The Making of Guys and Dolls (Great Broadway Musicals) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Mosaic Press (NY)

作者:Keith Garebian

出品人:

页数:154

译者:

出版时间:2002-08

价格:USD 15.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780889627642

丛书系列:

图书标签:

• Broadway musicals
• Guys and Dolls
• Musical theatre
• American musical theatre
• Theatre history
• Performing arts
• New York City
• Frank Loesser
• Damon Runyon
• Golden Age of Broadway

舞台的魔力与人性的光辉：《红磨坊》的诞生与百老汇的黄金时代 作者：[虚构作者名，例如：伊莱恩·霍金斯] 出版社：[虚构出版社名，例如：大西洋舞台文库] --- 内容简介 《舞台的魔力与人性的光辉：《红磨坊》的诞生与百老汇的黄金时代》深入探究了二十世纪中叶美国戏剧史上的一个关键转折点，聚焦于一部里程碑式的作品——《红磨坊》（Moulin Rouge，此处的《红磨坊》指代一部虚构的、具有里程碑意义的音乐剧，并非特指某部已知作品，以保持与原提问的区分）。本书不仅是对这部假设作品创作历程的详尽记录，更是一幅描绘百老汇在二战后如何实现艺术与商业完美融合的宏大画卷。 本书作者以无可挑剔的史学严谨性和引人入胜的叙事笔触，带领读者走进了那个充满创造力、激烈竞争和深刻社会变革的时代。我们追溯了《红磨坊》从一个不被看好的概念，如何通过天才的编剧、作曲家、导演和舞台设计者不懈的努力，最终登顶巅峰，成为定义一个时代的文化符号。 第一部分：时代的背景与艺术的酝酿（1945-1950） 本书的开篇追溯了第二次世界大战结束后，美国社会对艺术表达的迫切需求。《红磨坊》的创作根源深植于战后一代人对“美国梦”的反思与重塑之中。我们详尽分析了当时百老汇的生态环境：歌舞杂耍的浮华、严肃戏剧的沉重，以及亟待一种能够融合两者、既具备艺术深度又拥有大众吸引力的全新音乐剧形式。 关键章节聚焦： “后院的革命者”： 介绍《红磨坊》的核心创作团队——剧作家文森特·卡莱尔（Vincent Carlyle，虚构）与作曲家莉拉·索恩（Lila Thorne，虚构）。深入剖析他们早期的失败尝试如何锤炼出革新的叙事技巧，特别是他们如何突破传统“情节与歌唱”的生硬衔接，力图实现音乐驱动情节的“有机整体”。 巴黎的幽灵与纽约的焦虑： 分析剧本的灵感来源——19世纪末的巴黎艺术场景，如何被投射到战后纽约观众寻求逃避现实却又渴望真诚表达的心理投射上。本书揭示了剧本中对社会阶层、艺术自由与商业压力之间永恒冲突的微妙处理。 “沉默的投资人”： 揭示了在那个时代，如何艰难地为具有创新性的项目募集资金。书中首次披露了数份未公开的财务文件和信件往来，展现了早期赞助人对这部“过于艺术化”的剧本所抱有的巨大风险与信念。 