遗落的中国古代器具文明 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国社会

作者:都贻杰

出品人:

页数:270 页

译者:

出版时间:2007年

价格:25.0

装帧:平装

isbn号码:9787875087169

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《敦煌石窟壁画中的佛教造像艺术研究》 图书简介 本书深度剖析了敦煌莫高窟石窟群中那些璀璨夺目的佛教造像壁画，旨在揭示其背后蕴含的深刻宗教思想、精湛的艺术技法以及复杂的历史文化变迁。我们并非关注实体文物，而是聚焦于二维平面上的“神圣再现”，探讨图像如何成为信仰传播的载体和艺术风格演进的活化石。 第一章：莫高窟的地理与历史语境：造像的缘起 本章首先将读者带入河西走廊的咽喉——敦煌。详细梳理了佛教自印度东传，经中亚腹地，最终抵达河西走廊的传播路线。重点阐述了敦煌在不同历史时期（十六国、隋、唐、五代、宋、元）所扮演的文化交汇点的角色。我们将探讨这些地理和政治因素如何直接影响了石窟的开凿规模与壁画的题材选择。 不同于考察物质遗存的文献，本章着重分析了开窟造像背后的“动力”——王室供养、地方豪强资助，以及僧侣的传教热情。通过对早期洞窟（如榆林窟、安西榆林窟的部分早期洞窟）壁画风格的考察，我们辨析了犍陀罗艺术、笈多艺术与中原传统在壁画早期形态中的融合迹象，为后续的造像风格演变奠定基础。 第二章：造像题材的分类学与图像志 佛教造像并非千篇一律，而是遵循严格的图像学规范。《造像题材的分类学与图像志》系统梳理了敦煌壁画中所有与“造像”相关的图像类别，并对其进行了严格的界定与分类。 2.1 佛陀的法相（佛画）： 细致入微地分析了释迦牟尼、阿弥陀佛、弥勒佛等主要佛像在不同时期面相、手印（Mudra）、袈裟衣纹处理上的微妙变化。例如，初唐时期佛像的饱满雄健与盛唐时期的雍容华贵之间的风格过渡，以及“褒衣博带”式袈裟的演变轨迹。我们特别关注“三世佛”、“七世佛”的组合布局及其宣示的教义内涵。 2.2 菩萨的现世化： 敦煌壁画中的菩萨像极富世俗魅力。本章深入探讨了观世音菩萨在敦煌的“本土化”历程，从早期偏向男性的印度式菩萨，到中晚期逐渐演变为慈悲的女性形象，并解析了“千手千眼观音”、“水月观音”等复杂变相的结构逻辑。同时，对文殊、普贤、地藏等主要辅佐菩萨的随侍姿态、装饰物（璎珞、宝冠）的文化来源进行了考证。 2.3 罗汉与声闻： 罗汉（阿罗汉）是壁画中描绘数量庞大的群体。本章侧重于“个性化”的描绘——罗汉的“神通”、“禅定”姿态，以及晚期壁画中出现的“写真式”罗汉群像，探讨其对世俗人物肖像画的影响。 第三章：风格的流变：从写实到写意 本章是全书的核心，它通过对不同历史阶段壁画线条、色彩和空间处理手法的对比分析，构建起敦煌佛教造像艺术的风格演变史。 3.1 线描的语言： 中国画的精髓在于线。本章通过临摹件、残存壁画的局部放大图，详细解析了“高古游丝描”、“铁线描”、“兰叶描”等不同线条技法在塑造佛像轮廓和衣褶时的功能与效果。例如，隋代壁画中流畅的“S”形曲线与唐代“骨法用笔”的力度感之间的区别。 3.2 色彩的宗教性与世俗性： 敦煌壁画的矿物颜料是其生命力的保证。我们分析了石青、石绿、朱砂、赭石等颜料的使用规律。唐代壁画中对“晕染法”（特别是用粉法来表现肌肤的立体感）的运用，极大地提升了佛像的“肉感”和真实性，这与早期佛教造像的平面化处理形成了鲜明对比。 3.3 空间感的构建： 早期壁画多采用并列式构图，空间感平面化。而盛唐时期，壁画开始尝试融入“透视”观念，尤其在描绘“说法图”时，围绕中心佛陀的弟子群组开始形成富有层次感的空间布局，这标志着壁画从单纯的宗教符号向叙事艺术的深化。 第四章：背后的匠人与技术细节 本书深入探究了“谁”创作了这些壁画，以及“如何”创作的。我们着重于对壁画制作流程的逆向工程分析，而非对实物壁画的物理检测。 4.1 绘制工具与颜料来源的推测： 基于文献记载和壁画残迹分析，推测了当时画师使用的笔具（狼毫、羊毫等），以及颜料的研磨和调和技术。特别是对“重彩”和“平涂”技法的运用条件进行了技术性讨论。 4.2 匠团的组织与壁画题记： 通过研究散落在洞窟中的供养人题记和少量壁画题记，我们重构了莫高窟的“画工群体”。这不仅是艺术家，更是组织严密的工程队伍。探讨了“匠头”、“画师”、“笔匠”、“帖塑匠”等不同职位的分工协作模式，以及这种作坊式的生产如何保证了壁画的连续性与标准化。 第五章：壁画中的“变相”叙事与世俗伦理 佛教壁画的核心功能是“教化”。本章聚焦于那些复杂叙事性强的变相图，如“佛传故事”、“本生故事”和“因缘故事”。 5.1 故事的视觉转译： 详细解读了“弥勒变”、“观音变”等大型壁画的叙事结构，分析了画师如何将原本冗长拗口的佛经文本，转化为连环画式的、易于理解的视觉语言。 5.2 伦理的投射： 敦煌壁画不仅是宗教画，也是研究中古社会生活和伦理观念的窗口。通过描绘供养人、世俗生活场景（如农耕、宴饮），以及对善恶报应的具象化表现，我们可以清晰地看到儒家伦理、道教思想与佛教教义如何在艺术的表层下相互渗透、相互借用，共同构建了那个时代人们的精神图景。 结语：图像的永恒回响 本书的结论部分总结了敦煌造像壁画对后世中国佛教艺术乃至整个中国绘画史的深远影响，强调了这些二维图像如何超越了时间与地域的限制，成为研究古代宗教信仰、艺术技术和民族融合的宝贵文本。它记录的不是具体的“器具”，而是“信仰的物质化形式”在壁画这一媒介上的极致表达。

