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出版者:

作者:Dover

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2002-3

价格:118.00元

装帧:

isbn号码:9780486995090

丛书系列:

图书标签:

• Japanese Design
• Graphic Design
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• CD-ROM
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• Culture
• Japan
• Patterns
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和风之韵：穿越时空的日式设计美学 本书旨在为读者呈现一场跨越千年、沉浸式的日式设计探索之旅。我们精心遴选并编排了大量具有代表性的日本传统设计元素，并赋予其现代的视角与诠释，旨在揭示和风设计的独特魅力及其在当代设计领域中的深远影响。本书内容涵盖了从自然万物到人文精神，从建筑庭院到器物美学，从色彩意境到图案肌理的方方面面，力求为读者提供一个全面而深入的了解。 一、 自然的诗意：侘寂与物哀的哲学 日本设计深深植根于对自然界的敬畏与热爱。本书将首先带领读者走进日本独有的审美哲学——“侘寂”（Wabi-sabi）与“物哀”（Mono no aware）。“侘寂”强调的是一种不完美、不恒久、不完整的质感，它体现在材料的天然纹理、时间的痕迹以及生命的枯荣之中。我们会深入剖析这一理念在枯山水庭园的禅意布局、粗陶茶具的质朴触感、以及老旧木材散发的古朴气息中的体现。例如，在枯山水庭园的介绍中，我们将不仅仅呈现其视觉上的宁静，更会阐述其背后所蕴含的“空”与“静”的哲学思考，以及如何通过沙石、岩石的摆放来象征山川河流，营造出一种超脱现实的意境。在器物方面，我们会展示那些看似粗糙却极具生命力的陶艺作品，分析其釉色变化、器形不规则之处如何传递出“不完美即是美”的理念。 “物哀”则是一种对生命短暂、世事无常的深沉感叹，这种情感在樱花盛开又飘零的短暂绚烂中得到淋漓尽致的展现。本书将通过对传统和服图案、浮世绘的细腻描绘，以及文学作品中对季节变化的描摹，来探讨“物哀”如何渗透进日本人的情感世界，并最终转化为独特的设计语言。我们会分析和服上精致的花鸟鱼虫图案，它们并非简单的装饰，而是承载着对自然轮回的观察与感悟，例如，樱花的短暂盛放象征着生命的易逝，而松竹梅的常青则寓意着坚韧与长寿。浮世绘中对日常生活场景的生动捕捉，也往往饱含着对时间流逝、人生无常的淡淡哀愁。 二、 空间的留白：虚实相生的禅意营造 日本建筑与室内设计以其对“间”（Ma）的极致运用而闻名。“间”不仅仅是物理上的空间，更是指事物之间存在的、充满可能性与呼吸感的“留白”。本书将通过对传统日式住宅、寺庙建筑以及现代空间设计的案例分析，深入探讨“间”在营造氛围、引导视线、促进人与环境互动方面所发挥的关键作用。 我们将详细解析障子（Shoji）与隔扇（Fusuma）的设计，它们如何通过半透明的材质模糊室内外的界限，引入柔和的自然光，并允许空间根据需求进行灵活分割。我们还会探讨日式庭院中对景的运用，如何通过精心布置的植物、石景与建筑的互动，在有限的空间内创造出无限的意境。此外，我们还将审视现代设计中对“间”的继承与创新，例如，如何通过简洁的线条、开放式的布局以及对自然元素的融入，来营造出宁静、通透且富有禅意的现代居住空间。我们会分析榻榻米（Tatami）房间的设计，其简洁的布局和对地面空间的充分利用，如何鼓励人们放慢脚步，享受当下的宁静。 三、 色彩的低语：自然之色与象征意义 日本传统色彩体系深受自然界的影响，其色彩语言既含蓄而又充满力量。本书将从自然色彩、象征意义以及色彩搭配三个维度，全面展现和风色彩的魅力。我们将深入探讨如深棕、米白、灰黑、墨绿等大地色系的运用，它们如何营造出沉静、内敛、素雅的视觉感受，以及如何与木材、纸张等天然材质相得益彰。 