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isbn号码:9787563321223

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《中国诗禅研究》 《中国诗禅研究》并非一本探讨具体诗歌文本的解读之作，更不是一本罗列诗人心得的汇编。相反，它是一场对中国文学史上一种独特审美意识的深度探寻，一次对诗歌与禅宗精神之间隐秘关联的拨云见日。本书将目光投向那些超越文字表象、直抵心灵深处的诗歌境界，探究“诗”与“禅”在精神层面的交融与契合。 本书的旨趣在于梳理和阐释“诗禅”这一概念在中国文化语境中的生成、发展与演变。它并非简单地将禅宗的某些概念嫁接到诗歌之上，而是深入考察在特定的历史时期，佛教禅宗的思想、哲学与修行方法如何潜移默化地影响了中国诗人的创作理念、审美取向以及对诗歌本质的理解。我们将追溯这种影响的源头，探究早期文人如何接触并消化禅宗思想，以及这种思想如何在诗歌创作中找到其独特的表达方式。 全书将围绕几个核心的学术议题展开。首先，我们将考察“诗禅”概念的哲学基础。这包括对禅宗核心思想，如“直指人心，见性成佛”、“不立文字”、“平常心是道”等，进行辨析，并分析这些思想如何为诗歌创作提供了一种新的视角和可能性。本书并非学术论文集，因此对这些哲学概念的阐述将力求通俗易懂，侧重于其对文学创作的启发意义。 其次，本书将深入探讨“诗禅”在诗歌创作实践中的具体体现。这并非对某位诗人或某首诗的个案分析，而是从更宏观的层面，提炼出“诗禅”在诗歌艺术中的共性特征。我们将关注那些在诗歌中呈现出的“禅意”，例如： 意境的空灵与澄净： 探讨诗人如何通过精炼的意象、含蓄的表达，营造出一种超越世俗、引人入胜的空灵境界，这种境界与禅宗追求的“寂静”、“虚无”有着异曲同工之妙。 情感的淡泊与超脱： 分析诗歌中如何体现对名利、得失的淡泊，以及对人生无常的超脱情怀。这种情感表达并非冷漠，而是一种历经沧桑后的沉静与豁达。 意象的象征与暗示： 考察诗歌中某些意象（如月、空、竹、水等）所蕴含的禅宗哲学意味，以及诗人如何借由这些意象传递超越语言的深层含义。 语言的简洁与含蓄： 分析“诗禅”作品如何在力求简洁、朴素的语言中，蕴含无穷的意味，做到“言有尽而意无穷”，这与禅宗“不立文字”的精神相呼应。 对“当下”的体悟： 探讨诗歌中如何捕捉和表现“当下”的真实感受，强调对眼前景物的直接体悟，而非过度的情感抒发或理论阐释。 本书的视角将是历史性的，它会考察从魏晋南北朝到唐宋元明清，不同时期“诗禅”思想在诗歌创作中的发展脉络。我们会关注这一思潮是如何在不同的历史语境下，与士人阶层的精神需求、社会思潮以及哲学观念相互作用，从而呈现出不同的面貌。但这并非一本叙述史的著作，而是通过历史的纵深，来揭示“诗禅”这一文化基因的传承与演变。 《中国诗禅研究》的另一项重要内容是对“诗禅”美学范畴的界定与辨析。它将区分“诗禅”与单纯的佛教诗歌，以及与泛泛的“禅意”概念。我们强调“诗禅”是一种更为自觉、更为深刻的精神追求，它要求诗人将禅宗的体悟融入其对诗歌本质的认知，并在创作中予以实践。它探讨的并非简单的诗歌题材涉及佛教，而是诗歌创作的整体精神气质和审美追求。 本书也可能触及一些与“诗禅”相关的边缘概念，如“悟”、“寂”、“静”、“空”等，但所有这些讨论都将紧密围绕“诗歌”展开，服务于对“诗禅”这一特定文化现象的理解。它将力求揭示，在中国诗歌的漫长河流中，“诗禅”究竟扮演了怎样一个角色，它如何丰富了中国诗歌的精神内涵，又如何影响了后世的文学审美。 总而言之，《中国诗禅研究》是一次对中国诗歌灵魂深处的探索。它邀请读者一同超越字面的阅读，去体悟诗歌中那份来自心灵的宁静、澄澈与超脱。它不是一本教人如何写出“禅诗”的指南，而是一次对中国古典诗歌中一种独特审美力量的溯源与解读，旨在揭示隐藏在诗句之下的，那份与禅宗精神息息相通的生命智慧。

