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出版者:

作者:赵辰

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:2009-1

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787300100333

丛书系列:

图书标签:

• 装饰
• 家居
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• 色彩
• 风格
• 图案
• 墙面
• 美学
• 灵感

书籍：《古韵流芳：宋代文人生活与审美探微》 内容简介 一、引言：历史的沉香与文人的风骨 本书旨在深入探讨宋代文人阶层独特的精神风貌、日常生活实践及其对后世审美观念产生的深远影响。宋代，一个在中国历史上以文化昌盛、思想活跃著称的时代，文人不再仅仅是诗歌与文章的创作者，他们更是社会的中坚力量，是生活美学的实践者和引领者。本书将从一个全新的视角切入，描绘那些在繁华都市与清幽山水间往来的士大夫们，如何构建他们的精神家园与物质世界。 我们首先将考察宋代“士”的身份变迁，从唐代的藩镇依附到宋代“与士大夫共治天下”的政治格局，这种地位的提升如何赋能文人，使他们得以将个人情怀与国家治理、生活艺术紧密结合。他们所处的时代背景——内忧外患并存，促使他们发展出一种既入世又出世的复杂心态，这种心态深刻地烙印在他们的艺术创作与生活选择之中。 二、物质的精致与精神的寄托：宋代文人的居所与器物 宋代文人的生活，是精致与简朴、实用与审美的完美平衡。本书将详细描摹他们“一室之美”的构建。 1. 雅集之所：园林与书斋的哲学 宋代文人对居住环境有着极高的要求。他们热衷于在有限的空间内创造出无限的意境。从苏轼在黄州开辟的东坡雪堂，到米芾在太湖边寻求的“活的园林”，我们探讨园林艺术如何从皇家贵族的奢靡转向文人的精神庇护所。《宋史·职官志》中关于官员俸禄的记载，侧面反映了他们有能力营造这种环境。书斋，作为文人精神世界的物理投射，其布局、光线、陈设无不体现着主人的学养。我们分析了不同时期文人对书斋功能性的拓展，如何从单纯的藏书之所，演变为琴棋书画、品茗插花的复合型空间。 2. 器物之鉴：从实用到审美的飞跃 宋代的工艺美术达到了空前的顶峰，这得益于文人对“物”的全新理解。本书重点研究几类关键器物： 瓷器： 宋代五大名窑（汝、官、哥、定、钧）的釉色、造型与文人对“天青色”“玉质感”的追求之间的内在联系。我们解析了文人如何通过对这些素雅器物的鉴赏，来表达对儒家中庸之道和道家自然之美的向往。 文房用品： 徽墨的制式、端砚的石品、竹制笔筒的雕刻风格，无一不体现“尚简”的审美取向。这些日常用品被赋予了强烈的个人印记和文化象征意义。 茶具： 宋代点茶法的兴起，使得茶成为了一种高度仪式化的社交与修身活动。建盏的“兔毫”“油滴”纹样，被文人视为自然随机之美与人工技艺的结合典范。 三、风雅的仪式：文人的日常实践与社交艺术 宋代文人的生活充满了仪式感，这些仪式是他们维护群体认同、表达个人情操的重要方式。 1. 诗酒风流与唱和之乐 诗歌不再是孤芳自赏的文字游戏，而是社会交往的润滑剂。我们详细考察了文人之间通过诗词唱和、联句所建立的复杂友谊网络。从京师的宴饮聚会到边陲的送别应酬，诗句是他们情感交流的密码。对“酒”的描绘，不仅仅是饮宴的记录，更是他们逃离世俗、探寻生命本真的媒介。 2. 琴棋书画：修身养性的多维路径 琴： 音乐，特别是古琴，被视为“中正平和”的载体。我们分析了宋代琴谱的编纂特点，以及“高山流水”等曲目在文人圈层中的象征意义，探讨音乐如何帮助他们实现“心物合一”的境界。 棋： 围棋的对弈，被视为智力的较量与品性的考验。《弈经》等著作的流行，显示了其在教化方面的作用。 书： 楷书、行书、草书的技法演进，与文人对个性表达的渴望息息相关。苏轼的“我书意造”开启了书法艺术的新篇章，它不再仅仅是记录文字的工具，而是书写者生命力的直接展现。 画： 宋代院体画的精细写实与文人画（水墨山水）的写意抒情并行发展。我们重点分析了“米点”等技法的出现，以及文人画家如何通过墨色的浓淡干湿，表达“胸中山水”的哲理思考。 四、游历与交游：山水田园的理想国建构 宋代文人对山水的热爱，是他们对僵化的政治环境的一种柔性抵抗。 1. 游记文学的兴盛： 欧阳修、苏轼、陆游等人的游记，不仅是地理的记录，更是个体精神历程的展现。他们通过描绘奇山异水，寻求与天地精神的对话，构建了一个超越现实的“理想国”。 2. 友朋的价值： 宦海浮沉不定，使得“友朋”的价值被空前凸显。对知己的珍视，超越了政治立场，成为他们精神上相互扶持的力量源泉。 五、结论：宋代文人留给后世的遗产 本书总结了宋代文人生活美学对后世的影响，特别是他们将“生活艺术化、艺术生活化”的理念，如何渗透到明清的市民文化以及近现代的审美思潮之中。他们的精神遗产，在于倡导一种在逆境中保持独立思考、在平凡中发现诗意、在克制中追求极致的审美态度。 通过对这些物质、精神和仪式层面的细致梳理，读者将得以全面理解，宋代文人不仅留下了浩如烟海的文学艺术作品，更构建了一种至今仍令人向往、值得效仿的精致而有深度的生活哲学。

