Indian Classical Dances (Sterling Book of) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:New Dawn Press

作者:Shovana Narayan

出品人:

页数:78

译者:

出版时间:2004-12-04

价格:GBP 4.99

装帧:Paperback

isbn号码:9781845571696

丛书系列:

图书标签:

• 印度古典舞蹈
• 舞蹈史
• 文化艺术
• 表演艺术
• 印度文化
• 舞蹈研究
• 艺术史
• 传统艺术
• 舞蹈
• 文化遗产

印度古典舞蹈：风格、历史与传承的深度探索 导言： 印度古典舞蹈，并非单一的艺术形式，而是一个由多元传统、精妙技艺与深厚精神内涵交织而成的宏伟宝库。它深深植根于印度的宗教、哲学、社会结构与美学观念之中，历经千年演变，形成了今日令人叹为观止的艺术景观。本书将带领读者穿越时空，深入探索那些构成印度古典舞蹈生命力的核心要素，而非仅仅停留在表面的动作展示。我们将专注于揭示每一种主要舞蹈流派的独特哲学基础、历史脉络、技术精髓以及它们如何在当代语境中焕发生机。 第一部分：古典舞蹈的哲学基石与美学原则 要真正理解印度古典舞蹈，必须首先把握其背后的宇宙观和美学理论。这不仅仅是关于身体的移动，而是关于“表达”（Abhinaya）的艺术——如何通过肢体、面部表情和手印（Mudra）来传达复杂的情感、叙事和精神真理。 1. 婆罗多舞（Bharatanatyam）：结构与精神的交融 婆罗多舞起源于南印度的寺庙传统，其技术严谨性无出其右。本书将详细剖析“婆罗多”（Bhāratam）一词的结构含义——代表了Bhāva（情感）、Raga（旋律/情绪）和Tala（节奏）。我们将深入探讨其基础姿态——“阿丹达拉”（Aḍa Vusai）的几何美学，以及“卡拉纳斯”（Karanas，舞蹈动作单元）的结构逻辑。重点将放在“雅米尼”（Nritta，纯粹的舞蹈）和“阿比奈雅”（Abhinaya，表现性舞蹈）之间的精妙平衡上，以及如何通过“拉萨”（Rasa，审美体验）来触动观众的心灵。 2. 卡塔克（Kathak）：叙事、速度与宫廷的华彩 源自北印度的“卡塔克”（意为“说故事的人”），这种舞蹈形式经历了从寺庙吟游诗人到莫卧儿宫廷娱乐的重大转型。我们将追溯其在北方邦的演变，分析其独特的步伐节奏（Tatkar）的复杂性，这些步伐不仅是技术展示，更是与塔布拉鼓点之间引人入胜的对话。对卡塔克的分析将着重于其“塔卡尔”（Tatkar）的严谨性、旋转（Chakkar）的艺术处理，以及它如何融合了印度教叙事与波斯/莫卧儿的华丽服饰和表演风格，形成一种独特的印度——伊斯兰融合美学。 3. 卡塔卡利（Kathakali）：面具之外的戏剧 卡塔卡利，源于喀拉拉邦，被誉为“动作的戏剧”。本书将详细解析其令人震撼的视觉语言。这不仅仅是舞蹈，更是完整的戏剧体验。我们将系统地介绍其五种基本面部化妆风格（Pacha, Kathi, Thadi, Kari, Minukku），每一种颜色和符号都承载着特定的性格原型——从神圣的英雄到邪恶的恶魔。此外，对“阿塔卡拉姆”（Attakalari）——舞者的身体训练和姿态的深入分析，以及如何通过眼睛、眉毛和嘴唇的微小运动（Netrabhinaya）来讲述史诗故事，是本部分的核心。 4. 奥迪西（Odissi）：雕塑的流动与“三弯”的柔美 奥迪西舞源自奥里萨邦的“玛哈里斯”（Maharis，寺庙舞女），其核心在于其独特的身体姿态——“三弯”（Tribhanga），即身体的三个主要弯曲点。我们将探讨这种姿态如何模仿奥里萨邦著名神庙建筑上的动态雕塑，强调其雕塑感和对“雪林格”（Shringara，爱与美的感官体验）的细腻表达。对“马达拉”（Mridanga）的节奏运用和“乔蒂”（Chhau，一种源于东印度的半古典舞蹈）的影响也将被纳入讨论，以展现奥迪西的地域复杂性。 第二部分：技术核心与表达的语言 印度古典舞蹈的技术体系是建立在精确的数学和生理学基础之上的。本书将超越动作的描述，探究这些技术背后的原理。 1. 手印（Mudras）：无声的词汇 手印是印度古典舞蹈中最精炼的“词汇表”。我们将详细分类和解释主要的阿萨姆尤塔手印（Asamyuta Hastas，单手印）和萨姆尤塔手印（Samyuta Hastas，双手印），并探讨它们如何通过组合来描绘自然景象、神祇、情感乃至抽象的概念。重点在于理解手印并非孤立的符号，而是需要在特定的“巴瓦”（Bhava）语境中才能完整传达意义。 2. 节奏的架构：塔拉（Tala）的复杂性 节奏是印度古典音乐和舞蹈的骨架。我们将解析印度古典音乐中“塔拉”系统的复杂性，例如查普塔拉（Chaturasra Jati）和蒂尼塔拉（Tintala）等常用周期。本书将阐释舞者如何通过脚步的敲击（如婆罗多舞中的“塔特塔姆”）与乐师进行即兴的、智力上的较量，展现其对时间节奏的绝对掌控力。 第三部分：历史的河流与当代的回响 印度古典舞蹈的历史并非线性的进步，而是一系列兴衰、禁锢与复兴的循环。 1. 从圣典到舞台：殖民时期的挑战 我们将回顾如《 नाट्य शास्त्र》（Natya Shastra）这样的早期文本，它们为舞蹈奠定了理论基础。随后，重点讨论在英国殖民统治时期，这些传统舞蹈如何遭受污名化和衰落，以及鲁道夫·施泰纳（Rudolf Steiner）等早期学者对印度艺术的误解。 2. 20世纪的复兴与革新 分析20世纪初的几位关键人物——如卡玛拉黛维·查托帕迪耶（Kamaladevi Chattopadhyay）和多位伟大的“古鲁”（Gurus）——是如何进行“净化”和“重塑”工作，使这些一度被边缘化的艺术形式重新回到主流舞台的。我们将探讨这种复兴过程中不可避免的“经典化”趋势，即艺术形式如何在适应现代剧场环境时，对原有寺庙仪式的某些元素进行了取舍。 3. 当代语境下的对话 最后，本书将审视当代编舞家如何在全球化背景下，将古典技艺与现代舞、爵士乐甚至数字媒体相结合，探索古典舞蹈的适应性与未来。我们不以评判，而是以研究的态度，分析这些跨界尝试如何挑战和扩展了传统“阿比奈雅”的边界。 结论： 印度古典舞蹈是一种活着的历史，它要求舞者不仅是技术精湛的表演者，更是文化、哲学和精神传统的守护者。本书旨在提供一个全面且细致的框架，使读者能够欣赏其形式之美，理解其精神深度，并认识到其在持续演变中的艺术生命力。

