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出版者:Tate

作者:Emma Dexter

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2005-03-15

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781854375599

丛书系列:

图书标签:

• 当代艺术
• 观念艺术
• 影像艺术
• 装置艺术
• 表演艺术
• 美国艺术
• 20世纪艺术
• 艺术史
• 艺术家研究
• 布鲁斯·瑙曼

跨越边界的艺术：当代雕塑与观念的对话 本书是一部深入探讨当代艺术领域中，特别是雕塑与观念艺术如何交织、碰撞并重塑我们理解物质与意义之间关系的学术专著。全书立足于二十世纪中叶至今的艺术史脉络，细致剖析了那些挑战传统美学范畴、拓宽艺术实践边界的关键性创作。 第一部分：物质性的消解与重构 本部分聚焦于战后艺术家们如何系统性地解构“雕塑”这一概念，并将其从传统的体积与形态束缚中解放出来。我们考察了从极简主义（Minimalism）的严格几何形体到后极简主义（Post-Minimalism）对过程和材料偶然性的强调。 一、极简主义的形而上学回归： 深入分析了唐纳德·贾德（Donald Judd）和卡尔·安德烈（Carl Andre）的作品，并非仅仅将其视为对工业材料的简单运用，而是探讨他们如何通过对空间、序列和重复性的精确控制，将“物体”（Object）提升为一种纯粹的在场感（Presence）。书中详尽对比了贾德的“特定物体”（Specific Object）与传统雕塑的区别，侧重于这些作品如何通过其与展览环境的互动，迫使观众重新思考观看行为本身。 二、过程艺术与非形式化转向： 考察了伊夫·克莱因（Yves Klein）的“无形”以及过程艺术（Process Art）对时间性与不确定性的引入。我们重点分析了埃尔·哈古德（Eva Hesse）的作品，她如何利用乳胶、玻璃纤维等易于形变、衰败的材料，探讨身体经验、脆弱性与有机结构。这种对“完成度”的放弃，标志着艺术创作从结果导向转向了对过程的关注。书中引用了大量艺术家访谈及创作手稿，以还原材料选择背后的哲学考量。 三、日常物体的炼金术： 本章讨论了挪用（Appropriation）在当代雕塑中的核心地位。从杜尚对现成品的革命性介入，延伸至更晚期的艺术家如何使用工业废料、消费品甚至生物材料。重点分析了特定艺术家群体如何通过对现有物品的重新语境化（Recontextualization），揭示隐藏在社会结构与商品流通中的权力关系。例如，对某个特定品牌标识的重复呈现，不再是简单的复制，而是对符号系统本身的批判性反思。 第二部分：观念的物质载体——语言与行动 第二部分将讨论的重点转向“观念艺术”（Conceptual Art）对物质性的颠覆性影响，探讨当观念成为作品本身时，实体材料如何退居次要，或转变为观念的阐释工具。 一、语言作为中介与屏障： 详细研究了语言学转向对雕塑实践的冲击。探讨了艺术家如何利用文本、定义、指令或目录来构建作品。例如，某些作品的“实体”可能仅仅是一份详细的操作手册，而真正的“艺术品”则存在于执行这些指令的社会互动或观众的认知结构中。书中分析了这种策略如何模糊了艺术品与非艺术品的界限。 二、时间、空间与身体的场地性： 深入分析了场地特定性艺术（Site-Specific Art）和大地艺术（Land Art）对传统博物馆空间的逃逸。这部分内容关注艺术家如何将创作的舞台从白立方空间转移到广阔的自然环境或城市肌理之中。我们不仅仅是描述这些作品的宏大尺度，更重要的是分析它们如何通过时间（风化、侵蚀）和空间（地质结构、气候变化）来定义自身的存在，从而实现一种与环境的持续性对话，而非孤立的纪念碑式存在。 三、表演与观念的瞬间性： 考察了表演艺术（Performance Art）中那些具有强烈物质残留物的实践。虽然表演本身是时间性的、短暂的，但其留下的照片、录像、或仅仅是观众的集体记忆，成为了观念的“化石”。书中细致区分了表演性（Performativity）与传统雕塑中“姿态”（Pose）的区别，强调前者是生成意义的动态过程，后者是固化的符号。 第三部分：跨学科的融合与未来趋向 本部分将目光投向当代艺术的最新发展，探讨雕塑与观念的边界如何在数字技术、生物学和政治学的影响下再次被拓宽。 一、新材料的伦理困境： 探讨了使用生物技术、合成材料或反应性化学物质的艺术实践。这些作品不再仅仅是人类情感或社会批判的载体，它们本身成为了具有“生命力”或不可控性的实体。书中讨论了围绕知识产权、材料的生命周期及其环境影响所引发的伦理辩论。 二、数字孪生与虚拟雕塑： 分析了三维扫描、参数化设计和虚拟现实（VR/AR）技术如何介入雕塑的创作和展示。这并非意味着实体雕塑的消亡，而是探讨了“雕塑形态”如何可以在数字领域中以无限复制、快速迭代的形式存在，并反过来影响我们对“原创性”和“物质性”的感知。例如，一个在虚拟空间中被反复修改的形态，如何被转化为现实世界中的单一实体？ 三、社会实践与雕塑的介入： 最后，本书关注那些直接介入社会、政治议题的实践。这些作品可能不具备传统意义上的美学形态，但其“行动”或“干预”本身构成了一种社会性的雕塑——通过组织社区活动、建立临时结构或实施长期的公共项目，艺术家试图在社会结构中雕刻出新的可能性和对话空间。这代表了一种将艺术实践推向社会责任前沿的趋势。 全书的论述风格严谨，侧重于对核心艺术概念的哲学梳理与历史考证，旨在为研究当代艺术的学者、策展人及严肃的艺术爱好者提供一个全面而深入的理论框架，理解物质性、观念性及艺术边界在过去七十年间所经历的深刻变革。