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我花了好几个周末的时间，才算勉强把这本书从头到尾“消化”完，说实话，这与其说是阅读，不如说是一场马拉松式的沉浸体验。最让我印象深刻的是书中对“环境适应性”的讨论。作者没有提供那些不切实际的、只在特定空间才能成立的完美方案，而是针对不同采光条件、不同朝向的房间，提供了详尽的调整建议。比如，针对朝北的房间，如何利用暖色调的微妙变化来弥补自然光的不足；针对采光极佳的南向空间，又该如何运用冷色系来保持视觉的清爽和平衡。这种实用主义精神，让这本书从一本单纯的“灵感集”跃升为一本“操作手册”。我立刻根据书中的建议，对我自己的书房进行了一次小小的改造，效果立竿见影，空间的舒适度和功能性都得到了显著提升。这本书的价值就在于，它将抽象的美学概念，落地到了每一个普通人都能实践的日常生活中去。

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这本书给我的感觉是，它捕捉到了现代社会中一种集体性的焦虑——对“完美界面”的不断追求，但它给出的解药却是“不完美中的和谐”。书中有大量关于有机形态、自然纹理的呈现，那些边缘模糊、色彩渐变的图样，似乎在无声地抵抗着当下社会对锐利线条和精准数字的迷恋。它倡导一种更具包容性的视觉哲学，允许空间拥有自己的呼吸和呼吸的痕迹。在其中一组关于老旧木材纹理的特写中，我看到了时间留下的深刻印记，那些裂缝、那些褪色，非但没有减损其美感，反而赋予了它一种穿越时空的厚重感和故事性。阅读它，就像是进行了一次深度的冥想，帮助我从那种对“即时满足”的审美疲劳中抽离出来，重新学会欣赏那些需要时间才能体会的、缓慢生长的美。这是一本真正能让人慢下来的书，它提醒我们，真正的美，往往藏在那些我们匆匆略过的地方。

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这本书的装帧和印刷质量，简直是奢侈品级别的体验。我很少见到如此注重细节的出版物。纸张的选择非常讲究，那种微哑光但又能完美呈现深邃色彩的特种纸，握在手中分量十足，透着一股沉稳的质感。当我翻阅那些高饱和度的图像时，色彩的还原度高得惊人，完全没有出现偏色或者层次感缺失的问题。更令人惊喜的是，很多跨页的大幅图样，即便是横跨书脊部分，其过度也处理得极其流畅，几乎看不出装订的痕迹，这在厚重的艺术类书籍中是非常难得的。这样的制作水平，本身就构成了这本书价值的一部分。它不仅仅是内容上的优秀，更是工艺上的典范。我甚至觉得，仅仅是把它放在茶几上，作为一件陈列品，就已经是对空间品味的一种宣告了。这简直是送给追求生活品质的朋友们的绝佳礼物，它传递出一种“我懂得欣赏细节”的态度。

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这本书简直是视觉的盛宴，每一页都像是一扇通往不同世界的窗户。我是在一个偶然的机会下接触到它的，原本只是好奇，没想到却被书中那些精妙的构图和令人惊叹的色彩运用深深吸引。作者对于光影的把握达到了炉火纯青的地步，即便是最简单的场景，在他的笔下也焕发出无穷的生命力。比如有一幅描绘清晨薄雾中森林的画面，那种湿润的空气感仿佛真的能穿过纸张扑面而来，让人瞬间沉浸其中，仿佛能闻到泥土和露水的清新气息。更让我称道的是，作者并非仅仅堆砌华丽的图像，每一张“作品”背后似乎都蕴含着一种叙事性，让人忍不住去探究每一个细节背后的故事。阅读的过程中，我常常需要停下来，反复摩挲那些纹理的细节，感受那种从指尖传递上来的质感。这与其说是一本“图册”，不如说是一场精心策划的、无声的艺术展览，它成功地激发了我对周围环境，对日常光线的全新观察角度。对于任何追求审美深度，渴望在日常生活中捕捉稍纵即逝的美好瞬间的人来说，这本书绝对是值得珍藏的宝物。它不仅仅是装饰墙面的工具书，更是心灵栖息的避难所。

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坦白说，我原本对这种主题的书籍抱持着一丝怀疑的态度，总觉得无非是网络上随手可得的素材重新拼凑。然而，这本书彻底颠覆了我的成见。它的编排逻辑极其严谨，从色彩心理学的基础，到不同历史时期风格的演变，再到现代设计中如何巧妙地利用空间感来影响情绪，层次分明，论述深入浅出。作者显然是位资深的行业专家，他没有停留在表面的花哨展示，而是深入剖析了“美”背后的那些不易察觉的规律。尤其在探讨“留白”艺术的那一章节，那段关于东方哲学与现代极简主义结合的论述，真是醍醐灌顶。它让我明白，一张好的图像，其价值往往不在于“塞满”了多少内容，而在于它给予观者呼吸的空间。这本书的文字部分处理得非常克制，精准有力，绝不拖泥带水，确保了信息的高效传达。对于那些希望提升自己设计品味，或者想在自己的工作空间中营造特定氛围的设计师或者企业管理者来说，这本书提供的不仅仅是灵感，更是一套系统的思维框架。

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