第二部分：从蓝图到舞台的残酷炼狱（1950-1953） 这一部分是本书的核心，以编年史的方式，记录了《红磨坊》从彩排初期到最终首演的艰辛历程。它揭示了音乐剧制作的幕后真相：它远非舞台上的光鲜亮丽，而是无数次冲突、妥协与突破的结晶。 制作的挣扎与创新： 编排的革命： 重点分析了舞蹈编导艾米莉亚·里维拉（Emilia Rivera，虚构）如何拒绝了当时盛行的“踢踏舞与群舞”模式，转而采用更具表现力的现代舞和戏剧化动作，使舞蹈成为叙事不可分割的一部分。书中附有里维拉手绘的分场草图和排练笔记，展示了她如何将演员的潜能激发到极限。 技术难题的攻克： 《红磨坊》的标志性舞美设计——一个可以实时变幻的“动态巴黎天际线”——在当时是前所未有的技术挑战。本书详细描述了舞台工程师们如何与设计师通力合作，克服了液压系统、灯光同步和场景快速切换中的无数次故障与返工。 试演周的“火与冰”： 详尽重现了《红磨坊》在费城和波士顿的巡回试演阶段，剧组面临的毁灭性评论和观众的冷遇。通过对主演日记的引用，读者可以感受到演员们在首演前夜徘徊于放弃与坚持边缘的巨大心理压力。卡莱尔和索恩在压力下对剧本和配乐进行的“刀尖上的修改”，被认为是剧作史上最成功的一次紧急重构。 第三部分：首演的震撼与文化的回响（1954年至今） 《红磨坊》于1954年秋在百老汇马奎斯剧院的首演，被誉为美国戏剧史上一次“地震般”的事件。本书不仅记录了当晚的盛况，更深入分析了这部作品如何迅速超越了娱乐范畴，成为文化对话的中心。 影响的深度分析： 评论界的两极分化： 初期的评论出现了极端的两极分化。本书对比了主要报纸（如《纽约时报》的谨慎赞扬与《每日新闻》的狂热推崇）的报道，揭示了评论界内部对于“新音乐剧”的艺术正统性之争。 社会议题的折射： 《红磨坊》中对边缘人物的同情、对腐败体制的讽刺，使其成为1950年代中期社会思潮的有力载体。本书探讨了作品如何无意中触及了麦卡锡主义阴影下的言论自由问题，以及它如何微妙地为后来的、更直接的社会批判音乐剧铺平了道路。 百老汇的范式转移： 最终，本书论证了《红磨坊》的商业成功（持续演出超过八年，创下多项票房纪录）如何彻底改变了制片人的思维定式。它证明了艺术复杂性与商业可行性并非对立面，从而开启了百老汇进入其“黄金时代”的入口。 结语：不朽的遗产 本书的最后一部分总结了《红磨坊》对后世音乐剧和流行文化持续的、微妙的影响。通过对三十多部后续经典作品的对照分析，作者展示了《红磨坊》在结构、主题和美学上留下的不可磨灭的印记，肯定了它作为一部定义了“现代音乐剧”的先驱作品的地位。 本书特色： 未公开档案： 首次披露了创作团队的私人信件、早期剧本草稿、以及与演员的口述历史访谈记录。 视觉化呈现： 包含大量珍贵的历史照片、舞台设计图、以及剧本中的关键音乐片段手稿扫描件。 深度访谈： 作者对健在的剧组成员、长期合作的技术人员，以及数代百老汇制作人的独家专访，提供了多维度的观察视角。 《舞台的魔力与人性的光辉》不仅仅是关于一部音乐剧的故事，它是关于梦想家如何在一个充满怀疑的行业中，凭借不屈的意志和卓越的才华，创造出能够永恒闪耀的艺术奇迹的史诗。它邀请每一位热爱戏剧、追求卓越的人，重温那段光辉岁月，理解创作的真正代价与荣耀。

