朱膺油画艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海书画出版社

作者:同济大学建筑与城市规划学院编

出品人:

页数:154

译者:

出版时间:2007

价格:150

装帧:

isbn号码:9787807255505

丛书系列:

图书标签:

• 油画
• 艺术
• 绘画
• 朱膺
• 艺术史
• 美术
• 中国美术
• 现代艺术
• 艺术作品
• 技法

好的，这是一本关于中国传统绘画艺术的图书简介，旨在深入探讨中国古代书画的精髓与演变。 《丹青遗韵：中国古典绘画艺术鉴赏与探源》 卷帙浩繁，翰墨流芳：一本穿越时空的艺术之旅 《丹青遗韵：中国古典绘画艺术鉴赏与探源》并非一本简单的艺术史梳理，而是一次对中华民族审美情趣与哲学思想的深度对话。本书力求以严谨的学术态度，结合生动的案例分析与精美的图版呈现，为读者构建一个立体、多维度的中国古典绘画世界。我们聚焦于自魏晋风骨至清末民初的漫长历史长河中，那些塑造了中国绘画独特面貌的关键性转折、核心理论以及标志性艺术家的创作实践。 第一篇：笔墨初肇——奠基与萌芽（魏晋至唐） 本篇追溯中国绘画的源头，探究其如何从早期的宗教壁画与墓室画像中脱胎换骨，独立成为一门重要的艺术门类。重点阐述了“气韵生动”这一核心审美范畴的确立，以及顾恺之、陆探微等早期大师对人物画科的里程碑式贡献。我们详细考察了“随类赋彩”、“传神写照”等理论的形成背景，分析了佛教艺术对早期绘画形式、线条运用及色彩观念带来的深刻影响。此阶段的绘画，是技术与哲思的初次完美结合，为后世的文人画、山水画发展奠定了不可动摇的基石。 第二篇：气象万千——山水画的独立与成熟（五代、宋代） 宋代是中国绘画艺术的黄金时代，尤其在山水画领域，成就斐然，体系完备。本书将详尽分析五代时期巨匠如荆浩、关仝如何开创北方山水“全景式”的雄浑气派，以及南方画家如董源、巨然如何孕育出“卧陂式”的温润秀逸。进入宋代，随着院体画的繁荣，如李成、范宽对自然形态的精微观察，以及郭熙“高远、平远、深远”的理论构建，使得山水画不再仅仅是背景的点缀，而上升为表达宇宙观和人生哲理的载体。我们不仅细致剖析了“皴法”的演变与功能，还探讨了宋徽宗“瘦金体”对绘画线条美学的反哺作用。 第三篇：逸兴遄飞——文人画的崛起与高峰（元代） 元代的绘画史，核心在于“文人画”思潮的全面胜利。面对蒙元统治下的政治环境，士大夫阶层转向精神自洽的艺术表达。本书将深入解析以“元四家”（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）为代表的文人画家如何反叛院体画的程式化，提倡“为我写胸中丘壑”。我们着重探讨了“以书入画”的理论深化，解析了墨分五色的技法在表达文人情操中的独特优势，以及他们对笔墨趣味、意境高远的追求，如何将个人学识、修养与山水景物熔于一炉。 第四篇：形式探索与流派纷呈（明清） 明清时期，绘画艺术进入了一个多元探索与矛盾并存的阶段。一方面，以“浙派”、“吴门画派”为代表的地域性流派成熟，沈周、文徵明、唐寅等人的创作丰富了山水、花鸟、人物的题材与风格。另一方面，董其昌提出的“南北宗论”，虽然在理论上固化了文人画的正统地位，但也引发了后续画家对传统格律的继承与反思。 清代，艺术思潮更为复杂。四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）对元明经典的集大成式整合，代表了学院派的巅峰；而以“四僧”（弘仁、髡残、朱耷、石涛）为代表的个性化表达，则展现了对前人规范的颠覆与重构。特别是石涛“一画论”的提出，强调主观创造性与自我意识的觉醒，为中国绘画注入了强大的现代性因子。本书将详尽梳理这些流派之间的继承、对立与融合，揭示其背后的时代精神。 第五篇：画学研究与技法解析 本篇跳脱出历史的线性叙事，对中国古典绘画的几个核心技术层面进行专门的剖析： 1. 用笔之道： 探讨中锋、侧锋、藏锋、露锋在不同时代和不同画种中的运用规律，以及“骨法用笔”的内涵。 2. 设色与墨法： 区分“随类赋彩”、“随情赋彩”以及水墨的层次变化，解析赭石、花青、藤黄等传统矿物颜料的特性。 3. 章法布局： 论述“计白当黑”的哲学意义，以及如何通过平、上、下三远法在二维平面上创造深邃的空间感。 结语：古韵新声 《丹青遗韵》旨在以扎实的文献考据为支撑，以精准的视觉分析为工具，带领读者体悟中国古典绘画何以能跨越千年，始终保持其旺盛的生命力。它不仅是了解中国艺术史的重要参考书，更是一把开启中国传统哲学与审美意趣之门的钥匙。通过细读这些流传下来的墨宝，我们得以窥见古人如何“不出户而知天下事”，如何将个体生命融入浩瀚的自然与历史之中，实现艺术与精神的永恒对话。 本书适合对中国传统文化、古典艺术鉴赏有浓厚兴趣的广大爱好者、艺术院校学生以及研究中国美学的专业人士阅读。书中配有大量高清晰度的经典画作高清图版，并辅以详细的学术注释与图解，确保阅读体验的深度与广度。