同时，我们还会关注一些具有象征意义的色彩，例如，象征纯洁与神圣的白色，象征吉祥与尊贵的红色，象征自然生命力的绿色，以及象征深邃与宁静的蓝色。我们会分析这些色彩在不同场合的应用，例如，在神社建筑中，白色与红色常常组合出现，营造出庄重而神秘的氛围。在传统服饰中，不同颜色的搭配也承载着特定的寓意和社交信息。 此外，本书还将探讨日式色彩搭配的智慧，即如何通过对色彩的微妙运用，营造出和谐、平衡且富有层次感的视觉效果。我们会分析不同颜色之间的对比与呼应，以及如何通过色彩的深浅、明暗变化来突出重点，引导视觉。 四、 图案的叙事：自然生灵与几何符号 日本传统图案是构成和风美学的重要组成部分，它们不仅具有装饰性，更承载着丰富的文化信息和象征意义。本书将从自然元素、几何符号以及图案组合三个层面，深入解读日式图案的独特魅力。 我们会重点介绍以自然生灵为灵感的图案，例如，象征长寿与吉祥的鹤、龟、松、竹、梅，象征着蓬勃生长的藤蔓，象征着美好祝福的樱花、枫叶，以及象征着自然力量的云纹、水纹等。我们会分析这些图案的写实与写意表现手法，以及它们如何通过不同的组合方式，传递出丰富的文化内涵。例如，在传统服饰中，描绘鹤在松间飞舞的图案，便是对长寿与祥瑞的美好祝愿。 此外，我们还将探讨日本传统几何图案的精妙之处，例如，棱角分明的麻叶纹，象征着增长与繁荣；圆润流畅的青海波纹，寓意着大海的波涛汹涌与风平浪静；以及错综复杂的青海波纹，则表达了对平安与宁静的祈愿。这些几何图案简洁明了，却又蕴含着深刻的文化寓意。 本书还将分析日式图案的组合与排列方式，如何通过精巧的布局和色彩的搭配，形成既和谐统一又富有变化的视觉效果。我们会探讨图案在不同载体上的应用，从建筑装饰到器物纹样，从染织品到绘画艺术，无不体现出日式图案的生命力。 五、 器物的温度：手作之美与实用哲学 日本传统器物的设计，始终将“手作之美”与“实用哲学”完美融合。本书将从材料选择、工艺传承、功能设计以及审美价值等方面，深入挖掘日本器物的独特魅力。 我们将探究日本匠人对天然材料的极致运用，例如，陶瓷、漆器、木器、金属器等，以及他们如何通过精湛的工艺，将这些原始材料赋予生命与温度。我们会详细介绍陶瓷工艺中的烧制技法、釉色变化，以及漆器工艺中的莳绘（Maki-e）、螺钿（Raden）等精细装饰手法。 本书还将关注日本器物的功能性设计。许多看似简单的器物，背后都蕴含着对使用者需求的深刻理解和对生活细节的周到考量。例如，茶道用具的每一个环节都充满了仪式感，筷子的设计也考虑到了人体工程学，就连一把雨伞的设计，也充满了对自然的尊重与巧妙的结构。 更重要的是，日本器物的设计往往蕴含着一种“侘寂”的哲学，它们并非追求完美无瑕，而是通过时间的沉淀，展现出其独特的质感与故事。一件使用多年的漆器，其表面的划痕和包浆，反而更能增添其魅力。本书将通过丰富的图片和详实的文字，带领读者走进日本器物的世界，感受其中蕴含的匠心与温度。 六、 现代的传承与创新：和风设计的未来 在现代设计浪潮的冲击下，日式设计并未固步自封，而是展现出强大的生命力与创新精神。本书的最后部分，将聚焦于当代日本设计，探讨传统和风美学如何在现代设计领域中得到传承与创新。 我们将展示当代建筑师、室内设计师、产品设计师以及平面设计师的作品，分析他们如何将传统和风元素融入现代设计理念，创造出既符合时代精神，又具有深厚文化底蕴的作品。例如，现代日式建筑中对木材、石材等自然材料的大量运用，以及对光影、空间的巧妙处理，便是对传统美学的继承。在产品设计领域，简约、功能、以及对细节的极致追求，也体现了和风设计的精神。 本书将通过对一系列当代优秀案例的分析，揭示和风设计在当代所展现出的多元化趋势，以及其在全球设计领域中的独特地位。我们相信，通过对这些案例的深入解读，读者能够更深刻地理解和风设计的精髓，并从中获得启发，将这份跨越时空的东方美学，融入到自己的设计创作与生活之中。 本书致力于成为读者探索日本设计美学的最佳指南，无论是对设计师、艺术家、文化爱好者，还是对日本文化充满好奇的普通读者，都能从中获得丰富的知识与灵感的启迪。让我们一同沉浸在这场和风设计的盛宴之中，感受那份源远流长、独具魅力的东方韵致。

