具体描述
《笔墨丹青100诀》五卷，由王传贺撰绘，将学画门径、具体画法以歌诀形式呈现给读者，书中重点是以技法歌诀配合分步课稿，学画的朋友可以念一句画一笔，歌诀念完，在你的笔下便展现出自己的第一幅完整作品。只花很短时间便掌握了一种题材的画法，如此学画。同时，在每一绘画题材下，提供了包括横式、竖式、斗方、扇面多种幅式的“构图参考”，以及详细讲解此题材最具代表性名家画法特点的“名家画风”，出自不同名家、反映多种风格的“同题画范”，如此点面结合，学画的朋友可由此书而顺利完成“入门一鉴赏一提高”的过程。本册为《兽类鳞介》卷，介绍了18种常见兽类、鳞介的写意画法。
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读后感
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用户评价
《笔墨丹青100诀》这本书，对我来说，不仅仅是一本技法书，更像是一本灵魂的启迪录。我一直以来都觉得中国传统绘画有一种独特的魅力，那种“气韵生动”是西方绘画难以比拟的。然而，这种“气韵”究竟是如何产生的，我一直不得其解。这本书，就如同解密钥匙，为我打开了这扇门。书中关于“笔法”的解读，让我颠覆了以往的认知。我曾经以为“笔法”就是指笔画的粗细、长短，是简单技术性的东西。但书中却强调了“骨法用笔”，将笔墨上升到“筋骨”的高度，强调了笔墨的力度、速度、角度的变化，以及它们如何赋予线条生命和情感。我尤其喜欢书中对“十八描”的讲解，不是简单的罗列，而是深入剖析了每一种描法所能达到的艺术效果，以及它们在表现不同材质、不同形态时的最佳运用。例如，书中讲到“兰叶描”时，我仿佛看到了画家是如何用流畅而富有弹性的笔触，勾勒出兰花那婀娜多姿的身姿；而“战笔描”则让我联想到那些饱经风霜的古松，在笔尖下展现出不屈的顽强。作者还强调了“点线面”的结合，以及如何在画面中运用“虚实”来达到画面的平衡和统一。读这本书，我感觉自己不仅在学习绘画技巧，更是在学习一种观察世界、理解世界的方式。书中的许多例子都来自于经典画作，作者的解读深入浅出，让我能从大师们的笔墨中，读出他们内心深处的情感和对自然的敬畏。
评分《笔墨丹青100诀》这本书，真的像一位循循善诱的良师益友，让我这个绘画初学者，也能感受到中国画的博大精深。我一直觉得中国画有一种“神韵”，很难用语言来形容，但这本书，却给了我一个理解的切入点。我最喜欢的是书中对“花鸟画”的讲解。我一直很喜欢画花鸟，但总觉得自己的画缺少一种“生气”。读了这本书，我才明白，原来画好花鸟，不仅仅是描摹形态，更重要的是捕捉它们的“神态”。书中详细讲解了不同花卉的“花头画法”，例如牡丹的雍容华贵，梅花的傲骨清香，竹子的潇洒挺拔，都各有其独特的笔墨表现方法。而对鸟雀的描绘，更是让我大开眼界，如何用几笔勾勒出鸟儿的灵动，如何通过眼神的描绘来传达它的情绪。我特别欣赏书中对“动态”的强调，例如鸟儿的展翅欲飞，花朵的含苞待放，都要求我们在落笔前，先在心中构思好它的动态。书中的许多案例，都是来自于古代大师的作品，作者的讲解更是深入剖析了每一笔每一画的用意。我常常会反复揣摩这些图例，然后尝试着去模仿，虽然距离大师的作品还差得很远，但我的画作的确有了明显的进步。这本书不仅教会了我绘画的技巧，更重要的是，它教会了我如何去观察自然，如何去感受生命的美好。
