Music and You Level 6

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出版者:MacmillanPublishing Company
作者:Barbara Staton
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1988-01-01
价格:0
装帧:Hardcover
isbn号码:9780022934101
丛书系列:
图书标签:
  • 英语教材
  • 音乐
  • 六年级
  • 少儿英语
  • 英语学习
  • 教材
  • 文化教育
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  • 启蒙教育
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具体描述

《和声之境:西方音乐史的恢弘画卷》 一部跨越千年,探索西方音乐文明演进的深度之作 《和声之境:西方音乐史的恢弘画卷》并非一本侧重于技能训练或特定教材的指南,而是一部旨在为音乐爱好者、学生以及所有对人类文化遗产抱有好奇心的读者,提供一个全面、深入且富于洞察力的西方音乐发展历程的百科全书式著作。本书将音乐视为一面映照时代精神、社会变迁和技术革新的多棱镜,带领读者穿越时空,领略从古代的初步萌芽到现当代多元爆发的壮阔图景。 本书结构严谨,逻辑清晰,分为七个主要部分,对应西方音乐史上最具标志性的几个时代,并在每一章节中都深入探讨了其核心的音乐语言、重要的风格特征、代表人物及其创新性贡献。 --- 第一部分:源起与奠基(公元前至中世纪早期) 本部分将追溯西方音乐思想的哲学根源。我们将从古希腊的毕达哥拉斯对音程的数学探究开始,探讨柏拉图和亚里士多德的音乐伦理学,理解音乐在早期西方文明中的“宇宙秩序”地位。接着,我们将关注早期基督教礼仪音乐的形成,特别是格里高利圣咏的诞生与规范化过程。读者将了解到,在缺乏成熟记谱法的年代,口传心授是如何塑造了西方最早的单音音乐传统,以及修道院在知识保存中的核心作用。 本章详述了“纽姆”(Neumes)记谱法的起源和演变,这是人类如何从模糊的提示走向精确记录的里程碑,为日后复调音乐的出现铺平了道路。 第二部分:中世纪的复调曙光(约1000年—1400年) 中世纪晚期是西方音乐史上一个激动人心的转折点。随着记谱法的成熟,音乐家们开始大胆地探索“多个声部同时进行”的可能性。本部分聚焦于巴黎圣母院乐派(Notre Dame School)——列奥宁(Léonin)和佩罗坦(Pérotin)的创新。我们将详细分析“奥尔加农”(Organum)的早期形式到更复杂的“等时段”(Equal-note style)的发展,揭示复调音乐的结构逻辑。 此外,本书还特别辟出章节探讨世俗音乐的兴盛,包括游吟诗人(Troubadour)和游吟歌者(Trouvère)的音乐,他们的歌曲不仅记录了骑士文化和爱情主题,也为后来的民间音乐留下了宝贵的遗产。 第三部分:文艺复兴的和谐之美(约1400年—1600年) 文艺复兴的核心精神——人文主义——对音乐产生了深远影响。音乐从完全服务于教会,逐渐转向表达人类情感和清晰文本。本书将深入分析弗兰德斯(低地国家)作曲家(如杜菲、奥克冈姆)如何确立了精致的“模仿写作”技巧,使多声部音乐达到前所未有的平衡与流畅。 重点章节将放在意大利的牧歌(Madrigal)发展上。读者将了解到,音乐如何开始“描绘”歌词内容(Word Painting),以及德拉塞特(Gesualdo)等人的大胆不协和音处理,如何预示了巴洛克时期的情感张力。印刷术的发明在这一时期对音乐传播的革命性影响也将得到详尽论述。 第四部分:巴洛克的激情与宏伟(约1600年—1750年) 巴洛克时代是西方音乐风格的“大爆炸”。本部分将详细阐述“歌剧”(Opera)这一全新艺术形式的诞生,从佛罗伦萨的音乐学院到蒙特威尔第(Monteverdi)的开创性工作,探讨“情绪理论”(Doctrine of the Affections)如何指导音乐创作,以精确地唤起听众的特定情感。 