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出版者:

作者:Drate, Spencer/ Salavetz, Judith/ Sedelmaier, J. J. (FRW)

出品人:

页数:176

译者:

出版时间:2007-10

价格:$ 33.84

装帧:

isbn号码:9781858943657

丛书系列:

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《纯粹动画：超越媒介的视觉叙事》 本书简介： 《纯粹动画：超越媒介的视觉叙事》是一部深入探讨动画艺术本质、技术演进及其在当代文化语境中独特表达力的重量级著作。本书并非对特定流派或市场趋势的简单罗列，而是着眼于动画作为一种独立艺术形式的哲学基础与表现潜力，旨在为读者构建一个理解“动画”二字背后复杂美学体系的框架。 本书的立足点在于“纯粹性”——并非指技术上的简洁，而是指动画媒介在捕捉时间、运动、形态变化和主观体验方面的内在能力。它剥离了叙事、商业或技术参数的外部束缚，试图回归到光影、线条、节奏和意象的原始交汇点。 全书分为五个主要部分，层层递进，构建起一个从理论基石到实践思辨的完整体系。 第一部分：运动的本体论与时间性 本部分着重于为动画艺术奠定哲学基石。动画的本质是“运动的幻觉”，但这种幻觉如何转化为真实的感知体验？ 核心议题包括： 时间的解构与重构： 探讨动画如何操纵观众对时间流逝的认知。从菲利克斯猫的瞬间转移到实验电影中极慢或极快的帧率，分析时间压缩与拉伸在构建情感张力中的作用。讨论“留影效应”和“闪烁融合”在心理层面创造出的持续感。 形式的涌现： 深入分析点、线、面如何通过时间序列演化为可识别的形态。不同于摄影或绘画，动画中的物体并非“存在”，而是“正在成为”。考察立体几何体在二维平面上的动态表现，以及这种运动如何暗示内在的物质性或非物质性。 运动作为语言： 研究运动本身是否可以独立于情节而承载意义。通过分析尤里·诺斯坦（Yuriy Norshteyn）的层次结构、伊万·阿克谢诺夫（Ivan Aksenov）的抽象序列，论证运动的加速度、惯性与停顿是表达情绪和思想的直接工具，无需依赖对话或明确的符号系统。 第二部分：媒介的边界与物质性 本部分超越了传统上将动画视为“电影的子集”的观点，深入剖析动画材料本身及其所限定的创作环境。 深入探讨： 二维与三维的张力： 对比赛璐璐动画的平面抽象美学与CG三维建模的体积感和光影模拟。分析数字技术对传统二维空间感的颠覆，以及艺术家如何利用数字工具重现甚至超越手绘的“不完美性”和材料的粗粝质感。 “媒介的残余”： 考察物理材料在动画创作中的痕迹。手绘的笔触、木偶的关节磨损、定格模型的灰尘——这些被认为是“缺陷”的元素，如何被提炼成为一种具有历史深度和触感的美学语言。