具体描述
FASHION PRINTS is a concise step-by-step guide to designing symmetrical and repeat patterns for fashion design. The book contains 12 chapters, each containing a wide range of basic elements needed to create a pattern. It is demonstrated how to make various grids and how to apply the design elements to come to a repeating pattern. The visual approach makes these procedures very easy to understand and helps the reader develop his/her own creative ideas.Furthermore, each chapter gives a number of examples how to apply colour to the patterns. Last but not least, step-by-step drawings are included showing how to render the result on a fashion figure.All design elements are stored on the accompanying free CD-Rom and allow for near limitless variations in creating designs according to your own taste and style.Fashion Prints is a must-have for everybody interested in textile and fashion design.
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读后感
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用户评价
对我而言，一本好的书必须能够挑战我现有的分类框架。我一直在试图理解“流行”与“艺术”的边界是如何被印刷媒介模糊和重塑的。特别是20世纪初，随着彩色平版印刷技术的成熟，大量的海报、烟盒包装、甚至商品标签开始拥有前所未有的视觉冲击力，它们在功能性、商业性和艺术性之间游走了很危险的钢丝。我最近读到的一些关于现代艺术史的论述，往往将这些商业印刷品视为艺术的“附庸”或“对立面”，充满了居高临下的审视。我更希望看到一本能够真正平等对待这些印刷物的书籍，一本能深入挖掘那些商业设计师的创造力，以及他们的作品如何反过来影响了严肃艺术家的创作取向。我想知道，当一个设计师为了让咖啡豆包装在昏暗的店铺里也能吸引眼球时，他所做的色彩选择和构图权衡，与在画廊展出的画布上的考量，其本质上的创造力差异究竟有多大？我需要一本能够拆解这种“高雅/低俗”二元对立的著作，用具体的印刷案例来证明印刷品作为一种大众传播工具，其本身就孕育着变革性的艺术力量，而不仅仅是艺术的被动承载者。
评分最近沉迷于研究欧洲文艺复兴晚期到巴洛克初期，那些手抄本向活字印刷过渡时期的视觉文化转型。这期间的文本和图像载体的变化，简直就是一场静默的革命。我希望找到一本能细致描绘出这种“过渡”状态的书籍。我所阅读的几本书，要么完全聚焦于古腾堡的技术革新，把重点放在了金属活字的制造和排版效率上，让印刷品本身的美学价值退居次要；要么就直接跳到了工业革命后的机械化大规模生产，完全忽略了中间那个充满手工艺精神和实验性的阶段。那个阶段的印刷品，往往是艺术家亲手雕刻木板，然后自己上色或进行二次加工，其成品带有强烈的个人印记。我想知道，在那个时期，印刷工坊是如何管理这些“半手工艺半工业”流程的？有哪些独特的装帧和色彩处理技术，是后来被机械化流程所淘汰或改变的？目前的阅读体验是碎片化的，我需要一个能将技术、工艺、艺术审美和商业运作，通过具体的印刷物案例串联起来的叙事。那种能让我看到手推印刷机上的每一次用力，如何最终转化为页面上独特的墨点浓淡对比的书，至今未曾得见。
评分说真的，我对那些堆砌理论的学术著作已经有些审美疲劳了。我更喜欢那种带着“人味儿”的书，你知道吗？就是那种作者仿佛亲自走访了历史现场，跟那些老一辈的印刷师傅或者设计师聊过天，然后把那些鲜活的对话和细节融入到文字中的作品。我最近翻阅的一本关于20世纪中期平面设计的书籍，虽然列举了大量的经典案例，但读起来就像是在看一份冷冰冰的年鉴，缺乏温度和背景的烘托。它告诉我“什么”是重要的，但很少告诉我“为什么”这些东西重要，或者说，在那个特定的历史时刻，做出这样的设计选择的驱动力究竟是什么。我特别想了解的是，当一种新的印刷技术出现时，它在艺术圈内部引发了怎样的争论？那些保守的艺术家是如何抵制或者拥抱这种新媒介的？如果有一本书能深入挖掘这种技术更迭背后的权力斗争和审美松动，那该多有意思。目前我手上的材料，更多的是对结果的总结，而不是对过程的细致描摹，总感觉少了那么一抹生动的色彩，像是看了一部剪辑完美的电影预告片，却错过了正片里那些充满张力的幕后花絮和微妙的剪辑考量。我期待那种能让我闻到油墨味、感受到纸张粗糙质感，并且能听到设计师在灯下争论到深夜的声音的书籍。
评分最近读完了几本关于艺术史和设计理论的著作，但坦白说，它们都没能像我期望的那样点燃我对某个特定领域的深入热情。我尤其渴望找到一本能真正深入探讨印刷艺术，特别是那些富有时代烙印和技术革新的印刷品背后的故事的书籍。目前手头上的几本书，要么过于宏观，泛泛而谈了整个20世纪的设计演变，缺乏对单一媒介的精雕细琢；要么就是技术手册性质太强，充斥着晦涩的化学配方和设备参数，完全没有顾及到这些印刷品如何进入公众视野，又是如何影响了当时的审美风尚。比如，有一本专门讲版画技法的书，详细描述了凹版和凸版的区别，但当我合上书本时，脑海里留下的只有一堆复杂的术语，而非那些精美、充满张力的图像本身。我一直在寻找那种能将技术严谨性与文化批判性完美结合的作品，一本能带我穿越到那个油墨尚未干透、每一个图案都承载着社会信号的年代的书。那种能让我看到丝网印刷如何从工业应用走向街头艺术，或者凸版印刷如何为早期时尚杂志赋予粗粝而真实的质感的故事，那种能让我感受到纸张纤维中蕴含的时代精神的书，目前看来，我还没能觅得。这种对具体、深入、有血有肉的印刷品历史的探求，构成了我阅读清单上一个持续存在的空白，一个等待被填补的知识鸿沟。
评分我最近对“重复性”这件事非常着迷，不是指批量生产，而是指图案和母题在不同材料和媒介上的迭代与变异。特别是那些具有强烈符号意义的图案，比如某种纹章、几何图形或自然元素的简化造型，它们是如何通过不同的印刷技术——从石版画到凹版，再到后来的平版胶印——而保持其核心辨识度，同时又吸收了新技术的特性，从而在不同的文化语境中焕发新生的？我手头上的几本关于图形设计的书，大多在讨论“现代主义”的简化和功能性，但它们往往将“重复”视为一种被动的、符号化的行为，而不是一种主动的、具有创造性的视觉语言。我寻找的是一本能够深入剖析图案母题的“生命周期”的书，它应该能展示同一个元素，在被丝网印刷的粗糙油墨覆盖时是何种姿态，在被精密的铜版画细线勾勒时又是何种气质。这种关于视觉DNA如何在不同技术载体上传播和演化的深度探讨，是当前阅读材料中明显缺失的那个维度，我渴望那种能通过对比几幅技术迥异的印刷作品，就能清晰展现“技术决定美学倾向”的分析性著作。
评分过于concise了吧
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