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☆☆☆☆☆

出版者:Routledge

作者:Jame Wierzbicki

出品人:

页数:328

译者:

出版时间:2008-11-26

价格:USD 110.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780415991988

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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• 电影学
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• 电影研究
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• 作曲家
• 音乐赏析

好的，这是一本名为《Film Music》的图书简介，内容不涉及电影音乐： --- 《Film Music》图书简介：深入探索声音、文化与技术的交织 作者： [请在此处填写作者姓名，例如：艾伦·格雷厄姆] 出版社： [请在此处填写出版社名称，例如：现代思潮出版社] 出版年份： [请在此处填写出版年份，例如：2023年] --- 引言：超越媒介的声音景观 《Film Music》并非一本关于电影配乐的著作。相反，它将“声音”这一人类感知经验的核心元素，置于一个更广阔的文化、历史与技术维度进行审视。本书的视野远超任何单一的艺术形式，而是聚焦于声音如何塑造我们的认知世界、构建社会结构，并驱动技术革新。通过跨学科的视角，我们试图揭示，在充斥着视觉刺激的当代社会中，被系统性忽视的听觉维度究竟扮演了何种关键角色。 本书旨在为读者提供一套严谨的框架，用以分析声音的物质性、社会功能，及其在非电影语境下的复杂运作。我们深信，理解声音的本质，是理解现代世界复杂性的第一步。 --- 第一部分：声音的本体论与物质性 本部分将声音视为一种物理现象和存在形式，探讨其不依赖于图像的独立价值。 第一章：声波的几何学与感知阈限 本章从声学物理学的基本原理出发，但立即转向人类听觉的生物学局限与文化构建。我们深入探讨了频率、振幅与泛音如何被大脑转译为意义，而非仅仅是物理数据。重点分析了“寂静”的概念——并非缺乏声音，而是特定环境下的声音密度或缺失，以及这种“负空间”在人类经验中的作用。我们研究了不同文化群体对音高、音色的感知差异，挑战了声音的“普遍性”假设。 第二章：噪音、秩序与城市声景的演化 噪音——这个常常被负面定义的听觉类别——在本章中被重新审视。我们将考察自工业革命以来，城市化进程如何重塑了人类的听觉环境。从早期的蒸汽轰鸣到现代交通工具的低频振动，噪音不仅仅是干扰，更是现代性、生产力与社会等级的听觉标志。本章引入了“声景生态学”的概念，分析人类如何通过听觉习惯（如适应性过滤）来管理过载的声音信息，并讨论了声音污染在公共卫生和政治权力结构中的作用。 第三章：声音的记录、再现与时间的凝固 在数字时代之前，声音的记录本身就是一种复杂的工程与艺术实践。本章考察了留声机、磁带录音等早期技术，如何首次将短暂的声音事件“时间化”并使其可重复消费。我们分析了这些技术如何改变了音乐的创作、传播模式，以及人们对“现场感”和“真实性”的认知。重点探讨了声音编辑和拼接技术（如剪辑、混音）对听觉叙事结构的深远影响，即便这些叙事并非来自银幕。 --- 第二部分：声音的社会构建与文化符号学 声音的意义并非内在固有的，而是社会互动和文化约定俗成的产物。本部分侧重于声音如何充当社会身份、权力关系和集体记忆的载体。 第四章：语言、方言与社会隔离 语言是人类最核心的声音系统，但本章超越了语义层面，专注于声音的“质地”——口音、语调、语速。我们分析了方言如何成为划分群体、建立身份认同的强大工具。探讨了社会阶层、地域归属如何通过声音特征被无意识地编码和解码，以及在公共领域中，特定声音（如特定口音）如何招致偏见或被赋予权威性。 第五章：仪式中的听觉空间：宗教与庆典的声音实践 声音在宗教仪式和重大庆典中扮演着不可或缺的角色。本章分析了钟声、鼓点、吟诵和圣歌等特定声音元素，如何被设计用来诱发集体的狂喜、敬畏或悲伤。我们考察了这些声音如何超越个体理解，直接作用于身体和潜意识，从而巩固信仰体系和社区的凝聚力。重点研究了特定频率或节奏如何被用来构建一个“神圣的听觉空间”，使其与日常的世俗声音区分开来。 第六章：工业时代的听觉劳动：从工厂到呼叫中心 本章将焦点投向劳动场所的声音环境。工厂的机器轰鸣、流水线的节奏、办公室的键盘敲击声，这些都是工业化生产力的听觉体现。我们分析了这些声音如何既是效率的象征，也是劳动者异化的来源。更进一步，我们考察了现代服务业中，如呼叫中心里被规范化的“友善声线”，揭示了声音如何被商品化和规训，成为人力资源管理的一部分。 --- 第三部分：技术革新对听觉世界的重塑 当代技术以前所未有的速度和精度干预和重塑我们的听觉体验。本部分关注电子、数字技术在声音生产与消费中的革命性影响。 第七章：合成器的美学：电子声音的诞生与反叛 从早期的振荡器到复杂的数字合成器，电子技术创造了完全脱离自然界的声音集合。本章回顾了合成器在实验音乐、电子舞曲以及前卫艺术中的应用。我们探讨了声音合成如何挑战了听众对“真实乐器”的期待，并分析了诸如“波表合成”、“颗粒合成”等技术如何催生了全新的听觉美学和叙事潜力，这些潜力与视觉媒介无关。 第八章：数字压缩、流媒体与听觉的“贫困化” 数字音频技术的普及带来了便利，但同时也引发了关于声音质量和体验深度的争论。本章分析了MP3等压缩算法在移除人类听觉阈限外信息的同时，对声音整体结构和动态范围的无意改变。我们讨论了在流媒体主导的时代，听众对声音的被动接收模式，以及这种模式对深度聆听能力可能产生的长期影响。 第九章：空间音频的未来：沉浸感与主观体验的再定义 本章探讨了最新的三维空间音频技术（如杜比全景声、HRTF技术），这些技术旨在通过精确模拟声音的方位和距离，创造高度沉浸的听觉环境。然而，我们不将此技术视为电影的附属品，而是研究它如何在虚拟现实（VR）、增强现实（AR）或纯粹的声学装置中，建立起一个完全由声音构建的、具有高度主观性和存在感的空间，挑战了传统左右声道的平面概念。 --- 结论：聆听的责任 《Film Music》最终导向一个核心议题：在声音无处不在的时代，我们是否已经失去了“聆听”的能力？本书呼吁读者从被动的听众转变为积极的“声学探险家”，重新审视我们每天沉浸其中的声音环境。通过理解声音的物质性、文化负载和技术干预，我们可以更深刻地把握我们所处世界的复杂脉络。本书提供了一种批判性的听觉工具箱，旨在帮助读者超越图像的表象，真正理解声音在人类经验中的核心地位。 ---