本书将系统梳理巴洛克音乐的几大核心体裁:协奏曲(Concerto Grosso 与 Solo Concerto)、赋格(Fugue)的严谨结构、清唱剧(Oratorio)和受难曲(Passion)。对巴赫(J.S. Bach)的复调艺术和亨德尔(Handel)的戏剧性宏大叙事,将进行深入的剖析,特别是如何利用“数字象征主义”来构建音乐的内在秩序。 第五部分:古典主义的清晰与优雅(约1750年—1820年) 启蒙运动强调理性、平衡和普适性,这直接塑造了古典主义音乐。本书着重分析奏鸣曲式(Sonata Form)如何成为组织音乐材料的黄金标准,以及交响乐(Symphony)和四重奏(String Quartet)如何发展成为最受推崇的器乐体裁。 维也纳古典乐派的三位巨匠——海顿(Haydn)的“结构大师”地位,莫扎特(Mozart)对旋律和戏剧性的完美融合,以及贝多芬(Beethoven)如何通过突破既有形式(尤其是晚期作品)来表达英雄主义和个体意志——将作为核心案例进行深入研究。这一时期的钢琴音乐的兴起及其重要性也将被充分讨论。 第六部分:浪漫主义的个人化表达(约1820年—1900年) 浪漫主义将焦点从普世的理性转向了个体的、主观的、强烈的情感体验。本部分探讨了音乐家如何更深入地探索民间传说、文学意象和超自然主题。 我们将分析“艺术歌曲”(Lied)在舒伯特(Schubert)手中如何成为诗与乐的完美结合;交响诗(Symphonic Poem)如何诞生,以及李斯特(Liszt)的“主导动机”(Thematic Transformation)技巧。此外,本书会详尽考察民族乐派(如斯美塔那、德沃夏克)如何将本土的民间旋律融入宏大的交响框架中,以及瓦格纳(Wagner)的“主导旋律”(Leitmotif)系统如何彻底改变了歌剧的叙事方式,构建了一个“总体艺术作品”(Gesamtkunstwerk)。 第七部分:二十世纪至今的多元探索(1900年至今) 二十世纪是西方音乐史上最动荡、最多元化的时期。本书不再局限于单一的主流风格,而是全面呈现了风格的破碎与重组。 我们将追踪从德彪西(Debussy)开创的印象主义对音色和氛围的全新处理,到斯特拉文斯基(Stravinsky)对原始节奏和不协和音的革命性运用(以《春之祭》为例)。本书随后转向十二音体系(Schoenberg)和序列主义的理性构建,对比着极简主义(Minimalism)对重复和微小变化的沉迷。 最后,本卷讨论战后音乐(如具体音乐、电子音乐)的出现,以及爵士乐、摇滚乐等非古典音乐传统如何反哺和挑战着“严肃音乐”的定义。本书强调,当代音乐的特征在于风格的共存与边界的模糊。 --- 结语: 《和声之境》旨在提供一种批判性的阅读视角,鼓励读者超越对作曲家名字和作品标题的简单记忆,真正理解音乐背后的文化语境、技术挑战与哲学思考。通过对历史脉络的梳理和对具体作品的细致解读,本书力求展现西方音乐史作为一门生动的、持续演进的人文科学的真正面貌。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书给我带来的最深刻的感受,是一种“原来音乐可以这样理解”的惊喜。它并没有用传统的教学模式,而是采用了一种更加贴近生活、更加直观的方式来讲解音乐。我曾经对乐谱感到头疼,觉得它们就像天书一样晦涩难懂,但这本书通过形象的比喻和生动的图示,让我对乐谱的理解发生了质的飞跃。它会告诉你,音符不仅仅是点和线,它们是声音的高度和长度的象征;节奏不仅仅是拍子,它是时间的舞蹈。书中的一些“小挑战”设计得非常巧妙,比如让你尝试用声音模仿不同的节奏型,或者用肢体语言表达一段旋律的情感。这些互动性的练习,让我能够将理论知识转化为实际的体验,加深了对音乐的理解。我尤其欣赏书中对音乐情感表达的探讨,它不仅仅是告诉你“这段音乐是悲伤的”,而是深入分析了是怎样的旋律、和声、节奏组合,才营造出这样的情感氛围。这让我开始反思,自己在创作或欣赏音乐时,是如何运用这些元素的。书中还介绍了一些不同文化背景下的音乐,让我意识到音乐是全人类共通的语言,但又充满了地域和文化的独特魅力。这本书就像一位经验丰富的向导,带领我在音乐的广阔天地里进行一场奇妙的探索,让我不仅学到了知识,更收获了乐趣和感悟。它让我明白,音乐并非高高在上,而是可以融入我们生活的方方面面。

