具体描述
作者简介
这本书的主要出发点是概括地介绍欧洲绘画从开始到现今的发展过程。这里主要指的是架上画，即可以比较容易地搬运的画；这些画以不同的风格和表现形式为世界各地的人们所欣赏。
当然，还有其它形式的、涉及别种技巧的绘画艺术，可是看来将它们同其它的艺术表现形式结合起来会更为恰当。壁画以及锒嵌画同建筑有联系，手抄书插图则包括在书籍的领域里，所以，如果我们没有对它们花许多笔墨，读者不必感到惊讶，这并非否认它们的重要性。实际上，从古代到十四世纪，绘画艺术只限于壁画、锒嵌画和手抄书插图。没有它们做参考，人们就不会明白架上画的早期阶段。我们将会看到，新领域的画家们不可避免地要借鉴一些旧的技巧。再者，以后有一些大师，他们的壁画较之架上画更为著名，对这些大师将不得不超越我们的范围来加以讨论。
最后要提到的是，欧洲绘画早期阶段的发端是来自基督教，所以很自然我们将以介绍早起基督教利用艺术家的情况作为本书的开始。
目录信息
读后感
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用户评价
我对那些能够连接过去与现在、让历史“活”过来的解读方式情有独钟，这本书在这方面做得非常出色。它没有将欧洲绘画史仅仅呈现为一系列静态的、被博物馆橱窗陈列的作品，而是通过生动的叙述和深入的分析，让那些古老的画作重新焕发生机。例如，书中在讲述17世纪荷兰黄金时代的绘画时，不仅介绍了那些精美的静物画、风俗画，还详细描绘了当时荷兰共和国的社会生活、商业贸易以及市民阶层的兴起，让读者仿佛置身于那个繁荣的时代，能够理解为何艺术家们会对日常生活场景如此着迷，为何那些静物画中会充满象征意义，暗示着生命的短暂和物质的虚幻。再比如，当谈到19世纪的现实主义绘画时，书中并没有仅仅停留在对画面内容的描述，而是深入探讨了当时社会变革、工人运动以及艺术家们对社会不公的批判精神，这让我理解了库尔贝的画作不仅仅是对现实的模仿，更是一种艺术宣言，是对传统美学观念的挑战。这种将艺术作品置于其所处的社会、政治、经济语境中进行解读的方式，让历史变得更加鲜活和 relatable，让我能够从更广阔的视野去理解艺术的演变。
评分我一直认为，伟大的艺术作品背后，往往隐藏着深刻的哲学思考。这本书恰恰捕捉到了这一点，并且以一种引人入胜的方式呈现出来。在阅读关于古希腊和古罗马时期艺术的部分，我原本以为会是关于比例、和谐、理想化的美。然而，书中却深入探讨了当时的哲学思想，例如柏拉图的“理念论”和亚里士多德的“模仿说”，是如何体现在雕塑和壁画中的。那些理想化的人体比例，不仅仅是审美追求，更是对“理念世界”的向往；而对现实生活的细致描摹，则是对“模仿”艺术功能的强调。我尤其被书中对中世纪艺术的解读所吸引。我之前一直觉得那个时期的绘画过于宗教化、程式化，缺乏“人性”。但本书让我看到，在那些圣徒的画像、宗教故事的描绘背后，隐藏着艺术家们对于来世的向往、对于罪恶的警惕，以及对于上帝恩典的期盼。那些程式化的构图和象征性的色彩，实际上是在努力传达一种超越世俗的、神圣的精神世界。书中还引用了一些当时的教义和神学文本，让我更能理解这些艺术作品的“内在逻辑”。这种将哲学与艺术相结合的解读方式，让我对欧洲艺术的理解更加立体和深刻，它不仅仅是视觉的享受，更是思想的盛宴。
