张大千书画鉴定 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:邢捷

出品人:

页数:110

译者:

出版时间:2009-4

价格:39.00元

装帧:

isbn号码:9787530538890

丛书系列:

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好的，这是一本关于中国传统建筑美学的专著简介： --- 《琼楼玉宇：宋代营造法式与空间意境探微》 内容提要 本书以宋代官方建筑规范——《营造法式》为核心文本，结合考古发现、现存古建筑实例与相关文献，对宋代建筑的结构逻辑、技术细节及其所蕴含的审美哲学进行了系统而深入的剖析。全书旨在揭示宋代建筑从单体构件的标准化到整体空间布局的艺术化过程中，所达到的技术成熟度与文化意境的完美融合。 第一章：规制之源——《营造法式》的时代背景与文本结构 本章首先梳理了北宋官方建筑制度的形成历程，重点阐述了李诫主持编撰《营造法式》的历史意义。我们将详细介绍该法式的基本构成，包括“材分制”的确立如何成为贯穿整个宋代建筑体系的技术骨架。通过对比唐代遗存的记载，辨析宋代营造体系在理论化、规范化方面所展现出的时代特征。特别关注其在木构件尺度确定、斗栱层级的处理、以及殿宇等级划分上的严谨性，这是理解宋代建筑风格的基础。 第二章：尺度与比例——“材分制”下的结构美学 “材分制”是理解宋代建筑比例关系的钥匙。本章将深入剖析“材”这一基本模数的设定原理及其在不同建筑组件中的应用。我们将运用几何分析方法，量化分析殿堂、楼阁、亭榭中梁、枋、柱、檩之间的比例关系。重点探讨宋代工匠如何通过精确的比例推演，实现构件之间的和谐共生，而非仅仅停留在简单的等比放大或缩小。通过对《营造法式》中关于“铺作”制度的详细解读，展示宋代建筑在结构受力分析与视觉均衡处理上达到的高超水平，揭示其内在的数学美感。 第三章：斗栱的演变——技术功能与装饰语言的张力 斗栱作为中国古建筑最显著的特征之一，在宋代经历了重要的发展阶段。本章将区分不同等级建筑的斗栱形制，从最基础的三铺作到复杂的五铺作乃至七铺作。我们不仅关注其作为力学传力节点的精确计算，更着重分析其在檐下空间中展现出的韵律感和节奏感。通过对比不同类型建筑（如宫殿、寺庙、园林）中斗栱的细微差异，探讨技术规范如何在工匠的创造性实践中，转化为具有地方特色和审美指向的装饰语汇。 第四章：台基、屋顶与开间——界定空间序列的要素 建筑的外部形象和内部氛围，很大程度上由台基的高度、屋顶的坡度与出檐深度，以及开间（面阔与进深）的布局所决定。本章将聚焦于这些宏观要素的营造规则。分析宋代屋顶形制，特别是“歇山”、“庑殿”在结构上的优化，以及其对建筑体量感的影响。对于台基的处理，将探讨其如何通过高度和出檐的比例，确立建筑在场地中的庄重感和稳定性。最后，结合现存建筑如山西晋祠、河南嵩岳寺塔等实例，阐释开间划分如何服务于内部功能的组织和外部序列的引导。 第五章：室内空间的气韵——藻井、隔扇与光影的艺术 宋代建筑的伟大之处在于其对室内空间的精妙处理，使其摆脱了早期建筑的沉闷感，更趋向于通透、明亮与宜人。本章深入研究室内装饰元素，特别是藻井的结构与图案变化，揭示其从纯粹的遮蔽功能向象征性与装饰性转化的过程。着重分析“隔扇门窗”在宋代的使用，及其在调节室内采光、通风以及实现空间可变性方面的革命性作用。通过对宋画中室内场景的考证，还原古代文人雅士在这些精心营造的空间中，所体验到的独特“气韵”与生活情境。 第六章：营造之外的哲学——宋代工匠精神与自然观的投射 本书的最终落脚点，在于探讨技术理性之外的文化内涵。宋代是中国文化审美趣味高度成熟的时期，其建筑哲学深刻体现了士大夫阶层的审美取向——内敛、含蓄、崇尚自然与中和之美。我们将分析《营造法式》中对“合乎自然”的隐性要求，以及工匠们如何在严格的规制下，通过对木材纹理的尊重、对色彩的克制使用，最终将冰冷的结构转化为具有生命力的艺术品。探讨宋代建筑如何体现“天人合一”的传统观念，并与其同期的文学、绘画艺术形成相互印证的文化景观。 本书特色： 以法式为纲，以实例为证： 将复杂的规范文本与清晰的实物图解、测绘数据相结合，实现理论与实践的紧密对接。 结构与审美的统一视角： 避免将建筑史仅仅视为技术史或艺术史，而是探讨技术细节如何主动塑造了宋代独特的空间审美。 图文并茂的解析： 包含大量作者重新绘制的结构剖面图、比例分析图，以及现存古建的测绘照片，便于读者理解其复杂的空间逻辑。 适读人群： 中国古代建筑史研究者、文物保护与修复专业人士、古建筑爱好者、以及对宋代文化与审美思潮感兴趣的广大读者。本书旨在为理解中国传统建筑的成熟期提供一把深入其核心精神的钥匙。 ---