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这本书最大的价值在于它能够真正地“激发”你的音乐潜力。它并没有给你设定固定的框架,而是为你提供了一个广阔的探索空间,让你自己去发现和创造。书中的“音乐游戏”设计得非常巧妙,它们将学习过程变成了一种有趣的体验,让我乐在其中,不知不觉地掌握了音乐的知识。我尤其喜欢书中关于“声音的色彩”的讲解,它让我意识到,不同的乐器、不同的音色,能够营造出多么丰富的听觉体验。我尝试着去辨别不同乐器发出的声音,去感受它们在音乐中的角色。这种细致的聆听,让我对音乐的理解更加深入。书中还鼓励我去尝试用不同的方式去“创作”音乐,即使是最简单的旋律,也能让我感受到创造的乐趣。它让我明白,音乐的创作并不需要多么高深的理论,更重要的是内心的表达和对声音的敏感。这本书就像一位善于引导的老师,它不会直接告诉你答案,而是通过提问和引导,让你自己去找到答案,从而获得更深刻的理解和更持久的记忆。它让我相信,每个人都有成为音乐创造者的潜能。

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这本书最吸引我的地方在于它所倡导的“主动参与”的学习模式。它不是让你被动地接受信息,而是鼓励你去思考、去探索、去创造。书中提供了大量的开放性问题和讨论话题,让我有机会去表达自己的观点,去与其他读者交流。我喜欢书中关于“音乐的语言”的章节,它让我意识到,音乐不仅仅是声音的组合,它更是一种跨越语言和文化的沟通方式。它会引导你去思考,为什么某些音程听起来会和谐,而另一些则会冲突;为什么某些节奏会让人感到不安,而另一些则会让人感到愉悦。这些问题触及了音乐的本质,也引发了我更深层次的思考。书中的“即兴创作”练习,更是让我体验到了音乐的自由和无限可能。它鼓励我去尝试用不同的方式去表达自己,去探索自己内心的声音。即使是最简单的即兴,也让我感受到了创造的乐趣和成就感。这本书就像一个充满活力的社区,它将热爱音乐的人们聚集在一起,共同分享、共同学习、共同进步。它让我感觉到,学习音乐并非是一件孤单的事情,而是一个充满乐趣和惊喜的探索过程。它让我重新认识了自己与音乐的关系,不再仅仅是一个旁观者,而是积极的参与者。

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这本书给我带来的最大的改变,是我对待音乐的“态度”。它让我意识到,音乐并非遥不可及的艺术,而是我们生活中不可或缺的一部分。书中通过大量的实例,展示了音乐是如何影响我们的情绪、我们的行为,甚至我们的生理反应的。我开始尝试着去“有意识地”听音乐,去感受音乐在不同情境下的作用。比如,当我感到压力很大的时候,我会尝试播放一些舒缓的音乐,然后发现我的情绪真的会得到缓解。书中关于“音乐与心理学”的结合,让我对音乐有了更深的科学认识。它不仅仅是关于旋律和和声,更是关于声音如何作用于我们的大脑和身体。我喜欢书中对不同文化音乐的介绍,它让我看到了音乐的普适性,也看到了音乐的多样性。它让我意识到,世界各地的人们,都用自己独特的方式来表达对音乐的热爱。这本书就像一面镜子,它让我看到了自己对音乐的潜力和可能性,也激励我去发掘更多音乐的魅力。它让我明白,学习音乐,不仅仅是为了掌握技巧,更是为了丰富自己的生活,提升自己的精神境界。