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这本书的深度，完全超出了我原本的期待，它根本不是一本简单的技法指南，而是一部关于**“视觉体验的哲学”**的探讨。作者将色彩与人类的文化、历史、甚至是生物学感知联系起来，提出了一些令人深思的命题，比如“人类的视觉系统在面对数字屏幕与面对自然光照时，其对色彩的忠诚度是否存在根本差异？”。书中对**中西古典绘画中“留白”与“晕染”**的色彩哲学进行了横向比较，这种跨文化的视野非常开阔，让我意识到我们习以为常的色彩规则，在世界其他角落可能完全不适用。我尤其欣赏作者在批判性分析中保持的克制与平衡，他不会武断地宣判某种风格的优劣，而是鼓励读者去探究每一种色彩选择背后的“必然性”。读完后，我感觉自己不仅在学习如何“画”出更美的画面，更是在学习如何“理解”这个由光和粒子构成的世界，这是一种深层次的、洗涤心灵的阅读体验。

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说实话，我对这种理论性很强的书向来敬而远之，总觉得会枯燥乏味，但这本书却意外地引人入胜。它更像是一部**现代艺术史的侧面志**，通过分析几位代表性艺术家的创作历程中的色彩选择，勾勒出了时代审美的变迁。例如，书中对立体主义时期艺术家如何解构色彩以服务于几何形体的论述，视角非常新颖，它不再将立体主义视为单纯的形体革命，而是将其视为一次对传统视觉认知的色彩“爆炸”。作者在论述中穿插了大量一手文献资料和艺术家的私人信件摘录，使得那些冰冷的理论立刻鲜活了起来。最让我拍案叫绝的是关于**“非自然色彩”**的探讨，探讨了野兽派如何主动打破光学定律，用色彩来表达强烈的情感冲击力，这部分内容读起来简直酣畅淋漓，完全可以作为艺术心理学的案例分析。这本书的排版和图例选择也极其用心，那些高分辨率的色彩印刷品，即便是在相对较暗的灯光下，也能让人清晰辨别出画家笔触中微妙的层次变化，阅读体验极佳。

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这本书的结构安排简直是**匠心独运**，完全打破了传统艺术书籍线性叙事的窠臼。它以**“主题情境”**为导向，而非时间线。比如，它会专门开辟一章来讨论“雾天与阴影下的色彩处理”，然后将从巴洛克到当代的所有相关案例放在一起对比分析，这种“打乱重组”的方式，极大地激发了读者的联想能力。我个人认为，它最核心的贡献在于对**色彩情感唤醒机制**的细致描摹。作者通过大量的实验性观察，展示了饱和度、明度和色相的微小调整如何能瞬间改变观者对同一场景的情绪反应，这部分内容对于做广告设计或者电影场景美术的同行来说，绝对是无价之宝。书中配有的图注详实到令人发指，每一个案例的年代、尺寸、所用媒介都标注得清清楚楚，体现出作者严谨治学的态度，使得读者在欣赏图像的同时，也能随时进行学术追溯。

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刚翻开这本关于**色彩理论与应用**的专著，就被作者那种近乎偏执的对光影变幻的捕捉力所震撼了。全书的结构极其严谨，从最基础的色轮构建，到复杂的色彩心理学分析，无不体现出深厚的学术功底。尤其是在探讨**印象派大师们的调色板**那一章节，作者没有停留在简单的罗列技巧，而是深入剖析了他们在特定光照条件下如何通过对比色和补色来营造出空气感和温度感。我特别喜欢他引用的那些早期素描稿，那些未上色的线条本身就蕴含着对形体和体积的深刻理解，为后续色彩的堆叠奠定了坚实的骨架。书中详细介绍了不同颜料的物理特性，比如油性、干结速度以及它们在不同底料上的附着力，这对于想要提升技法的实践者来说，简直是本**实操宝典**。作者的文字冷静而精准，没有过多煽情的辞藻，完全是以一种科学家的态度去解构艺术创作的底层逻辑，读完后感觉自己对“看见”这个动作都有了全新的认知，不再是简单地接收信息，而是学会了如何去“解析”色彩的构成。

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坦白讲，初看这本书的书名，我以为它会是一本偏重于传统**水墨晕染技法**或者**颜料调制**的入门读物，但它带给我的远不止这些。它更像是对**现代视觉传达领域中色彩焦虑症**的一剂清凉药方。作者深刻剖析了在信息爆炸时代，艺术家们如何面临“无限色彩选择”的悖论，以及如何通过回归基础的“色彩秩序”来重建创作的自信。书中关于**数字媒介下的色彩管理与印刷还原**的章节，虽然技术性较强，但作者用极为生活化的比喻，将复杂的色彩空间转换讲解得通俗易懂，这对于习惯于平面软件操作的年轻一代创作者非常有指导意义。读完后，我最大的感触是，这本书最终引导我们回到一个最朴素的命题：最好的色彩，永远是服务于“表达意图”的色彩。它不是教你怎么炫技，而是教你怎么收敛和聚焦，如何让你的每一种色彩选择都掷地有声。

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