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这本书简直是为我这种对印度古典舞蹈一窍不通，却又被其神秘魅力深深吸引的人量身定制的入门指南！我是在一个偶然的机会下，在一家老旧的书店里发现了它，当时就被封面上那张充满力量与优雅的舞者照片吸引住了。拿到手里才发现，这本《印度古典舞蹈》的厚度着实令人满意，装帧精美，纸张质量也无可挑剔，看得出出版方是下了真功夫的。最初我担心内容会过于学术化，充满了我不懂的梵文术语和晦涩的理论，但阅读后完全打消了我的顾虑。作者似乎深谙初学者的心理，没有直接抛出复杂的舞蹈流派划分，而是从印度文化的源头——宗教、神话故事——娓娓道来，巧妙地将舞蹈的起源与其精神内核联系起来。例如，书中对“娜迦”和“湿婆”在舞蹈中的象征意义的阐述，让我一下子明白了为什么有些手势（Mudra）看起来那么复杂，背后竟然蕴含着如此深厚的哲学思想。它不仅仅在教你“怎么跳”，更重要的是在告诉你“为什么这样跳”。那种由内而外的文化渗透感，远比那些只注重动作分解的书籍来得更有价值。我花了整整一个周末沉浸其中，感觉自己仿佛穿越时空，亲身站在了泰米尔纳德邦的寺庙前，聆听着古老的钟声，那种体验是无与伦比的。对于想要建立一个完整知识体系的舞蹈爱好者来说，这本书绝对是打下坚实地基的首选。

