是一件遥不可及的事情。这本书的写作风格非常接地气，它用最通俗易懂的语言，将戏曲作曲的奥秘一点点地展现在读者面前。作者并没有一开始就抛出复杂的理论，而是从最基础的“听”开始，引导读者去感受戏曲音乐的魅力。他会让你去留意唱腔中的每一个字，每一个音，去体会它们是如何被赋予情感的。我印象最深刻的是，书中关于“戏曲锣鼓”的讲解。我一直觉得锣鼓点只是简单的节奏，但通过这本书，我才明白，原来锣鼓点也是有“性格”的，不同的锣鼓点能够烘托出不同的气氛，表达出不同的情感。作者还提供了一些简单的模仿练习，让读者可以亲自动手去尝试，去感受创作的乐趣。虽然我创作出来的东西还很粗糙，但我能够感觉到，我正在一点点地掌握创作的窍门。这本书，就像一位循循善诱的老师，它鼓励你去尝试，去探索，去发现自己内心的创造力。对于我这样的业余爱好者来说，这本书无疑是打开了新世界的大门，让我能够以一种更深入、更主动的方式去参与到戏曲艺术中来。
评分我是一名正在攻读音乐学硕士的在读学生，研究方向偏向于民族音乐。在撰写毕业论文的过程中，我遇到了一个难题，那就是如何将传统戏曲音乐的理论知识与现代音乐创作手法进行有效的结合。市面上的一些戏曲音乐研究著作，虽然学术性很强，但往往过于偏重理论的梳理和考证，在实际的作曲技法指导上显得不足。《戏曲作曲教程》的出现，无疑是为我打开了一扇新的窗户。这本书在理论深度上丝毫不亚于那些专业的学术著作，但它的创新之处在于，它并没有止步于理论的阐述，而是将理论知识巧妙地融入到具体的作曲实践中。作者在书中对于戏曲音乐的各个组成部分，如唱腔、伴奏、锣鼓等，都进行了详尽的分析，并且提出了非常具有操作性的作曲思路。我特别赞赏书中对于“情景化作曲”的强调，它不仅仅是让你学习如何写旋律，更是让你去思考，如何通过音乐来塑造人物，如何用旋律来表达情感，如何让音乐成为剧情的有机组成部分。书中提供的案例分析，涵盖了不同剧种、不同时期、不同风格的戏曲，这极大地拓宽了我的视野，也让我看到了戏曲音乐创作的无限可能性。我曾尝试着根据书中的指导，去改编一些经典的戏曲唱段，并加入一些现代的配器元素。令我惊喜的是，通过运用书中教授的技法，我不仅能够保留戏曲原有的韵味，还能赋予它新的生命力，使其在现代的语境下焕发出新的光彩。这本书对于我这样的研究生来说，无疑是宝贵的财富，它不仅帮助我解决了论文写作中的一些难题，更重要的是，它激发了我对戏曲音乐创作的更深层次的探索热情。
评分说实话，我之前对戏曲作曲的了解，仅限于一些零散的道听途说，总觉得这是一门非常神秘且难以触及的学问。直到我无意中发现了《戏曲作曲教程》，我的整个观念都被颠覆了。这本书，简直就像一位热情洋溢的向导，带领我一步步走进了戏曲音乐的奇妙世界。让我印象最深刻的是，作者在讲解戏曲音乐的构成元素时，并没有采用那种枯燥的罗列方式，而是通过生动形象的比喻和故事，将复杂的概念变得易于理解。比如，在讲解“曲牌”时，作者会将其比作是戏曲音乐的“通用语”，每一个曲牌都有其独特的性格和情感倾向，而作曲家则是在这些“通用语”的基础上，根据剧情的需要进行巧妙的组合和变化。这种讲解方式，让我觉得非常有趣，也更容易将知识点牢牢地记在脑海里。此外，书中关于“旋律创作”的部分，更是让我大开眼界。作者并没有直接教你如何“套用”模板，而是强调要从“意境”出发，从“人物”出发。他会引导你去思考，一个人物在怎样的情境下，会发出怎样的声音，会选择怎样的旋律。这种“以情带声，以声传情”的创作理念，让我觉得非常有启发性。我曾经尝试着根据书中的一些小练习，来创作一些简单的戏曲旋律，虽然稚嫩，但我能感觉到，我正在一步步地接近戏曲音乐的精髓。这本书，不仅让我了解了戏曲音乐的“是什么”，更重要的是，它让我明白了戏曲音乐的“为什么”，以及“如何去做”。
