Daan Van Golden

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出版者:Museum Boijmans van Beuningen
作者:Daan Van Golden
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1998-05-02
价格:USD 25.00
装帧:Paperback
isbn号码:9789069181875
丛书系列:
图书标签:
  • Daan Van Golden
  • 荷兰
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具体描述

《Daan Van Golden:艺术的回声与物质的低语》 一段关于存在、感知与日常的深度探索 这是一本关于艺术家 Daan Van Golden 的影像集,但它所呈现的,远不止是艺术家创作生涯的简单记录。它更像是一扇窗,引领观者深入艺术家独特的精神世界,去感受他如何以一种近乎冥想的姿态,审视、捕捉并转化我们习以为常的现实。本书旨在呈现 Daan Van Golden 那些看似平凡却蕴含深邃哲思的作品,并探讨他如何通过重复、复制、以及对日常物品和场景的着迷,构建了一个既有共鸣又充满个体印记的艺术宇宙。 Daan Van Golden 是一位在当代艺术界独树一帜的存在。他的创作,往往围绕着一种持续性的追问:我们如何理解我们所处的世界?我们如何感知那些被时间磨砺、被习惯模糊的细节?他没有宏大的叙事,没有激烈的宣言,他的艺术语言是内敛的、沉静的,却拥有直抵人心的力量。本书将重点关注 Van Golden 那些以重复和系列性为特征的作品,例如他标志性的“印花布”系列,或是他对标志性文化符号的“挪用”与“再语境化”。这些作品并非简单的模仿,而是一种对原物的细致解构与重塑,它们挑战着我们对于原创性、价值和意义的固有认知。 在 Daan Van Golden 的艺术实践中,“重复”不仅仅是一种手法,更是一种哲学。他反复描绘同一个图案,同一个场景,同一个物体,这种近乎强迫症式的重复,并非为了达到某种完美,而是为了在每一次的重复中,发掘出新的细微差别,体验事物在不同语境下的存在状态。这种重复,也像是一种对时间的凝固和对瞬间的延长,它让观者有机会停下来,去审视那些在快速流动的现代生活中被忽略的细节。本书中的大量影像,将以高品质的呈现,引导读者进入 Van Golden 的这种“慢思考”模式,体会那种“在重复中寻找差异”的独特观看体验。 “日常”是 Daan Van Golden 艺术的另一重要基石。他从最普通的事物中汲取灵感:一条印花桌布,一块广告牌,一件带有标志性图案的 T 恤,甚至是一个被遗忘的街角。他像一个耐心的炼金术士,将这些平凡的元素转化为具有视觉冲击力和思想深度的艺术品。他关注的不是事物的“功能性”,而是它们“存在性”本身,以及它们在我们集体意识中所承载的文化符号意义。本书将通过对 Van Golden 多个重要系列作品的深入呈现,展现他如何赋予这些日常物件以新的生命与意义,挑战我们对“艺术”与“非艺术”的界限。 例如,他对于印花布的痴迷,并非源于对某种特定图案的喜爱,而是对图案背后所蕴含的工业生产、批量复制、以及消费文化痕迹的关注。他将其放大、裁剪、重组,让这些熟悉的图案在新的语境下产生陌生感,引发观者对图案、色彩、以及它们所代表的社会文化的思考。书中将收录大量 Van Golden 早期和近期的印花布作品,并配以详细的图注和背景介绍,帮助读者理解其创作的演变过程和思想内核。 再者,Daan Van Golden 对“复制”的运用,也极具玩味。他并非仅仅满足于对现有事物的复制,而是通过复制的过程,去质疑原创性的概念。他像是对待一个古老的文本,通过每一次的抄写,去体会文本的质感,去感受作者的意图,并在每一次的临摹中,注入自己独到的理解。这种对复制的强调,也呼应了信息时代海量复制和传播的现状,引发我们对于真实性、独特性以及艺术价值的深层思考。本书将通过对比展示 Van Golden 不同时期、不同媒介的复制作品,揭示其在复制与原创之间的微妙平衡。 本书的编排,将力求流畅而富有逻辑。开篇将以 Daan Van Golden 的早期创作入手,展示他如何逐渐形成自己独特的艺术语言。随后,将深入探讨他几个标志性的系列作品,如印花布、广告牌、以及对各种文化符号的挪用。书中还会穿插一些关于 Van Golden 的访谈片段(如果他有公开发表的访谈),或者评论家的深度解读,为观者提供更丰富的视角。最后,将以他近期的作品收尾,展现他艺术生涯的持续演进和其思想的不断深化。 图像的呈现,将是本书的重中之重。每一件作品都将以高清、细腻的图像呈现,力求还原艺术家创作的真实细节和质感。我们相信,通过高质量的视觉呈现,观者将能够更直观地感受到 Daan Van Golden 作品中的色彩、线条、以及材料本身所传达的丰富信息。每一张图片都将配以准确的艺术家信息、作品名称、创作年代、以及尺寸等必要信息,确保信息的完整性和准确性。 此外,本书还将深入挖掘 Daan Van Golden 创作背后的思想脉络。他深受极简主义、观念艺术等思潮的影响,但又超越了这些流派的束缚,形成了自己独有的风格。他对于“观看”这一行为的关注,对于“感知”过程的探讨,以及对于“物质”本身力量的强调,都将是本书重点解读的方向。我们将尝试从哲学、心理学、社会学等多个维度,去理解 Van Golden 艺术的意义。 “物质的低语”是本书试图传达的核心概念之一。Daan Van Golden 并非回避艺术品的物质属性,相反,他常常强调材料的质感、颜色的触感,以及作品的物理存在感。他似乎在倾听这些物质本身的“低语”,并试图将这些低语转化为视觉语言。这种对物质性的关注,使得他的作品既有抽象的思考,又不失具象的实在感。书中将通过特写镜头和多角度的图像,展现 Van Golden 作品中材料的纹理、光泽、以及其独特的物质美学。 《Daan Van Golden:艺术的回声与物质的低语》不只是为艺术爱好者准备的。它更适合那些对生活保持好奇心,对事物保持敏感,并愿意停下来思考的人。它是一次深入的视觉与思想之旅,邀请你一同去感受 Daan Van Golden 如何用他独特的艺术方式,重新定义我们对“观看”、“感知”和“存在”的理解。本书的价值在于,它提供了一个独特的视角,让你重新审视你所熟悉的世界,从中发现那些被忽略的美丽与深意。 在阅读本书的过程中,你或许会惊叹于艺术家对细节的极致追求,或许会被他作品中那种宁静的力量所打动,或许会开始重新审视那些你习以为常的物品和场景。 Daan Van Golden 的艺术,就像一面古老的镜子,它映照的不仅是外部的世界,更是我们内心的回声。本书的诞生,正是为了让这面镜子更清晰地呈现在你面前,让你有机会与艺术家进行一场跨越时空的对话,感受那些“艺术的回声”与“物质的低语”。 本书中的每一页,都承载着 Daan Van Golden 对艺术的坚持与探索。我们希望,通过这本书,观者能够获得一次独特而深刻的艺术体验,并在日常生活中,发现更多的“艺术”,感受更多的“低语”。这是一次邀请,邀请你走进 Daan Van Golden 的艺术世界,感受那份宁静中的力量,那份平凡中的不凡。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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如果非要给这本书下一个定义,我想它更像是一部结构极其庞大的、充满自我指涉的脚注体系,而不是一个传统的文本。我是在朋友的强烈推荐下购入的,他用一种近乎狂热的口吻告诉我,这本书“改变了他看待空间的方式”。我对这种评价向来持保留态度,但好奇心还是驱使我打开了它。阅读这本书的过程,对我来说更像是一场持久的“解码战役”。作者似乎故意避免使用任何明确的主语或宾语,而是倾向于使用大量的被动语态和抽象名词,让整个叙事漂浮在一片意义的迷雾之中。我发现,很多段落的句子长度都超过了十行,句子内部充斥着大量的插入语和修饰成分,使得理解其核心论点变成了一种艺术。我不得不经常停下来,在脑海中尝试用最基础的、最简化的语言来重构作者想要表达的那个核心概念,这个过程非常痛苦,但一旦成功重构,那种豁然开朗的感觉又是无与伦比的。这本书的排版也很有特点,作者似乎偏爱使用超大篇幅的留白,有时候一个只有两三个词的句子会占据整整一页的中央位置,这种视觉上的停顿,强迫读者必须慢到近乎静止的状态去体味那几个词的分量。它不仅仅是在描述事物,更像是在用语言本身的力量,去重塑我们感知物理现实的方式,是一次对认知边界的温柔而坚定的试探。