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一本关于Bruce Nauman的书，光是这个名字就足以让人产生无限遐想。我拿到这本书的时候，内心是充满期待的，因为Bruce Nauman在我心中一直是一个既熟悉又陌生的名字。熟悉，是因为他的作品总是在艺术史的脉络中被频繁提及，他的名字也常常与观念艺术、行为艺术等前沿概念联系在一起；陌生，则是因为他的作品往往挑战着观众的习惯性思维，充满了实验性和不确定性，让人难以用简单的语言去定义或概括。我希望这本书能够帮助我更深入地理解这位艺术家的创作历程，不仅仅是停留在对作品表象的认知，而是能触及他思想的根源，他为何会选择以某种特殊的方式去表达，他的作品背后究竟蕴含着怎样的哲学思考。我期待能够看到他对不同媒介的探索，从雕塑、影像到装置，他总是以一种近乎顽固的坚持去试探艺术的边界。这本书是否能揭示他创作中那种既充满力量又带着一丝忧郁的特质？我特别好奇他早期作品与后期创作之间的联系，是否存在一条清晰的线索，连接起他一路走来的艺术轨迹？读完这本书，我希望能对Bruce Nauman这个名字有更立体、更丰满的认知，不再是碎片化的印象，而是能够构建起一个完整的艺术家的形象，理解他作为一位思想者和实践者，为当代艺术留下的独特印记。

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我一直认为，好的艺术书籍不仅仅是记录，更是唤醒。对于Bruce Nauman这样一位充满个人风格的艺术家，我期望这本书能够像一位知己，用细腻而深刻的笔触，将他的艺术世界展现在我面前。我希望它能帮助我理解，为什么他会选择那些看似枯燥、重复的实验，它们背后隐藏着怎样的对艺术家身份、创作本质的追问？我对他在行为艺术领域的探索尤为感兴趣，那种将身体作为媒介，将现场即作品的方式，究竟是如何影响了后来的艺术实践？书中对于他与观众之间关系的探讨，是否能揭示出他作品中那种既疏离又吸引人的矛盾特质？我期待能够看到他对不同创作时期作品的细致分析，理解他思想的演变和艺术语言的成熟过程。这本书是否能让我窥见他工作坊的日常，看到那些激发他创作灵感的火花？我想要了解的，是他如何从一个学习雕塑的学生，逐渐成长为一位影响深远的观念艺术家，这个转变的过程是怎样的？我希望能读到一些关于他早期作品的独到见解，看看它们如何为后来的宏大叙事奠定基础。这本书的出现，对我而言，更像是一次与艺术史巨匠的对话，我期待能够从中汲取智慧，拓展我的艺术视野。