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读完这本书,我感觉自己对音乐的理解进入了一个全新的层次。它并没有把我当作一个完全的初学者,而是以一种循序渐进、引导性的方式,不断挑战我原有的认知。书中对音乐结构和形式的讲解,尤其让我印象深刻。它不仅仅是告诉你“这是奏鸣曲式”,而是会深入分析奏鸣曲式的各个部分是如何相互联系、相互作用的,以及它们是如何共同营造出音乐的整体美感的。我之前听音乐时,常常只是沉浸在旋律的美妙中,而忽略了音乐的整体结构。这本书教会了我如何去“拆解”音乐,去欣赏音乐是如何一步步发展、变化,最终达到高潮的。书中的“音乐分析”练习,让我尝试着去听一段音乐,然后尝试着去找出其中的主题、变奏、对比等元素。这个过程虽然需要一些专注和思考,但当我能够清晰地辨别出这些音乐元素时,我感到非常满足。书中的一些关于音乐家创作理念的探讨,也让我受益匪浅。它让我了解到,伟大的音乐作品往往是艺术家思想和情感的结晶,不仅仅是技巧的展现。这本书就像一位睿智的导师,它不仅传授我音乐的知识,更引导我用一种更加深刻、更加批判性的视角去理解音乐,去欣赏音乐的精妙之处。

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这本书简直是一个音乐启蒙的宝库,它以一种非常独特且引人入胜的方式,将复杂的音乐概念拆解成易于理解的部分。我一直认为音乐学习是一件非常困难的事情,需要天赋和长期的训练,但这本书彻底改变了我的看法。它没有一开始就灌输大量的乐理知识,而是从最基本的声音和旋律入手,通过各种趣味性的练习和互动,让你在不知不觉中掌握音乐的奥秘。书中提到的“聆听练习”环节尤其让我受益匪浅,它教会了我如何真正地去“听”音乐,捕捉到旋律、和声、节奏的细微变化,而不是仅仅让音乐成为背景音。我尝试着按照书中的指导,闭上眼睛,专注于某一段音乐,然后尝试去分辨不同的乐器,去感受音乐的层次感。这让我发现,原来我们日常听到的许多音乐,都蕴藏着如此丰富的细节。书中还介绍了一些不同风格的音乐,从古典到流行,从爵士到世界音乐,通过生动的描述和精选的乐曲片段,让我对音乐的多样性有了更深的认识。我之前对某些音乐风格一直没有感觉,但看了这本书之后,我开始尝试去欣赏它们,并且发现了一些新的喜爱。书中的一些小故事,关于音乐家们如何克服困难,如何寻找灵感,也给了我很大的鼓舞。它不仅仅是一本关于音乐的书,更是一本关于热爱、坚持和创造力的书。它鼓励我去打破自己对音乐的固有认知,去拥抱音乐的无限可能。这本书的价值在于,它不只是教授知识,更是点燃了对音乐的热情,让我愿意投入更多的时间和精力去探索这个美妙的世界。

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这本书就像是为那些渴望在音乐世界中找到自己声音的人量身打造的。它并非仅仅是枯燥的乐理讲解,而是以一种非常人性化的方式,将音乐的魅力一点点地展现在你面前。初翻开的时候,我曾担心会不会过于专业,但很快就被书中生动活泼的例子和图文并茂的讲解所吸引。它会引导你思考,音乐是如何影响我们的情绪的,为什么某些旋律会让我们感到悲伤,而另一些又会让我们振奋。书中还穿插着许多关于音乐家的小故事,这些故事不仅仅是历史的碎片,更是他们创作灵感的来源,让你能够更深入地理解作品背后的情感和故事。我尤其喜欢书中关于节奏的部分,它不仅仅是让你记住拍子,而是让你去感受节奏如何在身体里流动,如何在生活中处处可见。比如,书中通过分析我们走路的步伐、心跳的跳动,来阐释节奏的本质,这种类比非常贴切,让我一下子就明白了。它还鼓励你去尝试创作,即使是最简单的旋律,也会让你感受到创造的乐趣。我尝试着跟着书里的引导,用简单的乐器哼唱了几段自己构思的旋律,那种成就感是难以言喻的。更重要的是,这本书让我重新审视了自己与音乐的关系,不再仅仅是作为一个听众,而是开始尝试成为一个参与者,一个理解者。它激发了我对音乐更深层次的好奇心,让我渴望去探索更多音乐的可能性。那些原本觉得遥不可及的音乐理论,在书中变得触手可及,充满了趣味性和启发性。它就像一个循循善诱的老师,耐心地引导着我去发现音乐的美妙之处,去感受音乐的生命力。