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这部作品集展现了对二十世纪中叶以来，特别是改革开放初期中国文坛现象的深刻剖析，作者以其敏锐的洞察力，穿梭于先锋文学、伤痕文学以及朦胧诗歌等多个流派之间，力图还原那个复杂而充满张力的时代图景。它并非简单的时间线梳理，而是通过对关键作家群体创作理念的解读，揭示了社会转型期知识分子精神困境与文化选择的内在逻辑。特别值得称道的是，书中对“知青文学”的重新审视，跳脱了以往的道德评价框架，转而关注其叙事结构如何回应集体记忆的消解与个体经验的重建，这为我们理解当代中国叙事学的起源提供了新的视角。此外，作者在论及文学思潮的演变时，巧妙地穿插了对当时西方思潮（如后结构主义、现象学）的引入与本土化过程的比较分析，使得整部论述既有扎实的史料支撑，又不失理论的深度和广度。阅读过程中，我仿佛置身于那个思想碰撞激烈的年代，跟随作者的笔触，体验着一代人精神上的彷徨与觉醒。文笔老辣，逻辑严密，是研究当代文学史不可多得的参考佳作。

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这本书更像是一部中国现代知识分子个体命运的“口述史”汇编，作者以极为细腻的笔触，为我们重构了二十世纪中国几个关键历史节点上，普通文人所经历的信仰的坍塌与重建的过程。全书的叙事重心不在于宏大的社会运动，而在于“人”的内在张力——当外部世界要求你成为一个符号时，你如何努力保全自己精神的微光。作者通过对大量个案的挖掘，展示了文学表达如何成为一种自我救赎或抵抗的微弱方式。例如，书中记录了几位老作家在晚年对早年创作的自我修正和反思，这种内省的深度令人动容。文风舒缓，情感真挚，没有过多的理论包装，完全依靠故事本身的力量来打动人心。读完此书，我感受到的不是历史的沉重，而是一种深沉的、对生命韧性的敬佩，它是一部献给所有在时代洪流中努力保持独立思考者的精神赞歌。

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这本书的语言风格带着一种鲜明的、近乎新闻报道般的精确和力度，它聚焦于建国初期到文革结束这段时期内，特定群体（如“右派”知识分子和“新生代”作家）在体制与个人创作自由之间的微妙角力。作者似乎花费了大量篇幅去考证那些被历史尘封的内部会议记录、私人信件以及未发表的手稿片段，试图通过“档案学”的方法，重构当时文艺政策制定与执行的真实面貌。给我印象最深的是对“十七年文学”中现实主义范式的瓦解过程的描述，那不是一个突变，而是一个漫长、隐忍的渗透过程。书中对一些标志性事件的叙述极其克制，不加煽情，但正是这种冷静的笔调，反而凸显出历史的冷峻与荒谬。比如，作者对某些被认为“过于纯粹”的抒情诗的批判性引入，展示了在特定意识形态高压下，纯粹美学追求如何被视为一种“政治不正确”，这种论述方式极为大胆且富有启发性。全书的结构如同精密的手术刀，直指核心，适合对政治与文学权力关系感兴趣的读者深入研读。

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这是一本结构松散却又内在逻辑清晰的随笔合集，读起来更像是与一位博学的长者在壁炉旁进行的深入交谈。作者的叙述跳跃性很强，时而深入到唐宋诗歌格律的细微变化，时而又转向对现代艺术思潮的直觉性判断，让人在看似漫不经心的闲谈中，逐步建立起对中国美学精神流变的一种宏观感知。书中没有宏大的理论体系建构，更多的是基于个人阅读体验和生活感悟的阐释。尤其欣赏作者对意象和氛围的捕捉能力，比如他描绘某位古代诗人笔下的月光，如何在不同朝代的语境下被赋予了截然不同的心理重量。这种穿透时空的对比手法，使得阅读体验非常丰富，仿佛在不同历史的切片上行走。全书充满了对“境”的体悟，对语言本身的敬畏，以及对传统文人雅趣的怀恋，整体基调是温润而富有诗意的，读后让人心境平和，对艺术的本质有了更直观的理解。

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这部著作的撰写者显然拥有一种跨学科的研究背景，使得其探讨的议题远超传统文学批评的范畴。书中大量引入了宗教学、心理分析学乃至环境哲学的视角来解读中国古典文学中的“境界”问题。例如，作者将某些山水田园诗的意境追溯到早期道家思想中对“虚无”的崇拜，并将其与当代城市化进程中个体对自然空间的渴望进行对比分析，视角新颖到令人耳目一新。书中对“空”与“满”这对辩证关系在不同文学体裁中的运用进行了细致入微的考察，文字编排上大量采用了图表和引文对照，学术性极强，毫不含糊。对于那些期望在既有框架外寻找新理论工具来分析传统文化的研究者来说，这本书无疑是一座富矿。虽然部分论证略显晦涩，需要多次反复咀嚼，但其提供的智力挑战和思维启发是巨大的，它迫使读者重新审视那些看似陈旧的经典文本。

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