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说实话，我对Bruce Nauman的了解，一直有些隔靴搔痒的感觉。他的作品总是让我产生一种既着迷又困惑的情绪，仿佛置身于一个充满隐喻的迷宫，总想找到那条通往核心的道路。我希望这本书能成为我的“地图”，能够指引我理解那些看似杂乱无章的创作信号，将它们汇聚成一条清晰的思路。我期待书中能够深入探讨他对于“语言”的迷恋，无论是文字的排列组合，还是身体发出的声音，他似乎总是在用最直接、最粗暴的方式去挑战我们对语言的理解。这本书是否能阐释他为什么会对“不确定性”和“模棱两可”如此着迷？我更关注他如何运用和解构各种媒介，将原本看似毫不相干的元素巧妙地融合在一起，创造出具有独特能量的作品。我希望书中能够提供一些关于他早期学术背景的线索，看看那些经历是否对他后来的创作产生了深远的影响。对于那些常常让我感到不安的作品，我希望这本书能够提供一个相对温和的入口，帮助我理解它们所试图传达的意图，而不是仅仅被其表面的冲击力所震撼。总而言之，我渴望通过这本书，能够真正“看见”Bruce Nauman，看见他作为一位不断挑战自我、挑战艺术边界的先驱。

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我迫不及待地翻开了这本书，试图从中捕捉到Bruce Nauman身上那种难以捉摸的气质。我想象中的这本书，不应该只是一个简单的作品集，更应该是一次深入的“对谈”，一次与艺术家灵魂的碰撞。我期待它能像一个睿智的向导，带领我穿梭于他那些充满挑衅和反思的作品之中。例如，那些重复的、有时甚至是令人不安的行为录像，它们是如何成为他表达身体、语言与空间关系的独特方式？书中对于这些作品的解读，是否能够让我理解其背后更深层的社会批判或哲学意味？我更想知道，在那些看似“简单”的观念背后，隐藏着艺术家怎样的挣扎与探索。他对待艺术材料的态度，那种大胆的实验精神，是否能在这本书中得到细致的展现？我希望看到的，是作者对Nauman创作过程的抽丝剥茧，是对他思想脉络的梳理，而不是仅仅罗列作品的图片和简单的介绍。我希望通过阅读，能够感受到艺术家创作的“体温”，理解他那些看似冰冷、概念化的作品，其实饱含着对人类存在境况的深切关注。这本书能否让我从一个更具同理心的角度去理解那些挑战观众的作品？我期待它能填补我对Bruce Nauman艺术世界认知上的空白，让我能够以一种更成熟、更具批判性的眼光去审视他的作品。

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每当提及Bruce Nauman，我脑海中总会浮现出一些片段：极简的装置、重复的影像、以及那些令人费解却又充满力量的文字。我希望这本书能够将这些碎片串联起来，构建出一个完整的艺术图景。我期待它能深入挖掘他创作中的“观看”与“被观看”的主题，这种对主体与客体关系的持续探索，究竟是如何贯穿于他的作品始终？我对他在不同媒介之间游走的策略感到好奇，他如何能够如此自如地在雕塑、摄影、录像和装置之间切换，并且在每个领域都留下深刻的印记？这本书是否能够提供一些关于他个人生活经历与艺术创作之间的联系？我更想知道，那些常常出现在他作品中的，关于身体、欲望、以及死亡的隐喻，是如何被他以一种如此独特的方式表达出来？我希望书中能够包含一些他对其他艺术家或文化现象的回应，看看他的创作是如何与他所处的时代和社会环境产生互动的。对于那些充满哲学思辨的作品，我期待这本书能够提供清晰的解读，帮助我理解他那些看似晦涩的观念。我希望通过阅读，能够感受到Bruce Nauman身上那种始终保持警醒、不断反思的艺术家的精神气质。

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