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这本书的纸张质量简直糟糕透了,封面摸起来粗糙得像是砂纸,油墨的味道久久不散,每次翻页都能清晰地听到纸张摩擦发出的沙沙声,让人联想到某种老旧档案室里的尘封记录。我是在一个雨天,偶然从一个二手书店的角落里翻出它的,当时它被压在一堆平装小说下面,看起来毫不起眼。我买它的唯一动机,完全是出于对封面设计那种近乎反常的极简主义感到好奇——几乎没有任何装饰,只有大写字母的字体和极端的留白。当我开始阅读时,我发现作者的语言风格与这本书的外在形象形成了强烈的反差。它不像我预期的那种晦涩难懂的学院派论述,反而带着一种近乎口语化的、略带戏谑的疏离感。作者似乎在用一种非常随意的笔调,讲述一些极其严肃或者说极其私人的主题。他的叙事线索非常松散,常常会在一个段落中间突然插入一个完全不相关的个人轶事或者对某个日常场景的漫长描述,这种跳跃性让人感到一种强烈的失重感。我感觉自己像是一个闯入了一场私人对话的局外人,虽然听得懂每一个词,却完全不明白他们对话的真正含义和上下文。这本书最让我印象深刻的是它对“时间流逝”的处理,它不是线性的,而是像无数条河流在不同的速度下汇聚又分离,让你在阅读的过程中,不断地在“当下”和“回忆的碎片”之间来回切换,搞得我经常需要翻回去重读几页,才能重新找回叙事的主轴。

