诗佛王维写意/唐诗三大家写意

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isbn号码:9787532545438
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具体描述

有“诗佛”之称的唐代诗人王维,其诗歌艺术因空灵流动的深邃意境而有“诗中有画、画中有诗”之誉。本书即通过诗、书、画三美合璧,为您带来一场诗情画意的王维诗意饕餮盛宴。全书由唐诗学专家赵昌平先生精心挑选25首王维最经典的诗作,特邀书画名家傅益瑶女士、张伟生先生分别用绘画、书法的形式,对每首诗歌意境进行精艺的书绘艺术再现,加上赵昌平先生隽永精当的诗意品析,诗、书、画交相辉映,让您在欣赏王维经典诗作精华的同时,更能融入其中的意境,深入体会诗、书、画三美并俱之美感与内涵。

《墨海扬帆:中国山水画的意境之美》 内容提要: 本书深入探讨了中国山水画的核心美学——“意境”。不同于西方绘画侧重于对客观物象的精确摹写,中国山水画追求的是“胸中山水”的表达,是将画家的哲学思考、情感寄托与自然景物巧妙融合的艺术实践。全书以时间为轴,以风格演变为线索,系统梳理了自魏晋至近现代山水画的发展脉络,重点分析了唐宋元明清各大家如何通过笔墨语言,在宣纸之上构建起属于他们自己的精神家园与宇宙图景。 第一章 溯源与奠基:山水画的哲学底色 山水画并非始于画,而是植根于中国古代的哲学思想,尤其是道家与儒家的宇宙观。本章首先追溯山水画的萌芽,探讨魏晋时期士人阶层对自然的审美转向。在社会动荡与个体生命哲思的背景下,山水成为了安顿心灵的“桃花源”。我们着重解析了谢赫的“气韵生动”原则,它如何成为衡量山水画高下之准绳,以及“可游、可居、可观”的审美诉求如何影响了早期山水画的构图与空间处理。本章将通过对顾恺之、宗炳等早期理论家的论述分析,揭示“可行、可望、可游、可居”的理论是如何指导早期山水画从单纯的景物描绘向精神寄托的转变。 第二章 唐宋之变:初祖的开创与巨匠的辉煌 唐代山水画的成熟标志着其从人物画的配角地位中独立出来。本章细致考察了李思训的青绿山水与王维的水墨山水,分析了两种截然不同的笔墨语言如何共同构建了唐代山水画的两大基石。重点分析了“南宋北宗”的初步分野及其内在的艺术联系。 进入宋代,山水画迎来了黄金时代。本章聚焦于“荆关派”的巨擘——荆浩与关仝。他们如何将北方山势的雄伟与北方士人的沉郁气质相结合,创造出雄强、博大的北方山水风格。随后,我们深入分析了董源、巨然为代表的“江南画派”,探讨他们如何将温润的江南丘陵,转化为氤氲迷蒙、富有生命力的“披麻皴”的艺术母题。 宋代大家如李成、范宽的成就被置于核心位置。范宽《溪山行旅图》中那“如临其境”的压迫感与敬畏感,是如何通过对巨石、云雾、与人物比例的精心安排而实现的?本章力图解析这些经典作品背后的结构逻辑和笔墨技巧。 第三章 元代文人画的崛起与笔墨的自觉 元代是山水画发展史上一个决定性的转折点。随着蒙古统治的建立,汉族士人退居山林,艺术创作成为他们批判现实、寄托气节的主要途径。“文人画”理论的成熟,使得山水画的重心彻底从“形似”转向“写意”。 本章集中探讨了“元四家”——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙的艺术成就。我们将比较他们各自不同的笔墨语言:黄公望的“平淡天真”,吴镇的“墨韵雄健”,倪瓒的“疏简枯寒”,以及王蒙的“繁密厚重”。特别关注倪瓒的“一笔画”及其背后对人际关系的疏离感和对古人风骨的追慕。这一阶段,山水画不再是描绘眼前的风景,而是画家心性的投射,笔墨的运用本身就成为了情感的载体。 第四章 明清:复古、创新与地域风格的定型 明代绘画呈现出多元化的发展趋势。本章首先分析了“浙派”的写实风格与“吴门画派”的文人雅趣之间的张力。沈周与文徵明的融合与发展,如何将元代文人画的笔意进一步推向精致与典雅。 紧接着,我们进入“董其昌时代”。董其昌提出的“南北宗论”对后世影响深远,本章将细致剖析他如何构建“以书法入画”的理论体系,以及他对元代文人画的推崇,如何塑造了后世评判山水画的标准。 清初的“四王”(王时敏、王鉴、王翚、王原祁)代表了古典主义的高峰,他们致力于“集大成”,将前代名家的笔墨技法系统化、程式化。本章将分析他们如何通过对古人“皴法”与“点苔”的精妙组合,营造出既传统又富于变化的艺术面貌。而以石涛、八大山人为代表的“个性派”,则以其强烈的反传统精神和饱满的生命力,为山水画注入了新的活力,他们的笔墨探索预示了现代水墨的变革方向。 第五章 笔墨语言的解码:皴、擦、点、染的奥秘 本章脱离时间线,进行专题分析,聚焦于山水画技法的核心——笔墨语言。 皴法: 详细解析从披麻皴、斧劈皴到荷叶皴、解索皴等数十种皴法的起源、应用场景及其所表达的情感倾向。分析不同皴法对山石肌理和体积感的塑造作用。 点苔与渲染: 探讨墨分五色的奥秘,以及如何利用焦、浓、重、淡、清的墨色变化,在二维平面上创造出三维的空气感与湿度感。点苔的轻重缓急,如何传达季节与时间流逝的感觉。 章法与空间: 剖析中国山水画特有的“三远法”(高远、深远、平远)的结构原理,以及如何通过“留白”——中国艺术中最独特的手法——来营造无限的意境与深邃的空间感。 结语:当山水成为心象 本书最后总结了中国山水画从自然之景到心灵之境的演变历程。山水画的魅力,在于它要求观者不仅用眼睛去看,更要用心灵去体悟。它不仅描绘了山川的形态,更承载了中国文人对宇宙秩序、生命短暂与永恒的深刻思考。通过对这些经典作品的深入解读,读者将得以领略中国传统艺术中那份独特的、含蓄而博大的“意境之美”。 目标读者: 艺术史爱好者、国画学习者、对中国传统哲学与美学感兴趣的读者。本书力求在学术严谨与阅读趣味之间取得平衡,旨在帮助读者跨越历史的鸿沟,真正走进中国山水画的内心世界。