评分这本《笔墨丹青100诀》简直就是中国传统绘画的百科全书，而且是以一种非常亲切、易懂的方式呈现出来。我一直是个对美学有追求的人，但一直没有找到合适的途径去深入了解中国画。这本书，真的让我惊喜连连。我特别喜欢书中关于“色彩”的运用。虽然中国画以水墨为主，但并非没有色彩。书中详细讲解了如何运用“五色”（青、赤、黄、白、黑）以及它们之间的调和与搭配，是如何营造出画面的和谐与统一。我曾以为中国画的色彩是比较单调的，读完之后才发现，原来在看似简单的色彩运用背后，蕴含着如此丰富的变化和讲究。书中提到了“设色”的原则，是如何“随类赋彩”，既要符合物体的本色，又要服务于画面的整体意境。我曾尝试着按照书中的方法去给自己的画作添上几笔色彩，虽然还很生涩，但已经能感受到色彩对画面的提升作用。书中的“设色”部分，还特别提到了“烘染”技法，如何通过晕染来塑造物体的体积感和空间感，让画面更具立体感。我印象深刻的是，书中对比了同一幅画的未设色和设色版本，让我直观地看到了色彩的魔力。此外，书中还讲解了如何运用“印章”来点缀画面，以及印章的位置、大小、颜色如何与画面相呼应，这些细节的讲解，都让我感受到了中国画的精致和考究。总而言之，这本书的内容非常丰富，涵盖了中国画的各个方面，而且讲解得十分到位，让我对中国画有了全新的认识。
评分《笔墨丹青100诀》给我的感觉，就像是穿越了时空的桥梁，让我得以窥见古代绘画大师们的匠心独运。我一直对中国传统绘画充满好奇，但总觉得高深莫测，难以入门。这本书的出现，如同一缕清风，吹散了我心中的迷雾。书中的“100诀”并非机械的条条框框，而是融会贯通的智慧结晶。我尤其被其中关于“构图”的阐述所吸引。作者没有直接给出“万能构图法”，而是带领读者去理解“虚实相生”、“疏密有致”这些中国画的经典原则。例如，在讲解“留白”时，作者引用了大量宋元山水画的例子，让我明白空白并非“没有”，而是“蕴含无限”。那一汪澄澈的湖水，一缕飘渺的云烟，甚至是人物身后的一片空白，都让画面有了呼吸和想象的空间。我曾以为留白是技法上的偷懒，读完之后才知晓其背后蕴含的哲学思想和艺术高度。书中关于“点景”的章节也让我眼前一亮，小小的点景人物、几笔苔点，却能瞬间提升画面的意境和故事感，仿佛给静止的画面注入了生命。作者的讲解非常细腻，从点景人物的姿态、服装，到苔点的疏密、形态，都一一娓娓道来。我常常会反复阅读这些内容，然后拿出自己的画作，尝试加入一些点景，惊喜地发现画面立刻变得生动起来。这本书的语言风格也十分亲切，没有那种高高在上的学术腔调，更像是与一位经验丰富的老师在促膝长谈，分享着他的心得体会。我从中不仅学到了绘画技巧，更重要的是，感受到了中国传统文化中那种“意境”的美学追求。
评分这本《笔墨丹青100诀》真是让我爱不释手，简直就是一幅生动的画卷，字里行间都散发着墨香和古韵。我尤其喜欢其中对古人画技的解读，不仅仅是技巧的传授，更是那种治学严谨的态度和对艺术的敬畏之情。比如，书中对“皴法”的讲解，不是简单地罗列几种皴法，而是深入剖析了不同皴法产生的时代背景、地域特色，以及它们在表现不同景物时的独特效果。读到“披麻皴”，我仿佛能看到古人是如何用粗细不一、长短交错的笔触，勾勒出山峦层叠、云雾缭绕的壮丽景象；而“雨点皴”则让我联想到那些风雨飘摇中的古老松柏，在笔尖下展现出顽强的生命力。更让我惊叹的是，作者并非止步于理论，而是穿插了大量生动的案例分析，通过对比不同名家在处理同一题材时的笔墨差异，让我更直观地理解了“变化”的精髓。