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哇，最近淘到一本关于日本设计的老书，书名叫《和风之韵：江户至现代的视觉轨迹》，真是让人爱不释手。这本书的装帧非常有质感，封面采用了传统的日式麻布纹理，摸上去有一种沉静的力量。内容上，它没有落入那种泛泛而谈的介绍，而是非常深入地挖掘了日本设计哲学中“物哀”与“侘寂”的精髓。作者花了大量篇幅去剖析浮世绘中色彩的微妙变化是如何影响了后来的平面设计风格，尤其是在字体排版上，那种留白的处理简直是教科书级别的展示。我特别欣赏它将传统工艺，比如漆器、金缮，与现代工业设计并置对比的章节，让你能清晰地看到历史的传承是如何在当代语境下重塑和再生的。比如，它详细对比了昭和初期功能主义设计与当代极简主义在家居用品中的体现，那种对细节的苛求和对材料的敬畏感，读来令人心神向往。这本书的配图极其精美，很多都是首次公开的博物馆珍藏资料，清晰度高得令人赞叹，即便是对设计史不太了解的新手，也能从中感受到那种扑面而来的东方美学张力。总而言之，这本书更像是一次精神上的朝圣之旅，而不是简单的设计图鉴。

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说实话，我本来对“设计”类的书籍没什么太大期待，总觉得不外乎就是一些漂亮的图片和干巴巴的理论堆砌，但这本《光影与留白：现代日本建筑的内在逻辑》完全颠覆了我的认知。它关注的焦点非常独特，是建筑空间如何与自然光线进行“对话”。书中对安藤忠雄和隈研吾两位大师作品的分析，简直是抽丝剥茧，细致入微。我印象最深的是关于“混凝土的温度”那一章，作者不是简单描述材料本身，而是通过大量的现场照片和剖面图，展示了光线在特定时间段内如何改变混凝土墙面的质感和空间的情绪。那种冷峻中蕴含的温暖，通过文字和图片的完美结合，几乎能透过纸页传递出来。此外，它还探讨了日式庭院布局中“借景”的手法如何在现代商业空间设计中被巧妙地运用，这对于想在室内设计领域有所突破的人来说，简直是宝藏级别的参考资料。这本书的排版设计也很有匠心，每一页的页边距都留出了足够大的空间，让你在阅读思考时，仿佛也给自己留出了一块可以自由呼吸的“精神空间”。

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我对这本《百年和服的演变：从祭典服饰到日常时尚》的评价会比较高，因为它跨越了传统服饰研究的枯燥感，将历史、社会学和美学完美地融合在了一起。作者的笔触非常生动，她没有仅仅停留在和服图案和面料的描述上，而是深入探讨了不同历史时期，和服如何反映了日本社会阶层的流动和女性地位的变化。例如，大正时期西风东渐时，和服的袖长和腰带的系法所展现出的那种微妙的抗争与融合，写得跌宕起伏，如同在读一部迷你社会史。书中对于“染”和“织”这两种核心工艺的介绍，也做得非常专业，通过大量的微距高清照片，你能清晰地看到每一根丝线是如何被精心处理的。我尤其喜欢其中关于“色彩心理学”的部分，解析了某些特定颜色组合在日本文化中代表的吉祥或禁忌的含义，这对于理解日本的视觉符号系统非常有帮助。这本书的知识密度非常大，我甚至需要放慢速度，细细品味每一个章节，生怕错过了什么重要的文化肌理。

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读完《东方极简主义：茶道器物与日常器皿的美学关联》，我的生活态度都受到了潜移默化的影响。这本书的主题非常聚焦，它主要围绕茶道的“一期一会”精神，来阐释如何将这种专注和对日常器物的尊重延伸到现代家居生活中。作者的叙事风格非常平易近人，完全没有学术著作的架子，读起来像是一位经验丰富的朋友在跟你分享生活的感悟。书中对茶碗的描述达到了痴迷的程度，从“釉面流动”的细微差异，到“手握的温度”，每一个细节都被赋予了情感和历史重量。最让我受益匪浅的是关于“收纳哲学”的探讨，它不再是简单的整理术，而是上升到了哲学层面——如何通过精简和对拥有物品的深入了解，来净化心灵。书中配有大量当代日本陶艺家的作品照片，他们的作品既继承了古老的侘寂精神，又在造型上进行了大胆的创新，非常具有启发性。这本书真的能让你重新审视家里的每一个杯子、每一把勺子，赋予它们新的意义。

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我必须承认，在阅读《日本现代平面设计：从战后重建到数字浪潮》之前，我对日本的现代设计史了解得非常片面。这本书的广度和深度都令人惊叹，它系统地梳理了从战后物资匮乏时期，设计师如何利用有限的资源创造出极具冲击力的海报和标志，一直到如今在全球数字界面设计中的影响力。作者的分析非常到位，她成功地论证了日本设计如何在吸收西方现代主义的同时，始终保持着独特的东方视觉基因。例如，书中对1960年代“日本设计中心”成立前后的设计思潮变迁进行了详细的梳理，指出技术与美学的结合是如何推动了日本品牌走向世界的。配图中，不仅有经典的标志设计案例，更有大量的设计草图和原始概念稿，这对于正在学习视觉传达的学生来说，是无价之宝，可以直接看到创意思维的演化路径。这本书的语言严谨但不晦涩，逻辑清晰，是一部非常有价值的行业参考书，它让人对日本设计体系的韧性和创造力有了更深层次的理解和敬意。

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