评分我一直对艺术史中的“风格”和“流派”感到好奇，这本书在这方面提供了非常系统而深入的梳理。它并没有简单地将欧洲绘画史划分为一个个独立的风格时期，而是强调了不同风格之间的联系、演变和相互影响。例如，书中在讲述哥特式绘画向文艺复兴过渡时，就详细阐述了从乔托的作品中如何体现出新的空间感、人物情感以及对现实的关注，这种过渡并非一蹴而就，而是有着漫长的探索和积累过程。书中还详细分析了不同风格的代表性特征，比如巴洛克艺术的动感、戏剧性和奢华，以及新古典主义艺术的理性、秩序和对古典美的回归，并且通过大量的实例来佐证这些论述。我尤其喜欢书中对这些风格背后所反映的时代精神和哲学思潮的分析，例如印象派对现代社会生活节奏的捕捉，象征主义对内心世界的探索，表现主义对个体情感的强烈宣泄等等。这种将风格的形成与时代背景、哲学观念、社会需求相结合的解读方式，让我对艺术流派的演变有了更清晰、更深刻的理解，它不仅仅是艺术形式的变化，更是人类思想和情感表达方式的演进。
评分我一直觉得，艺术的美，不仅仅在于其形式上的完美，更在于其背后所蕴含的人文关怀和对人类境况的深刻反思。这本书恰恰捕捉到了这一点，并且以一种感人至深的方式呈现出来。例如，在谈到伦勃朗的自画像时，书中深入剖析了他晚年作品中那种饱经沧桑、充满智慧和悲悯的眼神。作者结合了伦勃朗的人生经历，包括他的成功与失意，对他的艺术创作进行了深情的解读，让我感受到艺术家在面对岁月流逝和人生起伏时，那种深刻的思考和对人性的理解。又比如，在讲述印象派画家们如何描绘巴黎的城市生活时，书中不仅展现了他们对光影的捕捉，更让我感受到他们对现代人生活节奏加快、疏离感增强的一种隐秘的忧虑，以及他们试图通过艺术来捕捉瞬间的美好与温情。书中还引用了一些对战争、苦难、社会底层人物的描绘，这些作品虽然可能不那么“美轮美奂”，但却以其强烈的现实主义和人道主义精神，触动了我的内心深处。阅读这些作品的解读，让我更加深刻地认识到，艺术不仅仅是满足视觉的享受，更是连接人与人、唤起同情心、激发思考的重要途径。
评分我一直对艺术史中的“断裂”和“传承”感到好奇，这本书在这方面提供了绝佳的视角。它并没有将欧洲绘画史视为一条线性的、单向的发展道路，而是强调了不同时期、不同文化之间的复杂互动，以及艺术观念的传承与颠覆。书中在讲述文艺复兴时期对古典艺术的“复兴”时，就详细探讨了当时学者们如何发掘古籍、研究古代遗迹，以及这种“复兴”并非简单的模仿，而是在新的时代语境下，对古典精神的重新诠释。我尤其对书中对巴洛克艺术的论述感到兴奋，它并没有简单地将巴洛克视为文艺复兴的“衰退”，而是将其视为一种对文艺复兴时期理性与和谐的“反拨”。卡拉瓦乔、贝尼尼等人的作品，充满了动感、戏剧性和情感张力，这恰恰是对当时社会动荡、宗教冲突以及人们内心复杂情感的回应。书中还探讨了巴洛克艺术如何通过其华丽、夸张的风格，来服务于天主教会和君主政权，以达到宣传和巩固权力的目的。这种对艺术与权力之间关系的分析，让我对艺术在社会中的作用有了更深刻的认识。此外，书中还提到了一些被遗忘的艺术家和边缘化的艺术流派，这让我意识到，所谓的“主流”艺术史，也可能存在着视角上的局限性，而那些被忽略的作品，同样能为我们提供理解历史的独特视角。
