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出版者:McGraw-Hill Humanities/Social Sciences/Languages

作者:Ralph Turek

出品人:

页数:448

译者:

出版时间:1995-12-01

价格:$ 134.19

装帧:Plastic Comb

isbn号码:9780070654754

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
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• 音乐教育
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• 和声
• 旋律
• 节奏

《和声的艺术：从巴赫到德彪西的音乐语汇》 作者： 维克多·卡尔森 (Victor Carlson) 出版社： 环宇音乐文库 出版日期： 2024年5月 装帧： 精装，附赠在线音频资源链接 --- 导言：寻找声音的结构与情感的地图 在人类文明的长河中，音乐始终扮演着连接心灵与宇宙的独特角色。它不依赖于具象的描绘，却能唤起最深刻的体验；它不诉诸文字，却能构建起比语言更宏大、更精微的情感结构。本书《和声的艺术：从巴赫到德彪西的音乐语汇》，并非旨在教授如何演奏或创作，而是意图深入剖析西方音乐史中，尤其是在十八世纪至二十世纪初，和声语言如何成为表达复杂思想与细腻情感的基石。 本书的视角超越了单纯的规则手册，聚焦于“语境”与“演变”。和声，作为音符间垂直的组织方式，是音乐的骨架，更是时代精神的直接反映。从巴洛克时期对绝对调性的严谨探索，到浪漫主义对色彩和张力的极致追求，再到印象主义对传统功能和声的瓦解与重塑，和声的每一次“突破”，都标志着人类审美观念的一次深刻转变。 我们相信，理解和声的演变，就是理解音乐家们如何面对和挑战既有的秩序，以及他们如何为后世开辟出全新的听觉疆域。这本书，是为所有对音乐背后的“为什么”比“是什么”更感兴趣的读者准备的深度导览。 --- 第一部分：古典主义的严谨与浪漫主义的激情（1750–1850） 第一章：从对位到功能——海顿与莫扎特的调性蓝图 本章首先回顾了巴洛克时期（特别是巴赫的作品）对严密对位法的极致运用，并分析了如何从对位织体中提炼出清晰的“功能和声”概念。我们将重点探讨海顿如何将奏鸣曲式（Sonata Form）中的结构性需求，转化为对主、属、下属和弦的规律性运用。莫扎特的音乐则展现了功能和声在旋律与织体交织下的“透明度”和“平衡感”。我们详细分析了莫扎特如何利用转调的流畅性，在不破坏整体清晰度的前提下，引入色彩变化，特别是他对“拿波里六和弦”的优雅运用。 第二章：贝多芬的张力与“英雄”的和声语言 贝多芬是古典主义与浪漫主义的桥梁。本章着重分析贝多芬如何首次将和声的“冲突”和“解决”提升到哲学层面。我们将研究他标志性的、更具冲击力的属七和弦的使用方式，以及他对“非功能性”和弦（如增加或减弱的九和弦）的尝试，这些元素为后来的浪漫主义奠定了张力构建的基础。特别是对《第五交响曲》中著名的“命运动机”的和声分析，揭示了极简的动机如何通过和声的不断推动和拒绝解决来制造史诗般的叙事感。 第三章：舒伯特与肖邦：主观性与色彩的浸润 浪漫主义的号角吹响，音乐的焦点从宏大的结构转向内心的体验。舒伯特是“即兴短曲”和“艺术歌曲”的大师，他的和声语言充满了“抒情的意外”。