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如果从一个长期关注艺术品市场的角度来看，这本书的价值在于它对市场乱象的冷静剖析和对“盲目跟风”现象的有力反驳。作者似乎毫不留情地揭示了一些行业内的潜规则和常见误区，比如如何识别那些刻意模仿笔意但缺乏神韵的仿作，以及市场中那些被过度炒作的“概念性”作品。这种直面现实的勇气，使得整本书的论述充满了力量感和可信度。它不是在为谁背书，而是站在历史和艺术本体论的制高点上进行批判性审视。对于那些希望在收藏领域走得更远、更稳健的人来说，书中关于风险评估和自我设限的章节，比任何一本市面上的投资指南都来得更为真诚和实用。它提供的是一种“免疫力”，帮助读者建立起健康的艺术品认知体系，抵御外界的喧嚣与诱惑。

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这部作品的装帧设计真是让人眼前一亮，光是拿到手里，那种沉甸甸的质感和封面油墨散发出的淡淡墨香，就足以让人感受到出版方在细节上的用心。内页的纸张选择也极其考究，既保证了色彩的还原度，又便于长时间的翻阅和品鉴，这对于任何一个钟爱艺术书籍的人来说都是一种享受。我尤其欣赏它在版式编排上的匠心独运，每一幅图像的留白都恰到好处，使得原本就气韵生动的作品在书页上更显灵动，仿佛隔着纸张都能感受到那份笔墨的温度。它不仅仅是一本记录艺术的工具书，更像是一件精心雕琢的工艺品，即便是随意摆放在书架上，也能为整个阅读空间增添一份古典雅致的氛围。这种对实体书形态的尊重与极致追求，在当下这个数字阅读盛行的时代，显得尤为珍贵和难得。它让我们重新拾起了对“物”的欣赏，体会到实体阅读带来的独特仪式感和满足感。

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我花了整整一个下午的时间沉浸其中，最大的感受是作者在阐述问题时的那种旁征博引和逻辑的严密性。书中对于不同时期、不同题材作品的比较分析，绝非简单的罗列或主观臆断，而是建立在对历史背景、材料科学乃至画家个人心境的深刻理解之上。举例来说，作者在讨论某一特定时期山水画的用墨变化时，会追溯到当时气候、矿物颜料的产地变迁，这种跨学科的论证方式，极大地拓宽了读者的视野，让人明白艺术的生成绝非孤立事件。文字的行文节奏把握得非常到位，时而如涓涓细流般娓娓道来，细致入微；时而又如惊涛拍岸般，在关键节点给出掷地有声的论断，引人深思。这种张弛有度的叙事策略，使得原本可能枯燥的学术探讨变得引人入胜，即便是初涉此领域的读者，也能顺畅地跟随作者的思路，领略到深层的艺术奥秘。

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这本书的编印质量，特别是对所引用图像的忠实再现，让我深感震撼。在鉴定学范畴内，图像的清晰度和色彩的精准性是决定性因素。我将书中呈现的几幅关键作品的局部细节，与我在线上数据库中检索到的权威资料进行了比对，发现其对原作墨色层次的还原度极高，尤其是那些浅绛色渲染或浓淡干湿微妙变化的过渡区域，几乎达到了“可信”的程度。这无疑是汇集了顶尖的印刷技术和严格的校对流程才能达成的效果。很多时候，鉴定所需的线索就隐藏在这些微小的色差和笔锋的收尾处，而本书成功地将这些“秘密”清晰地呈现在读者面前，使得理论学习能够立即与视觉证据挂钩，这极大地增强了学习的有效性和代入感，是其他印刷品难以比拟的优点。

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阅读过程中，我最大的收获在于它提供了一套系统性的、可操作的鉴赏框架，这对于那些渴望提升自我判断力的爱好者来说，简直是如获至宝。它没有给出那种“只要看到这个特征就是真迹”的简单公式，反而教导读者去观察“气韵”——那种难以言喻的生命力和内在精神的流动。书中对于笔触的力度、墨色的层次变化、款识的入纸深浅等微观细节的分析，细致到令人咋舌。我特别留意了作者如何区分不同时期款字“落款”时的心境差异，这一点非常巧妙，因为艺术家的精神状态往往直接映射在书写习惯上。这种由表及里、由形溯神的探索路径，极大地提升了读者的审美自觉性，让人不再满足于表面的“像不像”，而是开始追问“为什么这样”。这种深入骨髓的教育意义，远远超出了单纯的知识传授范畴。

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我读的是老版本，但坦率地讲内容一般。有关鉴定的内容不算太大篇幅，有关张大千生平的相对较多。

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