中国设计史

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出版者:
作者:夏燕靖
出品人:
页数:261
译者:
出版时间:2009-1
价格:40.00元
装帧:
isbn号码:9787532256181
丛书系列:
图书标签:
  • 中国设计史
  • 设计
  • 设计史
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  • 艺术史
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具体描述

《中国设计史》将系统地对设计与文化的关系、设计与手工业的关系、设计与农业生产的关系、设计与科技的关系,以及现当代中国艺术设计与社会工业化发展背景的关系作一次较为全面的阐述,对涉及的诸多问题进行梳理分析,从理论的高度进行阐释。

作者简介

目录信息

一、原始社会的艺术设计
1.设计的起源与石器的制作设计
2.陶器的制作与器形的设计
3.纺编织物的产生与设计形式
4.原始居住设计的雏形
二、夏商周时期的艺术设计
1.青铜鼎器与礼制性设计
2.原始陶瓷器的形成与实用设计
3.交通运输工具的设计规范
4.建筑设计与城建布局
5.丝纺织物与服饰艺术设计
三、春秋战国时期的艺术设计
1.早期工艺技术与器具设计
2.设计与生活
3.设计与战争
4.设计思想的形成
四、秦汉时期的艺术设计
1.铁制工具的广泛使用
2.冶铜业与铜器设计
3.丝织、印染与服饰设计
4.陶瓷设计日臻完善
5.漆器业的兴盛与漆艺设计
6.车船设计水平的提高
7.建筑设计与木作业
8.工具的使用与设计
9.秦汉时期的文献典籍中的设计理论
五、魏晋南北朝时期的艺术设计
1.瓷器时代的形成与陶瓷器的设计
2.织印染服装业的恢复和发展与其设计特色
3.金属工艺与纹饰设计
4.车船制造及木作业设计
5.建筑与雕刻工艺设计
6.设计思想的形成
六、隋唐五代时期的艺术设计
1.手工业的繁荣促进了其设计水平的提高
2.陶瓷工艺与陶瓷设计的发展
3.纺织印染业的进步与设计品种的丰富
4.服装工艺与服饰设计的特色形成
5.金属工艺设计的成熟
6.造船与家具制造业的发展与设计特色
7.建筑设计的成熟与繁荣
8.五代十国时期艺术设计
七、宋辽金西夏时期的艺术设计
1.手工业的发展与对外贸易的形成
2.宋瓷的生产规模与设计成就
3.宋代丝织、染缬工艺的发展
4.宋代服饰与艺术设计风格
5.雕版印刷与商业美术设计
6.金属制器与工艺设计
7.宋代建筑及家具设计
8.辽和金时期的艺术设计
9.西夏时期的艺术设计
八、元代的艺术设计
1.瓷器工艺与设计
2.染织工艺及其品种的艺术设计
3.服饰工艺与服饰设计
4.金属工艺及品种设计特色
5.农业器具与天文器具的设计记载
6.建筑与装饰纹样设计
7.印刷、家具与商业美术
九、明清时期的艺术设计
1.纺织印染业的高度繁荣与染织品种设计
2.服装工艺与服装设计
3.陶瓷业的繁荣与品种的发展
4.建筑设计与建筑彩画艺术
5.家具种类与工艺设计
6.车船种类与造船业
7.印刷工艺与印刷设计
8.丰富多彩的设计理论
十、近现代史上的艺术设计
1.伴随近代手工业和对外贸易发展起来的艺术设计
2.纺织印染业的发展与新兴花色品种
3.服饰设计水平的提高
4.新兴产业的出现与艺术设计的新发展
5.建筑艺术的变迁与建筑装饰的兴起
十一、新中国时期的艺术设计
1.恢复时期和社会主义改造时期的工艺美术
2.全面建设社会主义时期的工艺美术
3.“文革”时期的工艺美术
4.新时期的工艺美术及面向21世纪的艺术设计事业
附录
我国历史朝代公元对照表
当代中国工艺美术、艺术设计大事年表(1949—2000)
中国古代工艺典籍索引及介绍
参考书目
后记
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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我带着一种非常好奇的心态打开这本书,试图去梳理我们这个时代审美是如何一步步构建起来的。起初,我担心它会过于学术化,充斥着枯燥的理论名词,但很快我就被作者叙事上的那种“讲故事”的能力所折服。作者似乎对每一个历史节点的选择都有着极其敏锐的直觉,他没有像教科书那样铺陈所有信息,而是挑选了那些关键的、具有转折意义的事件和人物进行深入挖掘。比如,书中对于某个特定时期,地方手工艺人如何尝试融入工业化生产的描述,就极其生动,文字中充满了对匠人精神的敬意和对时代困境的深刻理解。更让我感到惊喜的是,作者并不局断地只谈“大师”和“运动”,而是将目光投向了更广阔的社会背景,探讨了政治气候、经济发展乃至日常生活习惯如何反作用于设计思想的演变。这种宏观与微观相结合的叙事手法,让整个历史脉络变得立体而丰满,不再是平面化的时间线,而是充满张力、相互影响的复杂网络。读完几章后,我感觉自己对“中国设计”这个概念的理解不再停留在表层,而是触及到了它深层的文化肌理。