本章将深入探讨舒伯特如何频繁使用远关系转调（如从C大调突然进入降E大调），以及他如何通过色彩性的和弦来描绘歌词中的特定意象。肖邦的作品则展示了钢琴作为“叙述者”的角色，他的和声特点在于对九和弦和复杂的前倚音的精妙处理，使得每一个和弦都带有“呼吸感”和“诗意的不确定性”。 --- 第二部分：晚期浪漫主义的扩张与探索（1850–1900） 第四章：瓦格纳的“无限旋律”与和声的溶解 瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》是音乐史上一次革命性的事件。本章的核心是分析那著名的“特里斯坦和弦”。我们不仅会探究其结构（F-B-D-G），更重要的是分析它在乐剧语境下的功能——它几乎成为了一个“永久的前奏音型”，不断地要求解决，却又不断地被推迟。这种对调性中心的模糊处理，实质上是对传统功能和声的“延迟退休”，为二十世纪无调性音乐的出现铺平了道路。 第五章：德彪西的色彩革命与“平行和声”的回归 进入世纪之交，德彪西将目光投向了对声音本身的纯粹感知，而非叙事。本章将详细阐述印象主义和声的几个关键特征： 1. 非功能性结构： 摆脱主属关系的束缚，和弦被视为独立的“色彩块”。 2. 平行和声 (Planar Harmony)： 严格按照五度或三度进行平移的和弦进行，如德彪西经常使用的平行五度和弦，这在古典语境中被视为“不协和”，但在印象主义中则成为营造朦胧、静止氛围的工具。 3. 调式音阶的使用： 对全音音阶和五声音阶的系统性引入，这从根本上削弱了调性的中心感。 我们将通过分析《牧神午后前奏曲》和《月光》来展示如何用和声来描绘光影、水波与梦境。 第六章：后浪漫主义的复杂织体与调性边界的拉伸 本章关注普鲁士和奥地利的作曲家，如布鲁克纳和马勒。他们继承了瓦格纳的宏大叙事，但采取了不同的和声策略。布鲁克纳的和声特点在于“静态的辉煌”——他倾向于长时间停留在极强的和弦（如九和弦或十一和弦）上，通过强大的低音线条和织体厚度来构建张力，而非依赖快速的和声进行。马勒则将和声的“异化”用于心理刻画，我们分析他如何使用刺耳的不协和音（如增六和弦的极端运用）来表现现代都市的焦虑和精神分裂。 --- 第三部分：二十世纪初的和声转向与未来视野 第七章：从“延长”到“瓦解”：调性的终结 本书的最后一部分聚焦于二十世纪初，和声的结构性危机与重塑。勋伯格的早期作品仍然在极力扩展调性（如《昇g小调第二室内乐团》），但其对不协和音的耐受度已达极限。我们分析了“和声的饱和点”——当一个和弦的紧张度达到无法被“解决”时，作曲家只能选择彻底抛弃功能性。 第八章：对传统和声语汇的批判性继承 本章将探讨那些虽然走向现代，但仍与传统和声保持对话的流派。我们将简要对比拉威尔（他更注重和声的精致与对称，对印象主义和声的控制力更强）与斯特拉文斯基（他在《春之祭》中通过和声的“叠加”与“碰撞”来制造节奏和结构上的暴力美学）。 结语：聆听结构的回响 《和声的艺术》旨在提供一个理解音乐语言发展的框架。和声的演变并非线性进步，而是充满着继承、反叛与回归的辩证过程。理解了巴赫的逻辑、莫扎特的平衡、瓦格纳的渴望和德彪西的色彩，读者便能以一种更为丰富和深入的方式，去聆听每一组音符背后的历史重量与情感意图。 --- 本书特色： 大量的乐谱范例分析： 选取关键性的150个和声实例，进行深入的图解分析。 跨学科视角： 探讨哲学、文学思潮如何反作用于和声的构建。 独家音频资源： 附带的在线链接包含对关键和声进行的不同演奏版本对比，以便读者直接听辨不同时代对同一和声处理方式的差异。