书中对“骨法用笔”的阐述也尤为深刻，它不再是僵硬的线条堆砌，而是将笔墨视为骨骼，赋予了画作生命力和灵魂。读完这一部分，我才真正理解了为何古人能“笔简意赅”，寥寥数笔便能勾勒出万千气象。书中提到的“应物象形”和“得意忘形”之间的辩证关系，也让我对写实与写意有了更深的认识。总而言之，这本书的价值远不止于教授绘画技巧，更在于引领读者进入一个博大精深的艺术世界，感受中国传统文化的魅力。我仿佛沿着作者的笔触，在宣纸上游走，领略着山川的壮美，体味着花鸟的生机，甚至能感受到古人作画时的心境。这本书不仅是一本绘画技法的指导手册，更是一本充满智慧和艺术启迪的读物，让我受益匪浅。
评分《笔墨丹青100诀》这本书，对于我这样一个一直以来都沉迷于书法的人来说，简直就是一次意外的惊喜，让我看到了书法与绘画之间千丝万缕的联系。我一直认为书法和绘画是两种截然不同的艺术形式，然而这本书，却将它们巧妙地融合在一起。书中在讲解“用笔”时，多次引用了书法的笔法原理，例如“中锋用笔”如何能使线条饱满而富有弹性，“侧锋用笔”如何能制造出苍劲古朴的效果。这让我茅塞顿开，原来那些看似简单的笔画，背后蕴含着如此深厚的书法功底。我一直觉得自己的画作线条比较单薄，读了这本书后，我开始有意识地将书法的用笔理念融入到我的绘画中，惊喜地发现，我的线条变得更加有力，更富有表现力了。书中还讲解了“墨法”与“墨趣”，这与书法的“墨韵”有着异曲同工之妙。作者通过对不同墨色的运用，营造出画面的层次感和空间感，让我感受到了墨的丰富变化。我曾以为墨色只是简单的浓淡之分，读了这本书才明白，原来墨色中也可以有如此丰富的变化，仿佛能看到“青、黄、白、黑”的五彩斑斓。此外，书中还提到了“结构”在绘画中的重要性，这与书法的“结体”息息相关。作者强调了画面的整体布局和元素之间的呼应关系，让我明白了为何有些画作看起来如此和谐统一。
评分我一直认为，艺术的最高境界是“写意”，但如何才能做到“写意”，我一直不得其解。直到我翻开了这本《笔墨丹青100诀》，才终于找到了方向。这本书，不仅仅是一本绘画技法的指导手册，更是一本关于如何“意会”艺术的哲学著作。我最欣赏的是书中关于“写意”的解读。作者并没有给出僵硬的定义，而是通过大量的案例分析，让我们去体会“写意”的精髓。例如，在画梅花时，与其事无巨细地描绘每一片花瓣，不如用几笔勾勒出它的神韵，表现出那种“凌寒独自开”的气节。在画山水时，与其事事俱全，不如抓住山峦的整体气势，表现出那种“壮哉此山”的磅礴。书中强调了“胸有成竹”的重要性，只有在心中对描绘的对象有了深刻的理解和感悟，才能用笔墨将其“意”表现出来。我曾尝试着去练习写意画，一开始总是画得不像，后来我才明白，写意并非“乱画”，而是以形写神，以神写意。作者还提到了“减笔画”的技巧，如何在最少的笔墨中，传达出最丰富的信息，这需要极高的概括能力和对物象的深刻理解。读了这本书，我才明白，中国画的魅力，就在于它的“留白”和“含蓄”，留给观者无限的想象空间。
