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出版者:Deutscher Taschenbuch-Verlag

作者:Diether de la Motte

出品人:

页数:281

译者:

出版时间:1976

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9783761805404

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 和声学
• 古典音乐
• 音乐分析
• 作曲
• 音乐教育
• 施恩贝格
• 调性
• 十二音体系
• 音乐

《音乐的织锦：和声的探索与表达》 在浩瀚的音乐宇宙中，和声宛如一条贯穿始终的璀璨丝带，它不仅仅是简单的音符叠加，更是情感的语言，结构的骨架，以及音乐生命力的源泉。它连接旋律，构建空间，赋予音乐深度与色彩。《音乐的织锦：和声的探索与表达》便是一次深入探寻这条丝带奥秘的旅程。本书旨在为音乐爱好者、学生、甚至从业者提供一个全面而深入的和声学习框架，引导读者理解和声的原理，掌握其表达技巧，并最终能自由地运用和声来创造富有感染力的音乐。 本书的编写并非仅仅局限于枯燥的理论堆砌，而是力求将抽象的和声概念与生动的音乐实例相结合。我们相信，理解和声的最佳方式，是聆听并分析那些伟大的和声作品。因此，在每一章节的讲解中，我们都会穿插大量的乐谱片段和音乐分析，从巴洛克时期的严谨对位，到古典时期的精致平衡，再到浪漫主义时期的炽热情感，以及现代音乐的革新尝试，读者将有机会在不同的历史语境下，体验和声的多样魅力。 第一篇：和声的基石——音程与和弦 我们将从最基础的元素——音程开始。音程是构成一切音乐的基础，是两个音之间的“距离”。本书将详细介绍各种音程的性质，包括它们听起来的“色彩”——和谐与不和谐，以及它们在音乐中扮演的角色。我们不仅会学习音程的精确度量，更会探讨它们如何影响音乐的情感张力。 随后，我们将进入和弦的世界。和弦是三个或三个以上音符同时发声的组合，是和声的“砖瓦”。本书将系统地介绍各种基本和弦，如三和弦（大三和弦、小三和弦、增三和弦、减三和弦）和七和弦（属七和弦、大七和弦、小七和弦等）。我们将深入解析它们的构成原理，理解它们在音阶中的功能，以及它们各自独特的音响特征。我们会学习如何构建和识别这些和弦，并理解它们在音乐中的“语法”地位。 第二篇：和声的语法——和弦进行与功能 和弦本身如同独立的词汇，而和弦进行则如同句子的构造。了解和弦的进行规律，是掌握和声语言的关键。《音乐的织锦》将详细阐述和弦进行的基本原则，包括强进行与弱进行，以及如何运用和弦的功能性来引导音乐的走向。 本书将重点介绍和弦的“功能”概念。我们将学习主功能（Tonic）、属功能（Dominant）和下属功能（Subdominant）这三大核心功能。理解这三大功能及其相互关系，就好比掌握了音乐的“方向盘”。我们将看到，音乐是如何通过这些功能的变化来产生期待、解决、紧张与释放的。我们还会探讨各种常见的和弦进行模式，如I-IV-V-I的经典进行，以及如何在这些基础上进行变化与创新。 第三篇：色彩与变化——副属和弦、转位与密集和弦 在掌握了基本和弦和进行之后，我们将进入更广阔的和声天地，探索那些能够为音乐增添丰富色彩与细腻情感的变化。 