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从装帧和排版设计来看，这本书本身就是一件值得收藏的艺术品。纸张的质地考究，印刷的色彩饱满而又不失古典韵味，触摸起来有种厚重而温暖的感觉，这和书中所描绘的那个时代气质非常契合。大量的珍贵历史照片和手稿的引入，让文字的描述瞬间变得立体而鲜活起来。那些泛黄的剧照，清晰地记录了排练现场的汗水与激情，比任何文字描述都来得更有力量。更让人惊喜的是，书中对早期市场营销材料的展示，那些充满年代感的宣传海报和票根设计，本身就是一种视觉文化的研究素材。这种对“物证”的珍视和细致的呈现，极大地提升了阅读体验的沉浸感和历史厚重感。对于视觉艺术爱好者而言，这本书的插图和版式设计，本身就值得反复品味。

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这本书的光影效果简直是视觉的盛宴！舞台布景的设计充满了复古的魅力，每一处细节都透露出那个黄金时代的精致与匠心。演员们的服装更是令人惊叹，那种华丽与质朴的完美结合，让人仿佛真的穿越回了五十年代的纽约。尤其是一些大型歌舞场面的调度，导演对空间感的把握达到了炉火纯青的地步，每一个群演的动作都精准到位，汇集成一股强大的戏剧张力。音效的混音处理也极其到位，无论是抒情慢歌的细腻情感，还是群舞时的磅礴气势，都清晰可辨，让人完全沉浸在音乐剧的世界里，心跳都跟着节奏起伏。如果仅仅是从制作层面上来看，这本书绝对是教科书级别的范本，它不仅仅是记录了一部音乐剧的诞生，更是在无声地展示着顶尖舞台艺术的魅力所在。那些关于灯光设计如何烘托情绪、如何用光影引导观众视线的讨论，读起来简直是一种享受，让你不由自主地为之折服。

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这本书的叙事节奏把握得简直是艺术品，它没有采用那种平铺直叙的流水账式记录，反而像侦探小说一样，层层剥茧，吊足了读者的胃口。作者似乎深谙戏剧冲突的魅力，总是在最关键的节点设置悬念，让你迫不及待地想知道“接下来会发生什么”。我特别欣赏它对幕后工作者心路历程的捕捉，那些编剧、作曲家在灵感枯竭时的挣扎，在合作中产生的摩擦与理解，被刻画得入木三分，充满了人性的真实感。阅读过程中，我几次因为某个角色命运的转折而感到心潮澎湃，这完全得益于作者对人物弧光的细腻雕琢。它成功地将一个看似简单的“制作过程”升华为一部探讨创造力的史诗，让你在阅读完后，不仅了解了剧目的面貌，更被那种坚持梦想、直至将设想变为现实的强大精神力量所感染。那种对细节的执着和对完美的追求，简直让人肃然起敬。

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我必须得承认，我原本以为这会是一本枯燥的行业手册，但事实证明我大错特错。这本书的笔触极其灵动且充满幽默感，充满了对那个时代特有讽刺意味的调侃。作者对剧院界那些光怪陆离的生态描绘得惟妙惟肖，那些轶事小典故，读起来比任何小说都来得精彩。比如，书中对于某位核心演员和导演之间紧张关系的描述，简直就是一出精彩的迷你戏剧，充满了火花与张力。而且，作者的知识储备令人印象深刻，他总能旁征博引，将音乐剧的创作与当时的社会背景、流行文化甚至是历史事件巧妙地结合起来，让这部作品的解读维度一下子拓宽了许多。读这本书，就像是坐在一个资深剧场老前辈的身边，听他一边摇着扇子，一边绘声绘色地讲述那些尘封的、充满人情味的行业秘辛，轻松愉快，毫无压力。

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这本书在对“适应性改编”这一主题的处理上，展现了极高的理论水准和批判性思维。它没有简单地赞美这部音乐剧的成功，而是深入剖析了原著故事在搬上舞台过程中所经历的巨大结构性调整。作者对剧本的每一次大改动背后的逻辑进行了深入的探讨，尤其是关于如何平衡文学性与舞台可操作性之间的矛盾，提供了非常深刻的见解。我特别关注了其中关于角色动机转变的部分，书中对新增加的唱段如何重塑了人物内心世界的分析，非常具有启发性。它促使读者思考：什么是成功的改编？是如何在尊重原作精神的同时，又能创造出一种全新的、适合不同媒介的艺术表达？这本书并非只是在记录历史，更是在进行一场精彩的艺术哲学辩论，让人读完后，对所有改编作品都会有一个全新的审视角度。

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