评分作为一个有着多年舞台表演经验的戏曲演员，我一直觉得，对于音乐的理解，不仅仅是唱好每一句词，更需要理解音乐背后的逻辑和情感。很多时候，我们只是被动地接受作曲家创作好的音乐，但内心深处，我一直渴望能更深入地理解作曲家是如何将文字转化为旋律，如何将情感注入到节奏中。直到我读了《戏曲作曲教程》，我才真正明白，原来戏曲音乐作曲是一门如此精妙的艺术。《戏曲作曲教程》的语言非常朴实易懂，即使是没有音乐基础的人，也能大致理解书中的内容。它没有那些枯燥乏味的专业术语，而是用最直观的方式，为你展示戏曲音乐的魅力。作者在书中，用生动的语言，为我们剖析了戏曲音乐的灵魂——“情”。他详细讲解了如何根据人物的性格、所处的境遇、内心的情感变化，来创作出与之相匹配的唱腔和伴奏。书中列举了大量的戏曲片段，并对这些片段的音乐进行了解析，让你能够清楚地看到，作曲家是如何运用旋律的起伏、节奏的快慢、音色的变化，来表现人物的喜怒哀乐。我尤其喜欢书中关于“唱腔板式”的讲解，它让我明白了，为什么不同的唱段会有不同的旋律和节奏，以及这些变化是如何服务于剧情的。这本书，就像一位经验丰富的老师，耐心地引导着我，去发现戏曲音乐中那些隐藏的细节，去体会那些微妙的情感变化。作为演员，这本书让我对自己的表演有了更深的理解，我不再只是被动地去演绎，而是能从音乐层面去把握人物，去赋予角色更丰富的生命力。
评分这本书的出现，简直就是一股清流，彻底颠覆了我过去对戏曲作曲学习的认知。我一直对戏曲音乐有着浓厚的兴趣，尤其着迷于那些婉转悠扬的唱腔，以及它们如何与剧情跌宕起伏的情感完美融合。然而，市面上相关的书籍，要么过于晦涩难懂，要么内容过于零散，很难形成一个系统性的学习体系。当我偶然间翻阅到《戏曲作曲教程》时，我立刻被它所吸引。首先，它的结构设计非常合理，从最基础的乐理知识讲起，逐步深入到戏曲音乐的各个方面。作者并没有直接抛出复杂的作曲技法，而是循序渐进，让你在理解了戏曲音乐的底层逻辑后，再慢慢接触更深层次的内容。书中对戏曲锣鼓点、曲牌、唱腔板式等核心要素的讲解，简直是细致入微。我尤其喜欢作者在讲解某个唱腔板式时，会结合具体的戏曲片段，分析其旋律走向、节奏变化以及与角色情感的对应关系。这种“理论与实践相结合”的学习方式，让我受益匪浅。而且，书中还提供了大量的范例，这些范例不仅仅是单纯的乐谱，还配有详细的解读，解释了作曲家是如何运用各种音乐元素来烘托人物形象、推动剧情发展的。我常常会一边看书，一边去听相应的戏曲选段，那种感觉就像是在和作曲家进行一场跨越时空的对话，深刻地理解了他们创作的巧思。这本书不仅仅是教你如何“作曲”，更重要的是，它在引导你“理解”戏曲音乐的灵魂。它让你明白，戏曲作曲并非是冰冷的技巧堆砌，而是一种情感的表达，是一种对人生百态的洞察。读完这本书，我感觉自己对戏曲音乐的理解又上了一个台阶，仿佛打开了一扇新的大门，让我能够更深层次地去欣赏和品味那些经典的戏曲作品。即使是对戏曲作曲一无所知的新手，也能从中找到学习的路径。