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我购买这本书的初衷其实是想解决一个困扰我多年的问题：如何系统地学习并理解那些复杂的节奏体系。我之前尝试过一些在线课程，但往往只是机械地重复口令，对于背后的数学逻辑和乐理基础一笔带过。这本书的处理方式则完全不同，它在讲解“塔拉”（Tala，节奏周期）时，简直就像一位耐心的高等数学老师。它没有直接跳入复杂的拍子数，而是先用图表和清晰的口述，解释了如何通过手掌的拍打和手指的计数来构建一个稳定的时间框架。更妙的是，书中还穿插了对印度传统乐器——特别是手鼓（Tabla）和双面鼓（Mridangam）——在舞蹈伴奏中的作用的剖析。它解释了为什么在某些特定的“卡兰”（Karan，基本舞步组合）之后，鼓点需要进行某种特定的切分或加速。这种将舞蹈动作与音乐结构紧密联结的叙述方法，极大地提升了我对节奏感的理解深度。现在，当我再听到一段古典音乐时，不再是茫然地跟着旋律走，而是能隐约感知到其骨架——那个看不见摸不着的、由时间构筑起来的精妙结构。这种从“模仿”到“理解”的跨越，是这本书带给我的最宝贵的财富。

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说实话，我是一个对“美学”和“形式”有着近乎苛刻要求的人，很多舞蹈书籍的配图总是让我大失所望——要么是模糊不清的黑白照片，要么就是角度单一，根本无法捕捉到肢体语言的精髓。然而，这本《印度古典舞蹈》在视觉呈现上，堪称教科书级别的典范。我尤其欣赏它对于不同舞蹈风格（比如卡塔克、婆罗多舞）的区分，它没有简单地用文字描述，而是通过对比精选的高清彩色剧照，直观地展现了服装、妆容乃至舞台布景的巨大差异。让我印象深刻的是它对“面部表情”（Abhinaya）的详尽解析，书中居然专门开辟了一章节，配有大量的面部特写图，详细标注了“拉（Rasa，情感）”与“巴瓦（Bhava，心境）”对应的眼部和嘴角肌肉的微妙变化。这种对细节的极致追求，简直是艺术家的福音。我发现即便是重复阅读某一部分，总能捕捉到之前忽略的细微之处。这本书的设计者显然深知，舞蹈的美很大程度上在于其瞬间的定格和流动的转换，而这些图片和版式布局的专业性，完美地捕捉了这种动态的美感。它成功地将那些转瞬即逝的艺术表达，用印刷媒介固化了下来，让远在千里之外的我，也能感受到舞台上光影交错的震撼力。

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我是一个非常注重实践操作的舞者，对我来说，一本好的教材必须是可以在练习室里被“使用”的，而不是只能供在书架上“供奉”的。这本书在这方面的设计也体现了极高的专业水准。它在讲解每个主要流派的基本“阿瓦尔塔”（Avarta，循环）和“阿丹达”（Adanda，基础姿态）时，使用了大量带有角度指示的线条图和人体骨骼标记，这比单纯的照片要清晰得多，尤其是在学习那些需要精确身体对齐的站姿和手位时。此外，书中附带的补充阅读材料清单和推荐的音乐唱片目录，简直是为我打开了新世界的大门。这些推荐不是随便列出的，而是与书中具体章节内容高度关联的，比如提到“卡塔卡里的面具艺术”后，后面紧跟着就是推荐聆听的特定“拉格”（Raga，旋律框架）。这种系统性的、可操作的学习路径，让原本看似庞杂的知识体系变得井井有条。读完这本书，我不再是那个盲目摸索的初学者，而是一个拥有清晰路线图的探索者，这本书完全有资格成为任何严肃的印度古典舞蹈学习者的案头必备工具书。

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坦白讲，我购买这本书时，是抱着一种“姑且一试”的心态，因为市面上太多关于异域文化的书籍都存在“文化挪用”或“肤浅描绘”的问题。我期待它能提供一些历史背景，但并未指望它能深入到编舞和教学法的层面。然而，这本书的深度远超我的预期。它有一块内容是专门讨论“当代印度古典舞蹈”的演变与挑战的。作者不仅仅是停留在对传统形式的颂扬，而是非常客观地分析了在全球化背景下，古典舞蹈如何与现代舞、西方戏剧进行融合与碰撞。书中引用了许多当代印度艺术家的访谈记录，讨论了他们如何在坚守“湿婆之舞”的古老精神内核的同时，拓展表达的疆界。这种对历史的尊重与对未来的审慎探索并行的态度，让我对这部艺术形式的生命力有了更深的信心。它没有把印度古典舞蹈描绘成博物馆里的古董，而是展现了一个充满活力、不断呼吸和成长的活态文化。这本书提供了一个批判性的视角，让我明白，真正的艺术传承，必然包含着对传统的继承与对时代的呼应。

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