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这本书的阅读体验,更像是一次深度沉浸式的文化漫游,而不是被动的信息输入。我发现自己经常需要停下来,放下书本,在脑海中构建起作者描绘的那个场景:可能是某个作坊里的光影,或是某个重要展览会场的气氛。作者对细节的把控达到了近乎偏执的程度,尤其是在描述那些已经消逝的、难以找到影像资料的时期,那种文字重构出来的画面感,实在太具有感染力了。我特别欣赏它在引用和注释上的严谨性,尽管这部分内容通常被读者略过,但它为全书提供了坚实的学术支撑,让人知道这些论断并非空中楼阁。更重要的是,这本书的“声音”非常独特——它不像一些西方翻译作品那样充满教条感,而是有一种深沉的、充满思辨性的东方韵味。它不是在“教”你什么是美,而是在引导你去“思考”设计背后的文化逻辑和身份认同。读完后,我感觉自己看待日常物品的角度都发生了一些微妙的改变,仿佛有了一层新的滤镜去审视周围的世界。

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坦白说,我对这种宏大主题的著作通常持谨慎态度,因为它们很容易写得“高屋建瓴”,让读者感到遥不可及。然而,这本书在处理复杂议题时,展现出一种令人赞叹的平衡感和接地气的智慧。它没有陷入陷入西方设计理论的窠臼,而是始终立足于本土语境,即便引用了国际思潮,也清晰地阐述了它们在中国语境下是如何被“消化”和“重塑”的。例如,书中关于某一时期家具设计如何在新旧审美冲突中寻找折中的路径,描述得鞭辟入里,那种挣扎和创新,读来让人感同身受。作者的笔触是极其克制的,没有过度拔高或贬低任何一个阶段,而是保持了一种近乎历史学家的冷静和客观,但这并不意味着缺乏激情。相反,正是这种克制,让那些真正具有开创性的瞬间爆发出更强大的能量,因为读者知道,这些结论是经过严谨考证得出的。对于任何想深入了解当代本土美学根源的从业者或爱好者来说,这本书提供了一个坚实且可靠的认知框架。

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这本书的结构设计极为巧妙,它没有采用传统的线性时间轴推进,而是采用了主题式的章节划分,这使得不同历史时期的设计理念和实践得以相互参照、彼此印证。这种非线性的叙事方式,反而极大地增强了分析的深度。比如,某一章专门探讨了“材料的本土化表达”,它跨越了清末到改革开放等多个时间段,将不同时期的工匠如何处理竹、木、泥土等基础材料的技法和哲学思想串联起来,形成了一条清晰的脉络。这种跳跃式的结构,避免了在单一历史阶段过度纠缠的枯燥感,反而营造出一种多维度的对话空间。对于一个资深的设计师来说,这种结构提供的“横向比较”价值,远超一般的“纵向回顾”。它迫使我们跳出固有的历史框架,去思考那些贯穿始终的设计母题——比如如何平衡实用性与象征意义,如何在效率与精致之间找到支点。这本书的价值,在于它提供了一套重新组织和理解“中国设计基因”的全新工具。

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这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴!封面那种带有肌理感的纸张,触感温润而沉甸,透着一股历史的厚重感,但同时又用现代的极简留白处理,平衡了时代的跨度。内页的纸张选择也非常考究,印刷的色彩还原度极高,即便是那些泛黄的老照片和手稿的摹印,也显得清晰而不失年代的韵味。我尤其欣赏它在版式编排上的用心良苦,字体大小的层级处理得当,行距疏密得宜,阅读起来非常舒适,眼睛不会轻易感到疲劳。很多章节的图文排布并非简单的左右对照,而是采用了跳跃式的设计,比如将重要的设计宣言以艺术字体的形式单独开辟一页,或者用大幅的跨页插图来展示某个标志性作品的全貌,这种视觉上的节奏感和韵律感,本身就是对“设计”主题最好的诠释。翻阅过程中,我几次停下来,不是因为内容晦涩,而是被那些精心设计的细节所吸引——无论是页眉的装饰性元素,还是章节分隔页上的几何图形运用,都透露出一种内敛而自信的审美态度。这本书的物理实体,与其说是一本工具书,不如说是一件值得收藏的艺术品,它在方寸之间,已经完成了一次成功的“设计展示”。

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