评分我一直觉得，绘画不仅仅是二维空间的艺术，它更是承载着历史、文化、社会信息的多维载体。这本书恰恰做到了这一点，它没有将欧洲绘画史局限于画家的名单和作品的年代，而是将绘画置于更广阔的社会历史背景中进行考察，这种视角让我耳目一新。书中对拜占庭艺术的论述，我印象尤其深刻。我之前对拜占庭艺术的了解仅限于其程式化的宗教形象，认为其缺乏个性和情感表达。然而，本书的解读让我看到了隐藏在“神圣”面具下的复杂性。作者详细阐述了东罗马帝国的政治格局、宗教教义以及其与西方基督教世界的差异，如何塑造了拜占庭艺术的独特风格。那些金碧辉煌的马赛克壁画，不再仅仅是宗教符号的堆砌，而是帝国权力与信仰的象征，是试图在动荡时代寻求秩序与永恒的宣言。书中对文艺复兴时期佛罗伦萨艺术的分析也同样精彩，我曾以为那是一个纯粹的艺术繁荣期，是大师辈出的时代。但本书让我看到了，佛罗伦萨当时的经济繁荣、美第奇家族的赞助、人文主义思潮的兴起，是如何共同为艺术的爆发提供了土壤。波提切利的《维纳斯的诞生》不再只是一个美丽的女神形象，而是当时新柏拉图主义哲学、对古典理想的回归以及人文精神的集中体现。阅读到这里，我甚至开始思考，如果当时佛罗伦萨的社会环境有所不同，这些传世之作是否还会以现在的形式出现？这种历史与艺术的互动关系，让我对绘画的理解上升到了一个新的高度，它不再是孤立的艺术创作，而是与时代脉搏紧密相连的生命体。
评分我一直认为，艺术家才是最了解艺术的人，而这本书就像一个向导，带领我们进入艺术家的内心世界。书中并没有仅仅停留在对画作技巧和风格的描述，而是通过解读画作，来揣摩艺术家的创作动机、情感状态以及他们所处的时代环境。例如，在谈到伦勃朗时，书中深入剖析了他晚期作品中那种深邃的光影和对人物内心世界的捕捉。作者并没有简单地将这归因于他晚年生活的困顿，而是结合了当时荷兰共和国的社会变迁、人文主义思潮以及伦勃朗自身艺术追求的演进，来解读他作品中那种既有对生命深度洞察，又带有某种哲学思考的特质。书中还引用了一些艺术家的书信、日记和传记片段，让我们能够更直接地听到艺术家的声音，了解他们的创作理念和艺术实践。我尤其喜欢书中对印象派画家们在户外写生的场景的描绘，仿佛能感受到他们面对大自然时那种兴奋、探索和挑战的激情。那些关于色彩、光线、构图的讨论，听起来就像一场场热烈的头脑风暴。更重要的是，本书让我认识到，艺术家的创作往往是他们对世界、对人生、对自身的一次次追问和回应，而我们作为观众，也需要带着好奇心和思考去解读这些作品。
评分我一直对艺术史中的“意象”和“象征”很感兴趣，这本书在这方面提供了非常丰富的解读。它不仅仅是告诉你画面上有什么，而是深入挖掘这些元素背后所蕴含的深层含义。例如，在解读中世纪宗教画时，书中详细解释了各种色彩、动物、植物以及人物的特定手势所代表的宗教意义，例如蓝色代表圣母的纯洁，百合花象征贞洁，而鸽子则代表圣灵。这些知识让我能够更清晰地理解当时艺术家们是如何通过视觉语言来传达复杂的宗教教义和精神内涵的。书中对文艺复兴时期神话题材绘画的解读也同样精彩，例如波提切利的《春》和《维纳斯的诞生》，作者结合了当时的文学作品、哲学思想以及新柏拉图主义的理论，来解释画面中各种人物和场景的象征意义，例如三美神代表的德行、维纳斯作为爱与美的女神的地位等等。这种解读让我觉得，艺术作品的魅力在于其多层面的含义，每一次的重读都能发现新的东西。此外，书中还提到了一些在不同时期具有不同象征意义的意象，例如某些动物在不同文化和宗教背景下所代表的含义差异，这让我对人类文化的丰富性和多样性有了更深的认识。
