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出版者:三民書局

作者:蔡琰

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000

价格:HK$90.00

装帧:

isbn号码:9789571432120

丛书系列:

图书标签:

• 文化研究,
• 叙事
• 电视剧
• 传播学
• 电视剧
• 影视
• 剧情
• 娱乐
• 文化
• 表演
• 导演
• 编剧
• 角色
• 剧情发展

《光影织梦：中国电视艺术的百年流变》 本书并非一本关于“电视剧”泛泛而谈的教科书，而是聚焦于中国电视艺术在近一个世纪的风云变幻中，如何以其独特的媒介形态，承载、塑造并反映民族情感与时代精神的深度探索。我们将目光投向那些在荧屏上闪耀的经典瞬间，分析它们背后涌动的创作思潮、技术革新以及文化逻辑，勾勒出一幅波澜壮阔的中国电视艺术发展长卷。 第一章：萌芽与探索——黑白年代的影像实验 在电视机尚未普及的年代，广播和电影已在中国这片土地上播撒艺术的种子。本章追溯中国电视艺术的早期萌芽，从最初的实验性播出，到《啼笑皆非》《1001夜》等早期电视节目的诞生，展现了技术条件的艰辛与创作者的探索精神。我们将分析当时节目形态的局限性，以及如何在这种局限中捕捉时代的脉搏，例如对革命叙事的初步尝试，以及对日常生活片段的朴素呈现。这一时期，电视作为一种新兴媒体，其艺术语言和表现形式尚在摸索之中，但其所蕴含的社会影响力已隐约可见。 第二章：黄金年代的叙事力量——从现实主义到浪漫主义的多元探索 随着电视的普及，中国电视艺术迎来了它的“黄金年代”。本章将深入剖析这一时期涌现的大量经典作品，如《西游记》《红楼梦》《渴望》《上海一家人》等。我们不再满足于简单地罗列剧目，而是从叙事结构、人物塑造、主题表达等多个维度进行解构。我们将探讨现实主义题材如何深入民心，展现普通人的喜怒哀乐与时代变迁；同时，我们也分析了神话传说、历史演义等浪漫主义作品如何满足了观众的精神需求，构建了民族的集体记忆。本章还会关注导演风格、演员表演以及摄影、美术等部门的技术突破，是如何共同作用，成就了这些经久不衰的艺术瑰宝。 第三章：时代的回声——反映与塑造社会变迁的荧屏画卷 电视艺术从来都不是孤立的存在，它与时代同频共振。本章聚焦于那些深刻反映中国社会转型时期（改革开放前后）的电视作品。我们将分析《新时期》系列、《牵手》、《新闻联播》中的典型报道等，如何捕捉到社会经济的腾飞、思想观念的解放以及人际关系的重塑。同时，我们也会探讨电视艺术在塑造社会价值观、引导公众舆论方面所扮演的角色。从对家庭伦理的关注，到对社会问题的探讨，再到对民族复兴的宏大叙事，电视荧屏成为了一面折射时代变迁的镜子，也成为了影响和塑造社会形态的重要力量。 第四章：媒介的革新与艺术的转型——技术浪潮下的挑战与机遇 进入新世纪，数字技术、网络媒体的兴起，给传统电视艺术带来了前所未有的挑战与机遇。本章将审视这一时期的艺术转型。我们将分析高清化、3D技术等如何改变了影像的美学风格，网络视频平台的崛起如何颠覆了传统的观看模式，以及“网剧”作为一种新的艺术形态，如何在题材选择、叙事方式、观众互动等方面与传统电视剧产生差异与融合。本章还会探讨IP改编、大数据分析等新的创作生产模式，对电视艺术的未来走向产生的深远影响，以及如何在技术浪潮中坚守艺术的独立性与人文关怀。 第五章：审视与未来——中国电视艺术的文化自觉与全球视野 在快速发展的当下，审视中国电视艺术的成就与不足，展望其未来发展，具有重要的现实意义。本章将从文化自觉的角度，探讨中国电视艺术如何在全球化语境下，既保留民族特色，又吸收借鉴国际先进经验。我们将分析近年来涌现的具有国际视野的优秀作品，以及它们在世界舞台上所获得的关注。同时，本章也会对当前电视艺术创作中存在的过度商业化、同质化等现象进行反思，并提出对未来创作的期许，例如在叙事深度、思想高度、艺术品味等方面如何实现新的突破，从而创作出更多能够触动人心、引领时代、走向世界的优秀电视艺术作品。 本书旨在为读者提供一个理解中国电视艺术的独特视角，它不仅是对历史的回顾，更是对当下与未来的思考。我们将通过对具体艺术作品的深入分析，揭示隐藏在光影背后的社会文化密码，理解电视艺术如何成为连接过去、现在与未来的重要桥梁。

