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出版者:Oxford University Press

作者:Ian Chilvers

出品人:

页数:653

译者:

出版时间:2006, 3rd edition

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9780199213429

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艺术与艺术家简明词典：一份超越时间与流派的视觉探索指南 书籍名称：《艺术与艺术家简明词典》（Concise Dictionary of Art & Artists） --- 导言：穿越时空的视觉对话 本书并非对既有艺术史的简单复述或对既有艺术词汇的机械罗列。它是一份精心编纂的地图，旨在引导读者穿梭于人类文明的宏大画廊之中。从史前洞穴壁画的神秘低语，到当代数字艺术的瞬息万变，我们试图捕捉那些定义了人类审美追求和文化表达的精髓。 我们深知，任何试图将浩瀚的艺术史浓缩于一册之中的努力都伴随着取舍的艰难。因此，《艺术与艺术家简明词典》的创作宗旨在于“精要”与“洞察”，而非“包罗万象”。我们相信，真正的理解并非源于知识的堆砌，而是源于对关键概念、决定性人物以及转折性运动的精准把握。 第一部分：流派与运动的脉络梳理 (The Chronology of Styles) 本书花费大量篇幅来系统梳理西方乃至全球艺术史中那些具有里程碑意义的艺术运动。我们力求避免将这些运动简化为枯燥的年代标签，而是深入探讨它们产生的时代背景、核心哲学主张以及对后世产生的深远影响。 古典主义与新古典主义的理性之光： 我们将追溯古希腊雕塑的理想化人体比例，分析其如何被文艺复兴的巨匠们重新发现并加以改造。接着，我们将探讨启蒙运动时期，新古典主义如何以其对秩序、清晰和道德教化的追求，成为对抗洛可可浮华的坚实壁垒。重点分析雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）在法国大革命中的媒介作用，及其对政治宣传美学的奠基。 浪漫主义的激情与想象力的解放： 与新古典主义的理性对立，浪漫主义的条目将侧重于个人情感、崇高（The Sublime）、自然力量的不可抗拒性，以及对异域文化的迷恋。德拉克洛瓦（Delacroix）的色彩爆发、戈雅（Goya）对人类黑暗面的深刻揭示，以及特纳（Turner）对光影的诗意捕捉，将构成这一部分的重点案例。 现代性的黎明：印象派与后印象派的感官革命： 这一部分是理解当代艺术的基石。我们详细剖析印象派如何将画室的束缚打破，将目光投向瞬间的光影变化和日常生活的真实体验。莫奈（Monet）对光线的物理性研究，以及塞尚（Cézanne）对形式结构的几何化重构，特别是他“以圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”的宣言，如何为立体主义播下种子，将被详尽阐述。 二十世纪的破碎与重构： 从立体主义（Cubism）对单一视角的颠覆，到野兽派（Fauvism）对色彩独立于现实的颂扬，再到表现主义（Expressionism）对内心焦虑的呐喊，我们将逐一拆解这些“主义”如何共同绘制出二十世纪初的文化版图。达达主义（Dada）的反艺术立场及其对杜尚（Marcel Duchamp）现成品（Readymade）概念的奠基，将作为对传统艺术定义的一次重大挑战来深入探讨。 抽象艺术的纯粹追求： 从康定斯基（Kandinsky）对色彩和线条精神价值的探索，到蒙德里安（Mondrian）对绝对和谐的几何秩序的追求，我们将区分抒情抽象与几何抽象的内在差异，并分析它们如何试图将艺术从对外部世界的模仿中彻底解放出来。 