副属和弦，有时也被称为“替代和弦”或“借用和弦”，是和声语言中不可或缺的一部分。它们能够为简单的和弦进行带来意想不到的色彩和张力。本书将详细讲解副属和弦的种类、构成方式以及它们在不同功能中的应用。我们将学习如何运用它们来丰富音乐的织体，制造惊喜，并使音乐更加引人入胜。 转位和弦是理解和声精妙之处的又一个重要环节。一个和弦的不同音符作为低音出现时，会产生不同的音响效果和连接方式。本书将深入解析原位和弦与转位和弦的区别，以及如何巧妙地运用转位来使和弦进行更加平滑、连贯，并创造出更具流动性的音乐线条。 密集和弦，即在基本三和弦或七和弦的基础上，增加更多的音符（如九度、十一度、十三度音），能够带来更为复杂、现代的音响效果。本书将介绍这些密集和弦的构成和运用，它们是如何在爵士乐、电影配乐等领域中塑造独特音乐氛围的。 第四篇：旋律与和声的交融——对位与织体 音乐并非仅仅是和弦的堆叠，更是旋律与和声的精妙结合。旋律的走向与和声的支撑是相辅相成的。《音乐的织锦》将带领读者探索旋律与和声的互动关系，以及它们如何共同塑造音乐的整体形象。 对位是音乐写作中一种非常重要的技术，它强调的是不同旋律线条的独立性与和谐性。本书将介绍不同类型的对位，包括固定音型对位（如固定低音）和自由对位，以及它们如何影响和声的构建。我们将学习如何让旋律线条在和声的框架内自由舞动，同时又不失整体的和谐。 织体是音乐的“肌理”，即不同声部如何组合。我们将分析不同类型的音乐织体，如主调音乐、复调音乐和混合织体，并探讨和声在其中所扮演的角色。理解织体有助于我们更好地分析音乐，并更有效地创作。 第五篇：和声的创新与风格——跨越时代的探索 音乐的和声语言并非一成不变，它随着时代的发展不断演变和创新。《音乐的织锦》将带领读者回顾和声发展的历史脉络，从早期复调音乐的探索，到古典时期的调性体系的成熟，再到浪漫主义时期的色彩与情感的极致追求。 本书还将触及现代音乐的和声。我们将介绍一些20世纪及以后的和声技法，如十二音技法、模进、扩展调性等，这些技法为音乐带来了前所未有的可能性。我们会分析一些现代作曲家的作品，理解他们是如何打破传统束缚，创造出全新的和声语汇的。 此外，本书还将探讨不同音乐风格中的和声特点。无论是古典音乐的庄重典雅，爵士乐的即兴与变化，还是流行音乐的朗朗上口，亦或是电影配乐的氛围营造，每一种风格都有其独特而迷人的和声运用方式。我们将通过分析具体作品，来揭示这些风格的奥秘。 第六篇：实践与创作——将理论化为音乐 学习和声的最终目的，是为了能够将其运用于音乐创作。本书的最后一部分将专注于实践与创作。我们将提供一系列的练习，帮助读者巩固所学知识，并鼓励读者尝试自己创作。 我们将提供不同的创作情境和挑战，例如：如何为一段旋律配上和声，如何根据一个和弦进行写出旋律，以及如何运用不同的和声技巧来表达特定的情感。本书将强调“听”与“练”的重要性，鼓励读者多听、多分析、多模仿，并不断尝试。 《音乐的织锦：和声的探索与表达》并非一本写给少数人的“技术手册”，而是一本向所有热爱音乐的人敞开大门的指南。我们希望通过这本书，能够激发读者对和声的兴趣，加深对音乐的理解，并最终能够自信地运用和声这门美妙的语言，去表达内心的声音，去创造属于自己的音乐世界。在这段旅程中，愿你我都能在和声的织锦中，发现无尽的美妙与可能。

