Traditional Chinese Textile Designs in Full Color pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:People's Republic of China North-east Drama Institute

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:1980-5

价格:91.00元

装帧:

isbn号码:9780486239798

丛书系列:

图书标签:

• Chinese textiles
• Traditional Chinese art
• Textile design
• Embroidery
• Weaving
• Silk
• Patterns
• Color
• Asian art
• Costume

织锦千年：从丝绸之路的起点到东方美学的巅峰 本书将带领读者穿越千年时光，踏上一段追寻中国传统织锦艺术精髓的旅程。我们并非着眼于某一特定时期或地域的织锦技艺，而是将目光投向这门古老艺术在中华文明长河中波澜壮阔的发展脉络，以及其如何深刻影响了东方乃至世界的审美情趣。 一、 丝绪初开：织锦艺术的萌芽与早期发展 中国的丝绸之路，不仅是连接东西方的贸易通道，更是孕育和传播中华文明的摇篮。早在史前时期，先民们便已掌握了养蚕缫丝的技术，为织锦艺术的诞生奠定了物质基础。从考古发掘出的新石器时代墓葬中，我们可以看到早期麻、葛、丝织物的痕迹，它们虽不具备后世织锦的繁复纹饰，却已显露出人们对色彩和图案的初步探索。 随着夏商周三代的建立，冶金、陶瓷等技术日趋成熟，也为织锦工艺的发展提供了更为精良的工具。这一时期，织锦主要以素色为主，但贵族服饰上的纹饰开始增多，如兽纹、几何纹等，这些纹样往往带有神秘的宗教色彩和等级象征意义。商周时期的青铜器上精美的纹饰，也间接反映了当时人们对装饰美学的追求，这种追求必然会渗透到纺织品的设计之中。 战国时期，随着铁器的普及和生产力的提高，以及各地文化的交流融合，织锦工艺迎来了新的发展。秦汉帝国的大一统，使得不同地区的织造技术得以交流，也为织锦的标准化和规模化生产创造了条件。汉代织锦，尤其以“锦”为代表，其色彩之丰富、纹饰之精美，已然令人惊叹。墓葬出土的汉代锦，如新疆罗布泊出土的“五星出东方利中国”锦，其以吉祥文字和神兽纹样构成的复杂图案，以及高超的织造技艺，都代表了当时织锦艺术的巅峰水平。这些锦不仅是身份的象征，更是古代中国对外交流的珍贵礼品，将中华的智慧与美学传播到遥远的国度。 二、 锦绣华章：唐宋时期织锦的辉煌与创新 唐朝，是中国历史上一个开放包容、文化昌盛的时代，也是织锦艺术发展史上的一个黄金时期。唐代经济繁荣，对外交流频繁，吸收了大量外来文化元素，也促进了本土织锦技艺的创新与发展。这一时期，织锦的种类愈发多样，除了继续发展汉代的锦，还出现了“绫”、“罗”、“纱”、“绮”等更为轻薄、华丽的织物。“妆花”、“暗花”等技法也日益成熟，使得织物表面呈现出更加细腻、丰富的纹样。 唐代织锦的纹饰，更是呈现出前所未有的多元化和国际化。除了传统的龙、凤、瑞兽等吉祥纹样，佛教题材的图案也广泛应用于织锦之中，例如飞天、菩萨等形象。同时，波斯、萨珊等西亚风格的图案，如联珠纹、团窠纹、葡萄纹等，也大量出现在唐代织锦中，形成了独特的“唐风”织锦。这些织物常常色彩鲜艳、图案精美，成为当时贵族和僧侣们钟爱的服饰和装饰品。敦煌莫高窟出土的大量唐代彩锦，是研究唐代织锦艺术最宝贵的实物资料，它们以生动的色彩和精湛的技艺，向后人诉说着那个时代的繁华与浪漫。 宋代，虽然在军事上相较于唐朝有所衰退，但其在文化艺术领域的成就却达到了新的高度。宋代织锦在继承唐代的基础上，更加注重写实性、细腻性和艺术性。纹饰方面，花鸟、山水、人物等写实性题材成为主流，尤其以花卉纹样最为突出。梅、兰、竹、菊、牡丹、荷花等，都被赋予了丰富的象征意义，并通过精湛的织造技艺，栩栩如生地呈现在织物之上。宋代织锦的色彩也趋于雅致、内敛，少了唐代的浓烈，多了几分清秀与淡雅，展现出文人雅士的审美情趣。 宋代的织锦技术也取得了显著进步，例如“缂丝”技艺在宋代得到了极大的发展。