战后艺术的多元爆发： 抽象表现主义的战场转移至纽约，波洛克（Pollock）的行动绘画（Action Painting）如何成为一种存在主义的表达，以及罗斯科（Rothrop）的色域绘画（Color Field）所营造的冥想空间，都将得到细致的描述。同时，我们也不会忽略波普艺术（Pop Art）对消费文化和大众图像的戏仿与挪用，安迪·沃霍尔（Andy Warhol）和李奇登斯坦（Lichtenstein）的工作将被置于社会语境中进行考察。 第二部分：艺术家的生命线与创作哲学 (The Architects of Vision) 本书的第二个核心价值在于对关键艺术家的深度聚焦。我们避免提供冗长而空洞的生平传记，而是侧重于他们的核心创作理念、标志性技巧，以及他们如何与其所属的时代进行对话。 对于每一位重要的艺术家，我们都力求提炼出其作品中“不可替代”的元素： 莱昂纳多·达·芬奇： 不仅是文艺复兴巨匠，更是科学观察者与解剖学家。《蒙娜丽莎》中的晕涂法（Sfumato）如何成为其对视觉模糊性的哲学思考的体现。 伦勃朗： 对“内在光芒”的捕捉能力。我们分析他如何利用强烈的明暗对比（Chiaroscuro）来揭示人物的心理深度，而非仅仅制造戏剧效果。 卡拉瓦乔： 他的自然主义倾向和对平民模特的偏爱，如何挑战了当时的宗教艺术的理想化规范。 梵高： 他的笔触（Impasto）不仅是颜料的堆积，更是能量的释放。我们探讨其作品中色彩的象征性语言，以及其精神状态与绘画实践的紧密耦合。 毕加索： 分析他如何从蓝色时期、玫瑰时期过渡到立体主义的构建过程，强调他作为一名“视觉炼金术士”不断解构和重组现实的能力。 弗里达·卡洛： 她的自画像如何超越了简单的自恋，成为痛苦、身份认同与墨西哥文化熔炉的强力宣言。 对于当代艺术家，我们更关注其媒介实验和跨学科的融合：摄影、装置艺术（Installation Art）、行为艺术（Performance Art）中的关键人物，他们的作品是如何挑战美术馆的传统边界，并引发社会评论的。 第三部分：核心术语与技法解析 (The Lexicon of Creation) 艺术的理解离不开其载体和工具。本书的词汇部分经过严格筛选，确保收录的术语既是历史性的，也是当代语境下依然活跃的关键概念。 技巧与材料： 从湿壁画（Fresco）的复杂性、坦培拉（Tempera）的细腻，到油画（Oil Painting）中颜料层（Glazing）的运用，我们将提供清晰的技法描述。特别地，我们将区分蚀刻（Etching）、凹版印刷（Intaglio）和石版画（Lithography）在版画制作中的技术差异。 美学概念： 对于“崇高”（Sublime）、“再现”（Mimesis）、“审美距离”（Aesthetic Distance）、“原初性”（Primitivism）等理论性术语，我们将提供扎根于经典文本的精确定义，并辅以具体的艺术案例加以阐释，确保读者能够理解这些抽象概念在实际艺术品中的投射。 建筑与雕塑的结构语言： 建筑条目将聚焦于结构语言而非单纯的装饰，例如分析拱券（Arch）、扶壁（Flying Buttress）在哥特式建筑中的功能性与象征性。雕塑部分则会辨析圆雕（In the Round）、浮雕（Relief）及其不同深度（浅浮雕、高浮雕）的视觉效果。 结语：面向未来的视野 《艺术与艺术家简明词典》的最终目标，是激发读者将这些知识转化为一种更具批判性和感知力的观看方式。艺术不是历史的遗物，而是不断被重新解读的文本。我们希望，手持此书的读者，无论是在面对古典杰作，还是在探索新兴媒体艺术时，都能拥有一套清晰、可靠的工具，去发现那些隐藏在色彩、形式和材料背后的、人类永恒的创造冲动。这是一次精炼的旅程，旨在点亮通往更深层视觉理解的大门。