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老实说，刚开始接触这本书的时候，我差点被那些密密麻麻的德文术语和长篇的论证劝退了。它绝不是那种可以轻松阅读的“指南”，更像是一部需要反复咀嚼的学术专著。但是，一旦你适应了它的节奏，你会发现作者那股对真理的执着令人敬佩。他似乎在用一种近乎几何学的方式来解构音乐的骨架，力图将所有听起来“美妙”的组合还原为最基础的数学关系和心理感受。我最欣赏的一点是，它没有陷入学院派的僵化窠臼。在批判性地审视了前辈的理论之后，作者非常大胆地提出了自己的见解，尤其是在处理跨调性连接和色彩和声时，其论述的角度非常新颖。对我个人而言，它像是一把万能钥匙，打开了我对十九世纪末浪漫主义晚期和二十世纪初音乐语汇的理解盲区。过去那些听起来“怪异”的和弦进行，在这本书的框架下，突然变得合乎逻辑，充满了必然性。这本书的价值不在于提供公式，而在于培养一种批判性的听觉思维，让你在面对任何新的音乐材料时，都能保持一种审慎而开放的态度。

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这本书的风格是那种沉静而有力的知识传递，它没有花哨的图表或吸引眼球的标题，一切都以最严肃的学术态度来对待“声音的组织”。对我这个更偏向即兴创作的人来说，它提供了极佳的理论框架来支撑我的直觉。最让我受益匪浅的是它对于“色彩”与“功能”之间关系的讨论。作者并没有把它们视为对立面，而是展示了在不同的历史语境下，一个听起来“色彩丰富”的和弦是如何被赋予或剥夺了传统的功能性，以及这种转变如何影响了作品的情感色彩。阅读过程中，我频繁地停下来，拿起乐器去验证书中的每一个声部进行和转调路径，发现作者的每一个论断背后都有着极其精妙的听觉逻辑作为支撑。这本书的深度，足以让专业的音乐学院学生奉为圭臬，同时，它那种对音乐本质的追问，也足以激发任何热爱音乐的普通听众的好奇心。它是一部厚重、严谨，但又充满启示意义的经典之作。

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这本书的阅读体验非常奇特，它更像是一场漫长而深刻的对话，而非单向的灌输。作者的文字充满了古典的庄重感，但字里行间又流露出对音乐艺术那种近乎宗教般的热忱。我不是科班出身，一开始确实在理解某些复杂的对位或转调练习时感到吃力，但这恰恰是它的魅力所在——它不降低标准来迎合读者，而是提升读者的认知水平去匹配它所探讨的深度。我最喜欢它对“表情记号”背后的和声意图的分析。例如，某个特定的终止式在特定的乐句中出现的意义，这本书会从声部进行、功能和声以及听觉心理学等多个层面进行交叉验证。这使得我再去听那些经典作品时，不再是简单的欣赏旋律的优美，而是能“看到”作曲家是如何精心地编排每一个音符的重量和位置。它极大地拓宽了我对“和谐”这个概念的理解边界，让我明白真正的和谐并非静止的完美，而是在矛盾与解决之间动态平衡的艺术。这本书的价值在于，它教会你如何成为一个更挑剔、更敏感的倾听者。

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我不得不承认，这是一本需要极大投入时间的巨著。我身边不少朋友尝试过，但最终都因为其详尽到近乎繁琐的细节描述而搁置了。然而，如果你能坚持下去，你会收获难以估量的回报。它不仅仅是一本和声学教材，更像是一部关于音乐“构造学”的百科全书。我特别欣赏作者在阐述具体规则时，总是会引用大量的实例——而且这些例子跨越了数个世纪的风格，从文艺复兴时期的众赞歌到近现代的复杂织体，无一不被纳入分析的范畴。这种全景式的视角，让我意识到音乐语言的演变是一个连贯而不可分割的历史过程。书中关于**中音部**处理的那些章节，简直是如醍醐灌顶，过去我总是不自觉地忽略了中声部的推进逻辑，这本书让我彻底改变了对声部平衡的认知。总而言之，这本书的笔触细腻、论证扎实，它强迫你进行深度思考，而不是满足于表面的了解。读完它，你会感觉自己的音乐“视野”被彻底刷新了。

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这本书简直是音乐理论的圣经，我花了整整三个月才啃完第一遍，但每一次翻阅，都能发现新的维度。它的结构严谨得像一座精密的钟表，每一个章节的推进都逻辑清晰，绝不含糊。作者对于和声进行中的“功能性”分析达到了出神入化的地步，那种对调性内部张力的细致描摹，让我过去所有模糊的“感觉”都有了坚实的理论支撑。特别值得称赞的是，它并没有止步于传统的“规则”堆砌，而是深入探讨了这些规则背后的审美驱动力。比如，书中对“不协和音的解决”的处理，不再是简单的强对弱的转化，而是融入了作曲家在不同历史时期如何运用这些音响事件来塑造情感冲突与释放的哲学思考。我尤其喜欢它探讨的那些边缘地带——那些介于明确调性与自由不协和之间的过渡状态，作者的论述充满了启发性，让我对巴赫到德彪西之间那片广阔的音乐空间有了更深刻的理解。这本书的难度毋庸置疑，它要求读者不仅要有基本的乐理知识，更要有深入倾听和思考的耐心，但对于任何一个想真正“理解”西方音乐语言的人来说，它提供的知识深度和广度，是任何其他教材都无法比拟的。读完它，你不会只是学会了“怎么写”，而是明白了“为什么这样写才是最好的”。

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