缂丝，又称“刻丝”，是一种“通经断纬”的织法，能够织出如同雕刻般精细的图案，层次分明，色彩过渡自然，极具立体感。宋代缂丝作品，如《月上海棠》、《繁花》等，以其高度写实的艺术风格和精湛的技艺，成为中国古代织锦艺术的瑰宝，对后世的缂丝艺术产生了深远影响。 三、 薪火相传：明清时期织锦的技艺传承与风格演变 明清时期，中国传统织锦艺术在继承前代的基础上，进一步发展和完善，并形成了各自鲜明的时代风格。 明代，织锦工艺以“云锦”的兴起最为瞩目。云锦，主要产于南京，以其色彩瑰丽、图案宏大、织造精湛而著称。明代皇帝对织锦的重视，使得云锦在皇家宫廷中得到了广泛应用，成为皇家御用的高级织物。云锦的纹饰，以龙、凤、麒麟等吉祥纹样为主，常辅以宝相花、祥云等图案，气势恢宏，色彩浓烈，展现出皇家气派。其织造技艺复杂，需要多位织工协同操作，耗时耗力，但最终成品却雍容华贵，极具视觉冲击力。 清代，是织锦技艺集大成与发展的重要时期。清代继承了明代的云锦传统，并在此基础上不断创新。同时，苏绣、缂丝等其他织锦技艺也在清代得到了空前的发展。苏绣，以其细腻的针法、生动的色彩和写实的艺术风格，在织锦领域独树一帜，常将绘画的意境融入织物之中。缂丝技艺在清代也达到一个新的高峰，涌现出大量技艺精湛的缂丝作品，既有仿古，也有创新，在图案设计和色彩运用上更加炉火纯青。 清代织锦的纹饰，除了传统的吉祥纹样，也大量吸收了西方绘画的透视感和写实手法，使得图案更加立体、生动。同时，一些新的题材，如仕女图、花鸟写意等，也广泛应用于织锦之中。清代的织锦，色彩上既有皇家贵族的浓烈华丽，也有士大夫阶层的雅致脱俗，形成了多元化的审美取向。 四、 东方韵味：织锦艺术的审美特质与文化内涵 中国传统织锦艺术，不仅仅是技艺的展现，更是东方美学精神的载体。其审美特质体现在以下几个方面： 色彩的象征与和谐： 中国传统织锦在色彩运用上，并非单纯追求视觉的刺激，而是蕴含着深厚的文化象征意义。例如，红色代表吉祥、喜庆，黄色象征皇权、尊贵，绿色寓意生命、希望，蓝色象征沉静、智慧。织锦艺人巧妙地将这些色彩按照一定的比例和搭配原则进行组合，形成和谐统一的视觉效果，既能满足装饰的需求，又能传递丰富的文化信息。 纹饰的寓意与秩序： 织锦的纹饰，是中国传统哲学思想、宗教信仰和社会伦理的直观体现。龙、凤、麒麟等神兽，寄托着人们对美好生活的向往和对权力、地位的追求。花卉、植物等自然元素，则被赋予了特定的象征意义，如牡丹象征富贵，莲花象征纯洁，梅兰竹菊代表君子品格。这些纹饰的排列组合，也遵循着一定的秩序和规律，体现了中国传统文化中的和谐、对称、中庸等审美理念。 技艺的精湛与匠心： 织锦是一门极其考验耐力和技艺的艺术。从选材、缫丝、染色到织造，每一步都凝聚着匠人的心血与智慧。缂丝的“通经断纬”，刺绣的“针针见血”，都展现了中国古代工匠精益求精、追求极致的匠人精神。这种精湛的技艺，不仅赋予了织锦华美的外观，更使其蕴含了深厚的文化底蕴和历史传承。 写意与写实的融合： 尽管一些织锦作品追求写实，但更多地倾向于写意。即使是写实的图案，也常常通过变形、夸张等手法，赋予其更强的艺术表现力和象征意义。例如，写意的花鸟，并非完全复制自然，而是捕捉其神韵，融入作者的情感，使其更具艺术感染力。这种写意的表达方式，是东方艺术的重要特征，也是中国传统织锦艺术独特魅力的体现。 五、 传承与创新：织锦艺术的当代价值 历经千年的发展，中国传统织锦艺术虽然面临着现代化生产的挑战，但其独特的艺术魅力和深厚的文化价值，使其在当代依然焕发着新的生机。当代设计师和艺术家们，在深入研究传统织锦技艺和美学的基础上，不断进行创新和转化，将传统织锦元素融入现代服装、家居装饰、艺术装置等领域，使其焕发出新的光彩。 本书并非简单地罗列织锦的纹样和技法，而是致力于展现中国传统织锦艺术的灵魂——它如何承载着中华民族的历史记忆，如何体现着东方独特的审美情趣，以及如何在漫长的时光中，不断演变、融合、创新，最终成为东方乃至世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠。通过对织锦艺术的深入解读，我们不仅能够欣赏到精美的视觉艺术，更能感受到中华文明的博大精深和源远流长的艺术生命力。