特别关注非传统材料（如沙子、液体、光束）在时间维度上的动态表现力。 光与色的空间建构： 动画的色彩和光线处理是高度主观的。本书详细分析了色彩理论在非写实环境中的应用，例如用特定饱和度的单色来定义一个角色的“内在世界”，以及光线作为运动的引导者而非简单的照明工具的功能。 第三部分：叙事的非线性路径 本部分挑战主流叙事结构对动画的支配地位，探索更侧重于体验和沉浸感的叙事模式。 研究方向： 意象的蒙太奇与潜意识流动： 借鉴超现实主义和达达主义的创作手法，研究动画如何通过快速、非逻辑的意象并置（例如，一个眼睛变成一颗行星）来模仿潜意识的运作模式。分析这种“梦境逻辑”如何绕过理性分析，直接触及观众的情感核心。 循环与迭代的结构： 考察循环叙事（Looping）在动画中的独特力量。循环不仅是技术上的重复，更是对存在、命运或执念的哲学隐喻。分析这种结构如何创造一种既封闭又不断自我更新的张力场。 体验式叙事与身体感知： 探讨将观众的身体运动或感官输入（如听觉频率）纳入动画体验中的尝试。关注那些旨在“包裹”观众，使之成为运动的一部分的沉浸式装置艺术，而非传统的屏幕观看体验。 第四部分：声音的形态学与运动的共振 声音在动画中往往是运动的注脚，本书则将其提升至与视觉同等重要的地位，探讨声音与运动之间的相互生成关系。 重点剖析： 无声的共鸣： 分析那些故意去除自然声效，仅依赖音乐或纯粹的声波（如白噪音、电子脉冲）来“驱动”运动的案例。探讨在没有现实物理参照下，听觉如何定义视觉的重量与质地。 拟声的解构： 考察拟声（Foley）是如何从模仿走向抽象。研究艺术家如何将日常声音（如金属摩擦、水滴）分解、扭曲，使其服务于非现实的运动节奏，而非简单的背景补充。 节奏的物理学： 声音的节拍（Beat）与动画的帧率（Frame Rate）之间的复杂数学关系。分析“重音”如何能瞬间改变观众对屏幕上物体运动方向或速度的判断。 第五部分：跨越边界的实验与未来形态 最后一部分将视野投向二十世纪末至今，动画在数字时代与新兴技术（VR/AR、实时渲染）中的探索，及其对传统艺术边界的冲击。 前瞻性讨论： 算法驱动的形态生成： 探讨生成式艺术与机器学习如何被用于动画创作，并分析人类的意图与代码的随机性之间的互动，如何创造出“非人化”的运动序列。 交互性与动画的终结： 质疑当观众可以实时干预动画运动时，动画作为“预设”艺术形式的定义是否会被打破。分析交互式装置如何将观看者转化为运动的共同创造者。 动画的博物馆学： 探讨纯粹动画作品在艺术展览空间中的呈现方式，以及它们如何脱离电影院的黑暗环境，在更开放的语境中被理解和体验，重申动画作为一种独立的动态雕塑的地位。 《纯粹动画：超越媒介的视觉叙事》 是一本献给所有对运动、时间、材料和视觉诗学抱有深刻好奇心的创作者、理论家和鉴赏家的指南。它要求读者放下对“故事”的依赖，转而投入到对“成为”本身的纯粹欣赏之中。