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这本厚厚的书捧在手里,感觉就像抱着一块沉甸甸的石头,书页泛着一种略带年代感的米黄色,边缘有些许的磨损,这让我立刻对它产生了某种敬畏。我不是一个轻易被书脊上的名字唬住的人,尤其当这个名字听起来如此具有欧洲艺术史的腔调时。然而,一旦翻开扉页,那种扑面而来的文字密度和密集的逻辑推演,立刻将我拉入了一个全新的思考维度。我花了整整一个下午才勉强啃下前三章,那种感觉就像是在攀登一座陡峭的山峰,每一步都需要精确计算落脚点,否则就会滑落到完全迷失的状态。作者的叙事节奏极其缓慢,几乎可以说是对时间本身的解构,他似乎热衷于在每一个细微的观察点上做无限的拉伸和剖析。举个例子,他可以花上五页纸去描述一个在特定光线下,一个物件边缘反射出的光斑的微妙变化,这种精细度,初读时会让人感到一种近乎窒息的压迫感,仿佛每一个被忽略的细节都在无声地指责读者的肤浅。但是,当我强迫自己慢下来,真正沉浸进去时,那些原本平淡无奇的描述开始像显微镜下的细胞结构一样,展现出令人惊叹的复杂性和内在的关联性。我感觉自己不是在阅读一个线性的故事,而是在参与一场由作者精心编排的、关于“存在本身”的哲学辩论,这场辩论的参与者,只有我和那些被极其精确地捕捉并定格下来的瞬间。这本书的魅力,不在于它能提供多少明确的答案,而在于它如何用一种近乎冷酷的严谨性,逼迫你重新审视自己对世界的既有认知框架。它绝对不是一本适合在睡前放松时翻阅的读物,更像是一份需要全神贯注去破解的密码本。

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说实话,这本书的开篇给我造成了不小的“审美冲击”,那种排版和用词的选择,简直像极了上世纪八十年代末那种先锋派文学的腔调,充满了对既有规范的公然挑衅。我不得不承认,我一开始差点就把它合上了,因为它的文字流动性极差,句子结构极其复杂,常常是三行甚至四行才能构成一个完整的、主语和谓语之间的关系都飘忽不定的表达。但我对这种“故作高深”的艺术圈子一直抱有一种矛盾的好奇心,所以决定硬着头皮继续往下读。这本书仿佛是在刻意制造一种阅读的障碍,它不欢迎轻松的进入,它要求读者先进行一次自我审视:你是否真的准备好接受这种挑战性的、非主流的表达方式?随着阅读的深入,我发现作者似乎在用文字构建一个迷宫,每一个转角都通向另一个更深的、更令人困惑的房间。他很少使用直接的形容词或动词,而是倾向于使用一系列并列的名词短语来堆砌场景,营造出一种近乎蒙太奇剪辑的视觉效果。我甚至开始怀疑,这本书的真正读者群体,是否必须先对某种特定的视觉艺术史或美学理论有深入的了解,否则很多典故和隐喻会完全失落其原有的重量。这种阅读体验非常消耗精力,仿佛不是在吸收知识,而是在进行一场高强度的智力搏击,每一次理解的突破,都伴随着强烈的自我怀疑和随之而来的短暂的狂喜。它像一面打磨得极其光滑的镜子,映照出的不是世界,而是你阅读时那种笨拙而挣扎的样子。

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这本书的封面设计简直就是一场反营销的胜利,朴素到几乎让人想直接忽略它,但我正是被它这种“拒绝被注意”的态度所吸引。我通常偏爱情节驱动型的阅读体验,但这本书完全颠覆了我的习惯。它几乎没有传统意义上的情节发展,更像是一系列被随机提取出来的、高度浓缩的“观察记录”。作者的笔触极其冷静,像一台精密运行的仪器,记录着那些我们日常生活中最容易忽略的、转瞬即逝的细节:一束光线穿过玻璃杯时形成的折射角度,或者一个房间内温度细微变化时空气中颗粒物的运动轨迹。这种细致入微的观察,让阅读的节奏变得异常缓慢,我读一页可能需要十分钟,因为我需要花大量时间去想象作者所描绘的那个场景在我的脑海中真正“发生”。这本书的真正厉害之处在于,它成功地将一种近乎科学的客观性与一种极度主观的、内省的视角结合了起来。你感受到的不是作者在讲述一个故事,而是作者在向你展示他如何“看见”世界,而这种看见的方式,是如此的陌生和彻底,以至于让你开始怀疑自己过去几十年里到底都错过了些什么。读完这本书后,我走路时会不自觉地放慢速度,开始注意脚下人行道的纹理,以及树叶在微风中摇曳时影子在墙上留下的复杂图案,这是一种深刻的、由文本渗透到日常行为中的改变。

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