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音乐对我来说，就像是一种无形的语言，它能够表达我无法用言语形容的情感，也能唤起我内心深处的回忆。然而，我始终觉得，自己对这种语言的掌握还非常有限。我希望这本书能够成为我的“音乐词典”，让我能够更准确地理解和运用音乐的“词汇”。我期待它能够系统地介绍音乐中的各种构成要素，并且用通俗易懂的方式来解释它们之间的关系。比如，一段简单的旋律，它如何通过节奏的变化而变得更加生动？和声的运用，又是如何为旋律增添色彩和深度？我希望这本书能够让我明白，构成一首好音乐的关键，究竟在于哪些方面。同时，我也好奇，这本书是否会涉及到一些关于音乐的情感解读，即不同的音乐“要素”组合，是如何引发听众特定的情感反应的。如果能够了解这一点，那对我来说将是一大进步，因为我一直渴望能够更深入地理解音乐所传递的情感内涵。我希望这本书能够让我从一个纯粹的情感体验者，变成一个能够洞察音乐“内在机制”的探索者。

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刚翻开这本书，我脑子里就跳出了一堆问题。音乐到底是怎么来的？为什么有些旋律听起来让人心潮澎湃，有些则让人平静安宁？“乐感”到底是个什么东西？这本书能否解答这些困惑？我希望它不仅仅是枯燥的理论堆砌，而是能像一位循循善诱的老师，用我能理解的方式，一点点揭开音乐的神秘面纱。我希望它能让我明白，那些复杂的乐谱背后，究竟隐藏着怎样的逻辑和情感。比如，当一段音乐的情绪突然转变时，它是如何实现的？是和声的色彩发生了变化，还是节奏的脉搏在加速？我特别期待书中能够提供一些“入门级”的分析方法，让我以后在听音乐时，能够有意识地去捕捉这些细节，而不是被动地接受。我也很好奇，这本书会不会谈到音乐的历史发展，以及不同时代、不同文化背景下的音乐风格特点。了解这些，或许能让我对音乐的理解更加宏观和全面。总之，我希望这本书能够成为我探索音乐世界的一把钥匙，开启我通往更深层次音乐理解的大门。它能否让我不仅能“听懂”音乐，更能“欣赏”音乐的精妙之处，这是我最期待的。

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我是一个平时喜欢泡在各种音乐论坛的人，经常看到一些关于音乐创作、编曲、混音的讨论，那些术语我常常听得云里雾里，感觉自己好像隔着一层纱窗看世界。这本书的名字《音乐的要素》，听起来就好像是能直接点破那些核心秘密的宝典。我最想知道的，是这本书会不会给我一些实际操作的指导，或者至少是提供一些能够让我理解创作过程的思路。比如说，一段简单的旋律是如何一步步发展成一首完整的歌曲的？和声的运用对音乐的情感表达有什么样的影响？节奏的变化又是如何制造出不同的律动感和张力的？我希望这本书能给我一些“醍醐灌顶”的时刻，让我突然明白那些困扰我很久的问题。我也很好奇，这本书会不会涉及到一些不同流派音乐的对比分析，比如古典乐和流行乐在音乐要素上的运用有什么异同？这会帮助我更好地理解不同风格音乐的魅力所在。总而言之，我希望这本书能让我对音乐的理解，从“知其然”到“知其所以然”，甚至能够触类旁通，对其他艺术形式的创作原理也能有所启发。

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我一直觉得，音乐是一种非常奇妙的存在，它能够跨越语言和文化的障碍，直接触动人心最柔软的地方。但是，我对于音乐的理解，往往停留在感性的层面，对于那些构成音乐的“骨架”和“血肉”，却知之甚少。这本书《音乐的要素》，我希望它能填补我在这方面的知识空白。我期待它能够将那些构成音乐的基本元素，例如旋律、节奏、和声、织体等等，以一种系统而清晰的方式呈现在我面前。我希望它能够教会我，如何去辨别和理解这些元素的独特作用，以及它们是如何协同工作，共同塑造出一首首动人的乐章。我希望它能让我明白，为什么同样的音符组合，在不同的编排下，会产生如此截然不同的效果。我更希望，通过这本书的学习，我能够获得一种“听觉的慧眼”，不再仅仅是凭感觉去欣赏音乐，而是能够带着理解去品味，去发现音乐中那些隐藏的巧思和匠心。让我能够从一个被动的听众，变成一个能够主动参与到音乐解读中的鉴赏者。

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这本书的标题吸引了我，《音乐的要素》，听起来就有一种既学术又亲民的感觉。我一直以来对音乐都怀有浓厚的兴趣，虽然我不是科班出身，但常常会在不同的音乐风格中寻找共鸣。平时听歌，我更多的是关注旋律和歌词带来的情感冲击，对于音乐的结构、理论方面的东西，则是一知半解。所以，当我看到这本书时，我抱着一种“希望能解开我心中疑惑”的期待。我好奇这本书会如何拆解音乐这门艺术，将它那些看似抽象、虚无缥缈的组成部分，用清晰、易懂的方式呈现出来。我特别想知道，它会不会涉及到一些基础乐理知识，比如音高、节奏、和声，以及它们是如何相互作用，最终构建出一首完整的乐曲。我设想，这本书可能会用很多生动的例子，比如引用一些耳熟能详的经典曲目，来帮助我理解那些抽象的概念。我还希望，它能够引导我从一个全新的角度去聆听音乐，不再仅仅是“听”，而是能够“理解”音乐的语言，去感受作曲家和演奏家在其中倾注的心血和智慧。毕竟，音乐是一种语言，如果我能理解它的语法和词汇，那么我与音乐的交流，一定会更加深刻和丰富。这本书的封面设计也给我留下了不错的印象，简洁而富有艺术感，仿佛预示着里面会有一场关于音乐的探索之旅。我期待着，在阅读的过程中，我的音乐品味能够得到升华，对音乐的理解能够进入一个新的境界。

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