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这本书给我的整体感觉是酣畅淋漓，它避开了许多同类书籍中常见的冗余和重复，直击核心，直奔那些真正具有里程碑意义的音乐时刻。我尤其喜欢作者在梳理特定时代背景下音乐风格演变时的那种宏大叙事感。它将音乐创作置于更广阔的文化、技术变迁的背景下进行考察，比如技术革新如何解放了作曲家的想象力，使得那些过去难以想象的音色得以进入主流视野。对我来说，这就像是一张详尽的导航图，帮助我在浩瀚的电影音乐海洋中精准定位那些值得反复探究的宝藏岛屿。文字的张力十足，描述性词汇的使用堪称一绝，它能让你在脑海中立刻浮现出画面感，甚至能“听”到那种特定的音色质感。对于那些想要系统性提升自己音乐品味，又不希望被过于复杂的专业术语困扰的爱好者来说，这本书简直是不可多得的良师益友。

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坦白说，我阅读这本书的过程，与其说是阅读，不如说是一次情感的重新连接。它触及了我内心深处那些因光影而烙下的记忆碎片。作者选取讨论的案例，往往是那些在全球范围内具有广泛共鸣的经典作品，但其切入点却往往出人意料，聚焦于那些常被忽略的配乐细节。比如，书中对某个角色在面临重大抉择时，背景音乐中只出现了一个极简的、重复的三音动机，但这个动机是如何通过配器和速度的微小变化，完成了内心戏的全部表达，这种对“少即是多”的精妙阐释，令我震撼。它让我明白，伟大的配乐并非总是宏大交响，有时恰恰是极度的克制与精准，才能爆发出最强大的力量。这本书的行文节奏感把握得极好，如同一次精心设计的交响乐章，有缓板的沉思，也有急板的迸发，读完后留下的是一种意犹未尽的回味与对光影艺术更深的敬意。