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读完这本关于传统纺织品图案的画册，我最大的感受是震撼于中国古代美学的**意境营造**能力。它不是简单地罗列花纹，而是通过对自然物象的高度提炼与抽象化，构建出一种与天地精神往来的哲学境界。比如，书中展示的那些以“卷草纹”和“海水江崖纹”为基础的变形图案，表面上是装饰，骨子里却是对永恒、循环和秩序的追求。我个人对清代官服纹样的演变部分尤其着迷，那些龙凤的形态、云雷的走势，无一不严格遵循着礼制规范，但其线条的流畅与气势，又丝毫没有被束缚感所限制。这本书的排版设计非常巧妙，它没有将所有图样挤在一起，而是留出了大量的留白空间，使得每个单独的图案都能呼吸，都能被读者独立品鉴。这让我意识到，好的设计从来不是堆砌元素，而是懂得如何“舍”与“得”，这本书在这方面做出了极好的示范，它教会了我如何去“看”图案背后的文化密码。

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坦率地说，初次接触这类书籍时，我有点担心内容会过于学术化，充斥着晦涩难懂的术语，但这本书的叙事方式却非常**亲切且具有启发性**。它并没有将自己定位为一本高高在上的学术专著，反倒像是一位经验丰富的织造师傅在耐心地向你展示他的“看家本领”。书中对特定织法如何影响最终图案呈现的细微差异的描述，简直是教科书级别的示范。我曾试图模仿书中的一些几何纹样进行创作，立刻发现自己过去对“对称”和“重复”的理解是多么肤浅。原先我总觉得传统图案显得老派，但这本书让我看到了它们**蓬勃的生命力和极强的可塑性**。它展示了如何将一种看似固定的符号，通过改变比例、密疏和色彩搭配，焕发出适应不同时代审美的能力。对于任何从事现代设计，渴望从历史中汲取灵感的设计师来说，这本书提供了近乎无限的可能性。

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最让我感到惊喜的是，这本书没有将焦点仅仅停留在“美”的层面，而是深入探讨了这些图案在**社会功能和权力表达**中的作用。比如，对不同等级官员补子上纹样的细致解析，揭示了这些图案如何成为一种高效、无声的身份识别系统，其复杂程度远超我们现代的着装规范。作者对于符号学和纺织技术的结合分析，展现了一种罕见的跨学科视野。比如，某些图案的重复单元，是如何通过织机的结构限制而被巧妙地规避或转化，这种“技术服从于艺术，艺术反哺技术”的良性循环，在书中得到了生动的体现。这本书成功地将一个看似传统的“手工艺品”提升到了**文化科技史**的层面进行审视，读完后，你不仅会欣赏图案的美，更会敬畏创造这些图案背后所蕴含的集体智慧和工程学思维。它彻底颠覆了我对“传统工艺”的刻板印象。

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这本精装书的装帧和印刷质量绝对是顶级的，纸张厚实，色彩还原度高得惊人，每一个图案的纹理都仿佛能触摸到。我原本以为这只是一本简单的图录，没想到翻开后简直像走进了一个活生生的历史宝库。作者显然花费了大量心血去搜集和整理这些资料，无论是那些繁复的织锦花样，还是看似朴素却蕴含深意的刺绣细节，都展现出那个时代工匠们炉火纯青的技艺。特别是关于几种罕见宋代缂丝工艺的对比分析部分，其图例的清晰度，足以让专业研究者都为之赞叹。尽管内容本身是关于设计和图案的，但它成功地将枯燥的图样转化为一种流动的、富有叙事性的视觉语言。我特别欣赏其中对色彩搭配的独到见解，很多在现代看来已经失传的矿物颜料的色谱，在这本书里得到了完美的重现，让人不由自主地思考，在那个没有化学染料的时代，人们是如何调配出如此富有生命力的色彩的。这本书不仅仅是工具书，更像是一部视觉艺术史的浓缩精华，摆在书架上本身就是一种享受。

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这本书的装帧，恕我直言，在环保和可持续性方面做得相当不错，这在精装艺术类书籍中并不常见。内页的材质摸起来很有机，而且装订方式非常牢固，即便是经常翻阅，也不会担心书脊开裂。内容上，它非常注重**地域性与时代性的关联**。我尤其欣赏它对不同地理区域的纺织品风格差异的探讨，比如蜀锦的富丽堂皇与江南宋锦的清雅内敛，那种基于当地物产和气候形成的审美取向，被梳理得井井有条。书中引用了一些罕见的考古发现作为佐证，使得论述不再是空穴来风，而是有坚实的实物基础支撑。这使得阅读过程充满了探索的乐趣，仿佛跟随作者进行了一场跨越数千公里的田野调查。我甚至开始留意自己衣柜里那些老旧的布料，试图从中辨认出书中提及的某些“母题”的变体。

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