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作为一名美术专业的学生，我对于工具书的要求是既要有学术的严谨性，又要有日常查阅的便捷性。这本书的排版设计简直是教科书级别的典范。字体清晰，留白得当，最重要的是索引系统做得极其智能。我经常需要在课堂笔记和论文写作之间快速切换，这本书的词条长度控制得恰到好处——既能提供足够深入的解释，又不会长到让人失去耐心去阅读那些与当前主题关联不大的背景信息。而且，书中对于那些容易混淆的概念，比如“形式主义”与“抽象表现主义”在不同语境下的细微差别，都有非常精确的区分和界定。在准备期末考试的那段时间，我几乎是把它当作一本“随身携带的专家顾问”。它让我得以在短时间内快速回顾和确认大量的历史事实和风格特征，极大地提高了我的学习效率，避免了因术语理解偏差而导致的错误论述。

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这本书简直是艺术学习的“及时雨”！我最近刚开始涉足艺术史领域，那些专业术语和复杂的流派名称简直让我头大。原本以为要啃下好几本厚厚的教科书才能摸清门道，没想到这本书的结构和内容组织得如此清晰。它不像那些学院派的著作那样高高在上，而是用一种非常直白易懂的方式，把从文艺复兴到当代艺术的脉络梳理得井井有条。我特别喜欢它对关键艺术家生平和代表作的介绍，虽然篇幅不长，但信息密度极高，而且选取的都是最具代表性的案例，让我能够迅速建立起对不同艺术时代的宏观认知。比如，当我查阅关于印象派的资料时，它不仅列出了莫奈、雷诺阿等主要人物，还简明扼要地解释了他们是如何从传统绘画中脱离出来，以及光影在他们作品中的革命性运用。对于一个初学者来说，这种“少即是多”的编排哲学非常友好，它避免了信息过载带来的焦虑感，让我在探索艺术世界的初期就能建立起坚实而自信的基础。

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我是一个业余的艺术品收藏家，我的兴趣点非常集中在某个特定时期——20世纪中叶的欧洲设计与装饰艺术。我寻找的不是一本宏大的艺术史全集，而是一本能够精准定位到那个小众领域的“微观地图”。这本书的表现超出了我的预期。虽然它是一本“概览”性质的词典，但令人惊喜的是，它在涉及设计史的部分，对于材质、工艺以及特定设计流派（如斯堪的纳维亚的现代主义家具或意大利的“激进设计”）的描述，深度和广度都达到了令人赞叹的水平。它不仅仅是列出设计师的名字，更会提及他们常用的材料特性和当时的社会经济背景如何影响了他们的作品风格。这对于我进行藏品鉴别和价值评估时，提供了非常宝贵的、立即可用的知识点，使我的收藏决策更加基于专业的理解而非单纯的个人偏好。

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这本书给我的最大感受是它的“现代感”。我本来以为一个“艺术词典”会是一个很沉闷的参考工具，但这本书的选材和视角显然是与时俱进的。它没有停留在传统的西方古典艺术叙事中，而是大胆且审慎地纳入了全球化的艺术图景。例如，它对非洲当代艺术、拉丁美洲的壁画运动，乃至数字艺术和行为艺术的早期萌芽都有相当专业的收录和阐释。这对于我们理解当代艺术的多元性和复杂性至关重要。我发现，在很多其他词典中被忽略的非西方艺术家的名字，在这里都能找到精准的定位和介绍。这种包容性视角让我在撰写关于全球视觉文化变革的报告时，能够有更丰富、更具批判性的论据支撑，而不是仅仅依赖于单一的欧洲中心论视角。

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我是一个资深艺术爱好者，主要关注现当代艺术的展览和拍卖市场。说实话，市面上很多词典类工具书，对于我这种已经有一定积累的人来说，往往显得有些“浅尝辄止”。然而，这本书的精妙之处在于其“小而全”的平衡。它没有陷入冗长晦涩的理论探讨，而是巧妙地利用其篇幅优势，涵盖了许多我原本以为只有在专业年鉴中才能找到的冷门但关键的术语和运动。我尤其欣赏它对特定艺术运动中那些“边缘化”但影响深远的流派的收录，比如某些地域性的表现主义分支，或者特定时期内昙花一现的设计运动。这让我得以填补了我知识体系中的一些“小空洞”。更重要的是，它的交叉引用做得非常出色，当我查阅一个艺术家时，总能顺藤摸瓜找到与之相关的理论家、收藏家乃至赞助人，这极大地拓宽了我的研究视角，让我能从更立体的社会文化背景下去理解艺术品的产生和价值。

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