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说实话，这本书的阅读体验简直是一场漫长而艰涩的哲学思辨，而不是一本技术手册。我得承认，作者的理论框架构建得相当宏大，他试图从本体论的角度去解构“动画”这一媒介的本质，探讨运动的意义如何超越机械的重复，上升到一种精神层面的表达。但是，这种对“纯粹性”的过度抽象化，导致了大量的晦涩难懂的句子，很多时候我需要反复阅读同一段落，试图在字里行间捕捉到那个被精心隐藏起来的具体案例。比如，当他讨论“时间压缩与空间扭曲”如何服务于“内在情感的涌现”时，我的脑海中是一片空白，根本无法将这些宏大的概念与任何实际的动画片段联系起来。这本书更像是写给哲学系学生或者资深理论家看的，他们或许能从那些密集的术语和复杂的逻辑链条中获得快感。对于我们这些更习惯于视觉逻辑和实操指导的动画师来说，它提供的“营养”太过稀薄且不易消化。它没有给出任何关于如何优化工作流程、如何处理复杂绑定或者如何运用新软件的实用建议，所有的“指导”都停留在“你应该思考什么”的层面，而不是“你应该怎么做”。

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这本书的封面设计倒是挺吸引人的，那种带着点复古又有点未来感的配色，让人一眼就觉得这应该不是一本普通的教科书。我抱着很高的期望翻开，想看看作者在“纯粹”这个概念上到底能玩出什么新花样。然而，读完前几章，我发现它更像是一本对传统动画理论的深度剖析，虽然文字功底扎实，但总觉得少了一丝令人眼前一亮的突破口。书中花费了大量的篇幅去探讨运动规律、时机把握这些基础中的基础，这些内容对于一个已经有些年头的动画从业者来说，显得有些过于冗长和基础了。我期待的是关于虚拟现实、实时渲染或者AI辅助创作等前沿技术在“纯粹动画”语境下的新诠释，但这些内容在书中几乎没有着墨。反而，更多的是对迪士尼黄金时代那种“一帧一帧绘制”的严谨流程的不断复盘和歌颂。这种对“经典永恒”的坚守固然可贵，但对于急切想了解行业未来走向的读者来说，会感到有些意犹未足，仿佛置身于一个华丽但略显陈旧的艺术殿堂，而非充满未知可能性的前沿实验室。整体上，它的学术价值是毋庸置疑的，但对于寻求创新和颠覆性思维的读者，或许需要调整一下心理预期，它更偏向于“追本溯源”而非“开疆拓土”。

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我本来对这本书抱持着极大的热情，希望能从中找到关于如何通过最精简的动画语言表达最丰富情感的秘诀。书中确实有一些段落描写了如何通过细微的面部表情变化，或者仅仅是一个眼神的停顿，来构建起复杂的人物内心世界，这些描述极富画面感和感染力。然而，这些精彩的片段往往被淹没在大量与动画技术本身关系不大的文学评论和艺术史回顾中。作者似乎更热衷于将动画降维到其他艺术形式的附属品，例如，将它视为绘画、雕塑、乃至戏剧在时间维度上的延伸，而不是一个独立且强大的媒介。这种定位让我感到非常困惑，既然它强调“纯粹”，理应突出动画自身特有的时空操控能力和视觉爆发力，但全书读下来，我感觉动画仿佛只是被借用来印证其他艺术理论的工具。对于我这种痴迷于角色动态和动作设计的动画人来说，这本书缺乏对动作本身那种直观、热烈和充满生命力的赞美，更多的是一种冷静到近乎抽离的学术审视，让人感到有些意兴阑珊。

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这本书的结构安排实在是让人摸不着头脑，章节之间的跳跃性太大，缺乏一个清晰的主线索来串联。有时它会突然插入一段关于某个特定历史时期（比如魏玛时期的先锋电影）的分析，然后紧接着又跳跃到对现代商业动画叙事节奏的批评，两者之间的过渡生硬得让人措手不及。我花了大量时间试图去寻找作者试图构建的那个“纯粹动画”的统一标准究竟是什么，但每一次似乎都只触及到了一个侧面。时而强调美学上的极简，时而又推崇叙事上的复杂，这种内部的张力使得全书的论点显得有些摇摆不定。如果你是想系统学习动画制作流程的初学者，这本书绝对会让你迷失方向，因为它既不提供入门指南，也不提供高级教程，它只提供碎片化的思考碎片，要求读者自己去完成大部分的逻辑拼接工作。说实话，我更倾向于将它视为一本散文集，而非一部系统的专业著作，它更适合在咖啡馆里，带着随性的心情去品读那些零星的洞见，而不是在工作台上，抱着解决问题的目的去查阅参考。

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我购买这本书完全是冲着它在业内引起的讨论热度去的，大家都说它定义了新的行业标准。然而，翻阅内容后，我只能说，这“新标准”的建立方式显得异常保守和内敛。作者的论述非常扎实，尤其是在色彩理论和光影层次处理上，他引入了一些非常精妙的物理学概念来解释为什么某些视觉效果在观众眼中会产生“自然而然”的舒适感。但问题在于，他所依赖的“纯粹”基石，似乎完全建立在传统的2D手绘动画的范畴之内。全书贯穿着一种对“数字辅助”的微妙疏离感，似乎任何依赖计算机算法生成的运动，都自动被排除在了“纯粹”的讨论之外。这在如今这个3D、实时渲染和动态捕捉技术占据主导地位的时代，显得有些脱节。它更像是一部为致敬学院派而写的“圣经”，而非指引行业发展的“路线图”。我读完后，最大的感受是，我的工具箱里并没有增加任何新的工具，反而被提醒要去更加珍视那些尘封已久的传统技艺，这对于希望拥抱新技术的从业者来说，无疑是一种“倒退式”的启示。

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