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读后感

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**语言的质感(四):** 阅读此书时,我多次停下来,反复咀嚼某些短语和句子。这本书的文字,有一种奇特的“颗粒感”和“流动性”并存的特质。它既有古典文言的凝练和力度,又保持了现代人能够接受的优雅流畅,绝非简单的堆砌辞藻或生硬模仿古风。读起来,我能清晰地感受到作者在遣词造句上所下的苦心——每一个动词、每一个形容词似乎都经过了无数次的斟酌和替换,最终才定格于此。这种对语言的敬畏,使得阅读过程本身成为一种享受。它不像那些口语化的作品那样直白,也不会陷入故作高深的泥潭,而是恰到好处地停留在“可解”与“待悟”的临界点。这种高水准的文本构建,让我确信作者对所论主题的理解绝非浅尝辄止,而是已经达到了炉火纯青、返璞归真的境界。

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**心绪沉淀(二):** 在快节奏的现代生活中,能够静下心来阅读一本需要反复揣摩的作品是种奢侈。这本书的整体氛围,仿佛自带一种宁静的场域。我注意到,即使是初翻的几页,那种古典的韵味和淡泊的意境便已悄然渗透出来。它没有一上来就抛出晦涩难懂的理论,而是像一位温和的引路人,引领读者步入一个更深远的文化层次。我体验到一种难得的心流状态,仿佛时间都变得缓慢而有意义。这种感觉在读很多同类主题的书籍时是缺失的,那些书往往过于注重知识点的罗列,而这本书显然更注重“气韵”的构建。我甚至会合上书本,闭目沉思片刻,去回味刚才读到的某个意象或某句话带来的触动。这种与作者进行精神对话的深度,着实令人着迷。这本册子似乎在无声地告诉我们,真正的美,需要时间去品味,去感悟,而不是一扫而过。

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**引发的联想空间(五):** 这本书的厉害之处在于,它给了我足够的空白和留白去进行个人的二次创作。它并非将所有意象都描摹得无边无际,而是巧妙地留下了一些“钩子”,牵引着我的思绪飞向更远的地方。读到某些段落时,我脑海中会自然而然地浮现出宋元山水画的意境,或是听到空灵的古琴声。这种能激活读者主体想象力的作品,才是真正有生命力的。它成功地跨越了文字的物理界限,直接触碰到了读者的审美核心。我感觉这本书与其说是在讲述一个既定的主题,不如说是在提供一个启动“审美体验”的密钥。它不告诉我该如何感受,而是提供了一种感受的“可能”。这种开放性和极强的内省引导能力,是我在其他许多同类书籍中极少见到的。这让我非常期待深入探讨其核心思想时,能获得怎样的心灵震撼。

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**读后感悟(一):** 这本书的装帧设计实在是令人眼前一亮,初拿到手时,那种厚重感与雅致的书卷气扑面而来。内页纸张的质感上乘,墨色印刷清晰,即便是对于我这种有些老花的读者来说,阅读起来也毫无压力。更值得称道的是,排版布局的处理,大量留白的应用恰到好处,使得原本密集的文字在视觉上得到了极大的舒展,读起来心境也随之开阔。它不像某些学术著作那样,将内容堆砌得密不透风,而是有意识地营造出一种可以“呼吸”的阅读空间。这种对实体书美学的极致追求,本身就是对内容尊重的一种体现。每次翻开它,都像是在进行一次仪式,让人不自觉地放慢节奏,沉浸其中。虽然我还没有深入探究其具体文字内容,但仅凭这种对阅读体验的精心打磨,就已经让我对作者试图传达的意境充满了期待。它不仅仅是一本书,更像是一件值得收藏的艺术品,摆在书架上都自成一景。这无疑是出版界对“阅读的物质性”给予的最高敬意,也暗示了其内容必然也是经过反复推敲和精心雕琢的。

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**结构之妙(三):** 这本书的章节划分和逻辑推进方式,体现出一种不同于线性叙事的匠心。它似乎更倾向于围绕某个核心的“意”点进行螺旋式的深入和拓展,而非简单的时间或主题顺序。每一部分之间的衔接都处理得极其圆融,不像硬生生的段落拼接,而更像是水到渠成,前后照应。这种结构安排,反而更贴合艺术欣赏的体验——我们不会总是在一条笔直的路上行走,而是常常在不同的角度去观察同一主体。我能感受到作者在编排整体脉络时所下的苦功,既要保持整体的和谐统一,又要确保每个单元都能独立闪光。这需要极高的掌控力,既要宏观布局,又要微观精雕细琢。这种由内而外散发出的秩序感和美感,让人对其文字内容的深度和广度更加信服,它显然不是仓促成书的产物,而是一场精心策划的精神漫游。

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可以好好把玩欣赏。

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图配的挺好的。

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诗好字好

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图配的挺好的。

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图配的挺好的。

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