评分《笔墨丹青100诀》这本书，给我带来的不仅是绘画技艺的提升，更是对中国传统文化的一种深刻的体验和感悟。我一直都对中国画中的“意境”情有独钟，那种宁静致远，那种淡泊高远，总是让我心生向往。这本书，就如同一位引路人，带我一步步走进中国画的“意境”世界。我特别喜欢书中对“构图”的阐述，它不仅仅是简单的元素排列，更是对画面的“经营”和“布局”。作者强调了“虚实相生”的道理，如何在画面中留有“空白”，让它们与实景相互呼应，共同营造出画面的意境。我曾以为留白是“偷懒”，读完之后才明白，那是一种“经营”，是一种“智慧”。书中还提到了“疏密有致”，如何在有限的空间里，合理安排物体的疏密关系，让画面既饱满又不失灵动。我曾尝试着去调整自己的画作构图，从一开始的杂乱无章，到后来的逐渐清晰，我才体会到构图的奥秘。此外，书中还讲解了如何运用“线条”来表达情感，不同的线条，例如粗犷的、细腻的、流畅的、顿挫的，都能传达出不同的情感色彩。我曾觉得线条只是“轮廓”，读了这本书才明白，线条本身就是一种“表情”。这本书的语言风格也非常优美，充满了诗意和哲理，读起来让人心旷神怡。我常常会在读完一段内容后，陷入沉思，细细品味作者所传达的艺术理念。
评分这是一本让我沉浸其中，久久无法自拔的书。我原本只是一个对绘画略有兴趣的爱好者，抱着试试看的心态翻开了《笔墨丹青100诀》，没想到却开启了我对中国画更深层次的理解。我最欣赏的是书中对“用墨”的讲解。许多初学者都会觉得用墨很难，要么干涩，要么污浊。而这本书，就像是为我们打开了墨韵的宝库。作者详细讲解了“浓、淡、干、湿、润”五种墨法的运用，并通过无数实例，展示了同一块墨在不同笔触、不同湿度下的千变万化。读到“破墨法”时，我才真正理解了何为“墨分五彩”，原来浓墨中可以透出淡墨的韵味，淡墨中又能显现出墨的厚重。书中还提到了“积墨法”，通过层层叠加，营造出山峦的深邃和古树的苍劲，让我惊叹于墨的丰富表现力。我曾尝试按照书中的方法去练习，虽然进步缓慢，但每一次的尝试都让我更加领略到用墨的奥妙。更让我惊喜的是，书中并没有刻意强调“临摹”，而是鼓励我们去“体悟”。作者引导我们去观察自然，去感受物体的形态和神韵，然后再尝试用笔墨去表现。这种“师法自然”的理念，让我觉得绘画不再是一件枯燥的模仿，而是一场与自然的对话。这本书的编排也很巧妙，将抽象的理论与具体的图例相结合，既有文字的深度，又不失视觉的引导。我常常在读完一段理论后，立刻翻到后面的图例，那种豁然开朗的感觉，真的十分美妙。
评分这本书《笔墨丹青100诀》，对我这个一直以来都对山水画情有独钟的人来说，简直是一场及时雨。我一直渴望能画出那种层峦叠嶂、云雾缭绕的山水画，但总是不得要领。这本书，彻底地改变了我的认知。我最爱的是书中对“山石”的描绘。作者并没有一味地强调写实，而是深入浅出地讲解了各种“皴法”，并详细分析了它们的起源和发展。我曾以为皴法只是简单的线条组合，读了这本书才明白，每一笔皴擦，都蕴含着对山石质感的理解和对自然形态的把握。书中对“云烟”的描绘也让我受益匪浅，如何用轻重缓急的笔触，勾勒出云烟的飘渺和变化，让画面有了呼吸感。我曾尝试着按照书中的方法去画山石，从最初的生涩到后来的逐渐熟练，每一次的进步都让我欣喜不已。更让我惊喜的是，书中还讲解了如何运用“点景”来丰富画面，例如山间的亭台楼阁，点缀其间的行旅之人，都能让画面更具故事性和生命力。我曾觉得这些小小的点景可有可无，读了这本书才明白，它们是画面的“眼睛”，能极大地提升画面的意境。作者的讲解非常有条理，从整体的构图到局部的细节，都一一娓娓道来。我常常会在读完一段理论后，对照着书中的图例进行练习，这种理论与实践相结合的学习方式，让我的进步非常快。
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