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这本书给我的感觉是,它不仅仅是一本教材,更像是一场充满惊喜的音乐探险。它以一种非常轻松有趣的方式,将复杂的音乐知识融入到生动的讲解和丰富的案例中。我之前对音乐理论感到畏惧,觉得它们枯燥乏味,但这本书完全颠覆了我的认知。它通过大量的图示和比喻,将抽象的音乐概念变得直观易懂。我尤其喜欢书中关于“旋律的构成”的讲解,它让我理解了为什么有些旋律听起来如此动听,而另一些则平淡无奇。它不仅仅是告诉你音符的排列,更是让你去感受旋律的情感走向和起伏变化。书中的“音乐小故事”也很有趣,它们将音乐家们的生活和创作过程娓娓道来,让我更加深入地了解了音乐作品背后的故事和情感。我发现,当我了解了音乐的背景后,再听这首乐曲时,感受完全不一样了。这本书还鼓励我去尝试用不同的方式去“玩”音乐,去探索音乐的无限可能。它让我明白,学习音乐,并不一定要循规蹈矩,更重要的是保持好奇心和创造力。它让我觉得,音乐的世界充满了乐趣和惊喜,等待我去不断地发现和体验。

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这本书给我最大的启发,是我开始主动地去“解读”音乐。它不仅仅是教会我音乐的知识,更是培养了我对音乐的“审美能力”。书中对音乐形式的讲解,让我学会了如何去分析一段音乐的结构,如何去理解作曲家是如何构建音乐的。我之前听音乐时,往往只是被动地接受,而这本书让我开始尝试着去“主动地”参与到音乐的体验中。它会引导你去思考,为什么这段音乐会有这样的发展,为什么作曲家会选择这样的乐器,为什么这样的和声会让你感到舒缓。这些问题,让我开始用一种更加深入、更加批判性的眼光去审视音乐。我尤其喜欢书中关于“音乐的象征意义”的探讨,它让我意识到,音乐不仅仅是声音的组合,它更能够承载着丰富的情感和思想。它让我开始去思考,音乐是如何与我们的生活、我们的文化产生联系的。这本书就像一位充满智慧的向导,它带领我在音乐的海洋里进行一场深刻的思考和探索,让我不仅学到了知识,更提升了自己对美的感知能力。它让我明白,音乐的魅力,远远不止于耳朵的享受,更在于心灵的共鸣。

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这本书最大的亮点在于它的“实践性”和“趣味性”的完美结合。我之前阅读过一些音乐理论书籍,往往过于学术化,读起来很枯燥,也很难转化为实际的应用。但这本书却完全不同,它不仅仅是让你去“知道”,更是让你去“做到”。书中提供了大量的练习和活动,让我能够边学边练,将抽象的音乐概念具象化。比如,在讲解和弦的时候,书中并没有直接给你枯燥的定义,而是引导你去尝试用不同的音组合,去感受它们发出的声音,从而理解和弦的构成和色彩。我尝试着跟着书中的指导,用自己的声音或者简单的乐器,去弹奏和演唱不同的和弦,这种亲身的体验让我对和弦的理解更加深刻。书中的“音乐故事”环节也很有趣,它会将一些著名的乐曲背后的故事,以一种引人入胜的方式呈现出来,让我不仅仅是听音乐,更能理解音乐背后的情感和创作意图。我发现,当我对一首乐曲有了更深的了解后,再听它的时候,感受完全不同了。这本书还鼓励我去尝试改编和创作,即使是最简单的旋律,也让我体会到了创造的乐趣。它让我明白,音乐不仅仅是别人创作出来的,我们每个人都有能力去创造属于自己的音乐。这本书就像一位充满活力的伙伴,陪伴我踏上探索音乐的旅程,让我觉得学习音乐是一件如此令人兴奋的事情。

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