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拿到这本书，我最大的感受是它的“跨界性”。它不像一本纯粹的媒体评论集，更像是一部融合了社会学、心理学和美学探讨的综合性文本。作者的叙事风格非常跳跃，一会儿是深入到某个特定场景的镜头语言分析，一会儿又会突然转向对观众集体潜意识的探讨。这种看似松散的结构，反而营造出一种非常自由的阅读体验，仿佛思维在不同的频道间频繁切换，却总能找到清晰的逻辑线索。特别是书中对“黄金时段的诱惑力”那部分的论述，简直是振聋发聩。作者指出，电视荧幕并非仅仅是娱乐的载体，它更像是一个构建现代集体记忆的熔炉。我们通过共享观看经验，无形中构建了一种文化共识。我发现这本书非常适合那些对大众文化有深度思考的读者，它不会给你标准答案，而是提供了一整套提问的框架。每次读完一个小章节，我都会忍不住放下书，走到窗边，望着外面匆忙的人群，思考我们每个人都在哪个“剧本”里扮演着自己的角色。

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这本书的文字功力着实令人叹服，它有一种老派知识分子的沉稳与锐利。与市面上很多浮夸的娱乐评论不同，这里的每一句话似乎都经过了千锤百炼，很少有冗余的形容词堆砌。作者的视角非常独特，他似乎更关注“时间”在电视剧中的表现形式。比如，他探讨了“慢镜头”如何被滥用，以及“闪回”如何成为一种叙事上的捷径，有时甚至是偷懒。他用非常精确的词汇描述了这种“时间错位”对观众情感代入的影响。我尤其喜欢作者对几部特定经典作品的“反向解构”，他没有一味地赞美那些被奉为圭臬的片段，而是深入挖掘了它们在当时语境下是如何“勉强成立”的，以及这些瑕疵如何反而成就了作品的生命力。这本书的阅读过程，更像是一场智力上的拔河，你必须全神贯注地跟随作者的思路，才能领略到那种抽丝剥茧的快感。它不是那种可以随意翻阅的“消遣读物”，而是需要你拿出笔记本，记录下那些让你拍案叫绝的洞察。

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这本书的风格是极其个人化的，几乎可以称得上是一种“哲学散文”与“媒介批判”的混合体。作者的语气非常内敛，甚至带着一丝疏离感，但字里行间流露出的对“讲述故事”这件事的敬畏之心，却又极其真诚。它很少提及具体的情节冲突，而是聚焦于“如何观看”这个动作本身。作者提出，现代人正在被动地接受大量的叙事信息，而缺乏“主动的解读能力”。他用了一系列的比喻，将荧幕上的图像比作“视觉迷宫”，而这本书，就是提供一把迷宫地图的工具书。这种理论上的高度，使得这本书的受众群体可能相对窄一些，它要求读者具备一定的抽象思维能力。但如果你能跟上作者的节奏，你会发现自己对“被娱乐”这件事的警惕性会大大提高。它不是让你讨厌看剧，而是让你学会带着批判的眼光去享受，去分辨哪些是真诚的交流，哪些仅仅是廉价的情感操纵。读完后，我感觉自己的“媒介免疫力”大大增强了。

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读完这本大部头，我最大的感受是“沉浸感”——但这种沉浸感并非来自小说或戏剧本身，而是来自作者对创作环境的细致描摹。这本书的后半部分，简直就是一部生动的“影视工业史”。作者穿插了大量来自制片人、场记、甚至灯光师的口述材料，展现了那些光鲜亮丽的成品背后，无数次争吵、妥协和预算削减的残酷现实。我以前总以为艺术是纯粹的灵感迸发，但这本书告诉我，艺术的实现，往往是妥协的艺术。书中对“审查制度”与“商业诉求”之间微妙平衡的描述尤其精彩，它揭示了为什么很多宏大的创意最终会以平庸的结局收场。这种“局内人”的视角，让整本书的质感变得非常厚重和真实。它没有给我们提供一个浪漫化的幻想，反而提供了一个理解艺术生产的工业模型。对于那些梦想进入这个行业或者仅仅是对幕后运作好奇的人来说，这本书无异于一本珍贵的“内部指南”。

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这部作品的名字实在是太直白了，一开始我还有点犹豫，心想这不就是把电视剧的本质直接摆在了台面上吗？然而，当我真正翻开这本书的时候，那种预期的“平铺直叙”感瞬间被打破了。它不是在描述一部具体的电视剧，而更像是在解构“电视剧”这个媒介本身是如何运作的，如何渗透到我们日常生活的肌理之中。作者的笔触非常细腻，尤其是在描述那些经典桥段的幕后逻辑时，简直像是在拆解一个精密的瑞士钟表。你会看到，那些让你热泪盈眶的瞬间，背后是如何被精心地计算、编排和投放的。比如，书中用了一整章来分析“高潮部分的节奏控制”，那种张弛有度，让人欲罢不能的感觉，作者通过大量的案例对比，清晰地展示了不同年代、不同文化背景下的叙事技巧差异。我特别欣赏作者那种近乎学术的严谨性，但文字本身却一点也不枯燥，充满了对艺术的洞察力，读起来就像是走进了某个顶级编剧的工作坊，听大师级别的匠人讲解他们的“魔法”。这本书让我开始重新审视我过去几年追过的所有剧集，发现了很多以前从未注意到的细节和潜台词。

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