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我买这本书的时候，其实是抱着一种“试试看”的心态，因为市面上关于电影音乐的书籍往往偏向于学术的枯燥或过于通俗的浅尝辄止。然而，这本书成功地找到了一个非常理想的平衡点。它在保持专业性的同时，语言风格极其流畅且富有感染力，读起来毫无压力，更像是在听一位资深乐评人与你私下探讨他最钟爱的那些篇章。其中关于不同流派配乐大师手法的对比分析，尤其让我印象深刻。比如，对比了两位重量级作曲家在处理追逐戏时截然不同的音乐策略——一个偏爱使用节奏驱动的动机反复强化紧张感，而另一个则更倾向于通过不和谐音程和突兀的停顿来制造心理上的不安。这种对比性的叙述，使得抽象的音乐理论变得具象化、可感知。我甚至忍不住在阅读的同时，反复去寻找那些被提及的片段进行印证，每一次重温，都有新的感悟。它不仅仅是知识的传递，更像是一次深入灵魂的对话，让我对如何“聆听”电影有了更深层次的理解和鉴赏能力。

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这本书的独特之处在于它对“音乐的翻译”所做的努力。作者似乎拥有将听觉体验转化为可读文字的魔力。很多时候，当我们试图描述一段音乐的感受时，语言总是显得苍白无力，但在这里，我看到了非常成功的尝试。它不回避讨论那些复杂的音乐结构，但会用一种非常直观的方式来解释这些结构如何服务于叙事。例如，书中对某个动画经典中主题旋律的“变奏使用”进行了深入剖析，展示了同一个旋律如何在不同角色的命运转折点被重新编排，从宁静到激昂，再到最后的悲悯，音乐的“角色扮演”被展现得淋漓尽致。这本书更像是一位经验丰富的向导，带着我们走过电影音乐的各个历史阶段和风格流派，不仅记录了“发生了什么”，更着重探讨了“为什么是这样”。这对于任何想要在日常观影中获得更丰富体验的人来说，都是一本极具价值的工具书和赏析指南。

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这部汇集了经典电影配乐的选集，对我来说简直是一场穿越时空的听觉盛宴。我一直对电影配乐在叙事中的作用充满好奇，而这本书恰好满足了我这种探求欲。它并非仅仅罗列曲目和作曲家名字那么简单，而是深入剖析了那些标志性旋律是如何与画面、情感乃至角色的内心世界紧密交织的。比如，书中对某部特定影片高潮部分的配乐分析，细致到每一个音符的起落、和声的推进，如何精准地烘托出人物在绝境中的挣扎与最终的释然，那种细腻入微的解读，让我对音乐的魔力有了全新的认识。我尤其欣赏作者在讨论配乐与视觉语言的互动时所展现的敏锐洞察力，它让我意识到，好的配乐是电影的“隐形导演”，引导着观众的情绪流向，却又不着痕迹。这本书的结构编排也十分巧妙，从早期好莱坞的管弦乐辉煌，过渡到后现代主义的电子合成音效探索，每一步都像是在翻阅一部生动的音乐史诗，让即便是对电影音乐了解不深的读者也能轻松跟随，并从中获得极大的乐趣和启发。

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第一次看到直接把1958-2008所有电影音乐草草归进一章“Post-Classic Period”的，简直被作者的简单粗暴震惊了。而前三章则完全死板地按照年份在排片子，而且基本只有美国电影，作曲家的音乐风格哪里是可以按年份排的啊……这特么根本就只是个电影list……

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电影音乐启蒙读物，期待中文版如期问世。

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第一次看到直接把1958-2008所有电影音乐草草归进一章“Post-Classic Period”的，简直被作者的简单粗暴震惊了。而前三章则完全死板地按照年份在排片子，而且基本只有美国电影，作曲家的音乐风格哪里是可以按年份排的啊……这特么根本就只是个电影list……

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第一次看到直接把1958-2008所有电影音乐草草归进一章“Post-Classic Period”的，简直被作者的简单粗暴震惊了。而前三章则完全死板地按照年份在排片子，而且基本只有美国电影，作曲家的音乐风格哪里是可以按年份排的啊……这特么根本就只是个电影list……

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@2013-03-31 06:21:53