评分初次翻开这本书，我原本是抱着一种“了解一下”的心态，毕竟“欧洲绘画史”这几个字听起来就带着一股厚重和遥远感，总觉得会是枯燥的年代梳理和名家作品罗列。然而，当我沉浸其中，那些跨越千年的色彩与线条便如潮水般涌来，瞬间俘获了我的全部注意力。我惊喜地发现，这本书远不止于此，它更像是一幅徐徐展开的宏大画卷，将欧洲文明的演进、社会风貌的变迁、哲思的碰撞，乃至人类情感的潮起潮落，都巧妙地融入了对绘画艺术的解读之中。从古希腊罗马雕塑的理性之美，到中世纪宗教艺术的神秘肃穆，再到文艺复兴时期对人性和自然的全新探索，书中对每一时期的代表性画作的剖析都细致入微，不仅仅是技法的介绍，更是对其背后蕴含的时代精神、宗教信仰、哲学思想的深入挖掘。比如，在讲述提香的肖像画时，作者并没有停留在对色彩运用的赞美，而是深入探讨了当时威尼斯共和国的社会结构、商业繁荣以及艺术赞助人的审美趣味，是如何共同塑造了提香作品中那种贵族式的从容与自信。又或者，在描绘印象派的诞生时，书中并没有简单地将莫奈、雷诺阿等人的作品归类为“光影的捕捉”，而是生动地展现了当时工业革命带来的社会变革，城市生活节奏的加快，以及艺术家们试图摆脱学院派束缚、重新审视视觉世界的勇气和创新。阅读的过程，就像在与那些伟大的艺术家们进行跨越时空的对话，我仿佛能听到达芬奇在思考解剖学时低语，感受到伦勃朗在光影中捕捉人性的复杂，甚至能触摸到梵高笔触中那炽热而孤独的情感。这本书不仅让我增长了对艺术史的知识，更重要的是，它让我对人类文明的进程有了更深层次的理解，对美的感知力也得到了极大的升华。它教会我如何透过画作的表象，去感受那些隐藏在色彩与线条之下的灵魂。
评分我是一位对色彩敏感的人，这本书在这方面给予了我极大的满足。然而，它并没有停留在单纯的色彩理论分析，而是将色彩的运用与画家个人的情感、时代的精神，甚至科学的进步紧密联系起来。比如，书中在介绍巴洛克时期绘画时，对卡拉瓦乔的光影运用进行了细致的分析。那种戏剧性的明暗对比，不仅仅是为了增强画面的冲击力，更是画家用来营造氛围、突出人物内心挣扎和世俗化宗教叙事的有力工具。书中还探讨了当时欧洲社会弥漫的宗教改革和反宗教改革的氛围，以及普通民众对宗教题材日益增长的关注，这些都为卡拉瓦乔作品中那种强烈的现实感和情感张力提供了社会学层面的解释。更让我惊叹的是，本书在讲述印象派时，并没有仅仅停留在对自然光影的捕捉，而是深入探讨了当时光学理论的发展，以及科学家们对色彩混合原理的研究，是如何影响了莫奈、修拉等画家的创作。那些细碎的笔触，看似随意的色彩堆叠，实际上是对人眼感知色彩过程的科学探索。书中还穿插了一些对色彩心理学和社会功能的讨论，比如绿色在不同时期被赋予的象征意义，或者某种色彩组合是如何被用来强化权力或宗教的权威。这些内容让我觉得，这本书不仅仅是关于“看”画，更是关于“理解”画，关于色彩是如何被用来构建意义、表达情感、影响观众的。
评分介绍的还好吧。但要是配一些图片就更好了呢。
评分呵呵,我的这本,封面也是皱巴巴的
评分呵呵,我的这本,封面也是皱巴巴的
评分老版书的特点，印刷差，纸张差，翻译差，后面附录的画是黑白印刷，有的是一团黑墨，唉！不知道84年的人们了解欧洲绘画史能不能很好的理解。就跟现在的孩子学习一样，可以了解的途径很多很多，而不是像那个年代一样，知识匮乏，书籍也匮乏
评分呵呵,我的这本,封面也是皱巴巴的
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