评分作为一名热爱中国传统文化的普通上班族，我平时喜欢听听戏，看看戏，感受传统文化的魅力。但一直以来，我对于戏曲背后的音乐创作，都感到十分神秘和遥远。《戏曲作曲教程》的出现，彻底改变了我的看法。这本书，就像一位和蔼可亲的老师，用最朴实、最真诚的语言，为我打开了戏曲音乐的大门。我最欣赏的是，作者在讲解每一个音乐概念时，都会结合大量的戏曲实例，让我能够清晰地看到，理论是如何在实践中得到应用的。比如，在讲解“唱腔板式”时，作者会引用几段不同板式的经典唱词，然后详细分析它们的旋律、节奏、以及与剧情的契合度。这种“理论结合实践”的学习方式，让我学到的知识不再是空洞的理论，而是鲜活的、有生命力的。书中的语言非常流畅，读起来没有丝毫的压力，反而有一种越读越想读下去的感觉。我尤其喜欢作者在描述音乐时所用的那些生动的词汇，仿佛能让我亲身感受到那些旋律的起伏和情感的流动。通过这本书，我对戏曲音乐的理解，不再停留在表面的“听热闹”，而是能够开始理解其中蕴含的智慧和情感。这本书，让我对戏曲艺术的喜爱，又加深了一层。它不仅让我学到了音乐知识，更重要的是，它让我感受到了中国传统音乐的独特魅力。
评分作为一名一直在探索不同音乐风格的独立音乐人，我一直对中国传统音乐有着浓厚的兴趣，尤其是在我接触到戏曲音乐后，我被它那种独特的旋律、节奏和情感表达方式深深吸引。《戏曲作曲教程》这本书，为我提供了一个非常宝贵的视角，让我能够从更专业的角度去理解和借鉴戏曲音乐的创作精髓。书中对于戏曲音乐的理论分析非常深入，但又不像许多学术著作那样生硬，而是将理论与实践紧密结合。作者在讲解唱腔的旋律走向、节奏变化时，会引用大量的经典戏曲片段，并对其进行细致的剖析，让我能够清晰地看到作曲家是如何运用音乐元素来塑造人物形象、推动剧情发展的。让我特别受益的是，书中关于“戏曲与戏剧性”的阐述。作者强调，戏曲作曲不仅仅是音符的排列组合，更是情感的传达和戏剧冲突的烘托。他引导读者去思考，如何通过音乐来表现人物的内心世界，如何用旋律来渲染气氛，如何让音乐成为戏剧叙事的重要组成部分。我尝试着将书中学习到的戏曲音乐的创作理念，融入到我自己的音乐创作中。我发现，借鉴戏曲音乐中那种“情景交融”的创作手法，能够让我的音乐作品更具感染力和表现力。这本书，对于我这样的跨界音乐人来说，是一本不可多得的参考资料，它帮助我拓宽了音乐创作的思路，也让我对中国传统音乐的魅力有了更深的体会。
评分自从我迷上戏曲，我就对那些婉转悠扬的唱腔和铿锵有力的锣鼓点充满了好奇，总想知道它们是怎么来的。《戏曲作曲教程》这本书，简直就像一位慈祥的长者，耐心细致地为我揭开了戏曲音乐的神秘面纱。最让我惊喜的是，这本书的语言风格非常亲切，没有那些让人望而生畏的专业术语，而是用很多生动的比喻和故事，把复杂的音乐理论变得妙趣横生。比如，在讲到“板式”的时候，作者会把它比作是戏曲音乐的“骨架”，不同的板式有着不同的性格和情感色彩，作曲家就像一位技艺精湛的建筑师，用这些“骨架”搭建出各种各样的旋律。我最喜欢的部分是关于“情”与“声”的结合。作者反复强调，戏曲作曲的灵魂在于“情”，音乐是为表达情感而服务的。书中举了很多具体的例子，比如，如何通过旋律的抑扬顿挫来表现人物的悲伤，如何通过节奏的变化来展现人物的激动。我曾尝试着根据书中的指导，去哼唱一些简单的旋律，然后尝试着加入一些简单的锣鼓点。虽然我的成果还很粗糙，但我能感觉到，我正在一步步地接近戏曲音乐创作的核心。这本书，让我从一个被动的听众，变成了一个跃跃欲试的创作者。它不仅教会了我“怎么做”，更重要的是，它让我明白了“为什么这么做”，让我对戏曲音乐的理解，上升到了一个新的高度。
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