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坦白说，这本书的文字风格对我来说，更像是一场酣畅淋漓的思维漫步，而不是一次任务导向的阅读。它跳跃性很强，常常在描述一个宋代的瓷碗时，突然会转到先秦礼器的权力象征意义上，这种看似松散的结构，实则暗含着一条清晰的文明脉络。我读到关于“礼器”的部分时，深感震撼，那些被我们视为古董的东西，在当时是活生生的权力工具、身份标识乃至道德规范的具象化体现。书中的考据工作极其扎实，但作者并没有让那些繁复的文献引用和考古报告压垮文字的灵动性。他总能用一种近乎诗意的语言，将冰冷的文物“激活”。比如描绘汉代漆器的色彩时，那种“千年不晦”的深沉与绚烂，让我在合上书本后，仍然能想象出那种幽暗光线下流淌出的历史光泽。这本书成功地做到了，既满足了专业人士对细节的严苛要求，又让像我这样的普通爱好者能够沉浸其中，领略到中华文化那份绵延不绝的生命力。

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这部名为《遗落的中国古代器具文明》的书，我读完后最大的感受是，它像一扇通往时光隧道的窗户，让我得以窥见那个逝去的、充满匠心与智慧的时代。这本书的叙事方式非常新颖，它不像那种枯燥的学术论著，而是充满了故事感和生活气息。作者巧妙地选取了一些具体的器物——比如那些斑驳的青铜鼎、温润的玉琮，或是描金的漆器——作为叙事的切入点，通过对这些器物纹饰、材质、制作工艺的深入剖析，逐步揭示了当时社会结构、审美情趣乃至哲学思想的变迁。我特别欣赏作者在描述器物时所展现出的那种细腻入微的观察力，仿佛他就是那位古代的工匠，亲手打磨着每一寸表面。阅读过程中，我不断地在脑海中构建着古代的场景：工匠们在昏黄的灯光下，汗水浸透衣衫，却带着近乎宗教般的虔诚，将心中的宇宙秩序刻画在冰冷的金属或温顺的陶土之上。这本书的价值不仅在于保存了知识，更在于它唤醒了我们对“物”的敬畏之心，让我们重新思考“实用”与“审美”的边界，以及器物作为文明载体所承载的厚重历史感。

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这本书的阅读体验，非常考验读者的“共情能力”，或者说，对历史想象力的调动程度。它不是一本图文并茂的教科书，更多的是一种深度的文本引导。每一章的展开都像是在解谜，作者会抛出一个器物，然后层层剥茧，从材料的产地追溯到可能的贸易路线，再到器物上某种特定纹样的哲学意涵。我尤其喜欢其中对“失传技艺”的探讨，比如那些失落的染色配方，或是那些难以复刻的铸造技术。那种“不可复制的珍贵”感，让读者对那些残存的器物产生了近乎膜拜的情绪。书中对于不同地域、不同时期的风格差异对比分析得尤为精彩，例如南北方在陶器审美上的南秀北雄，清晰地勾勒出了早期中国在文化融合与地域特性上的张力。读完之后，我感觉自己对“物”的态度都发生了微妙的改变，不再只是关注它的价值，而是更注重它诞生的那片土地和倾注其中的那份心意。

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这部著作给我的感觉，是极为严谨但又充满了人文关怀的。它的学术基调毋庸置疑，但在诸多晦涩的论点之间，作者穿插了许多富有哲理的思考。它没有停留在“这是什么”的层面，而是深入探讨了“为什么是这样”以及“这对我们意味着什么”。我注意到，书中对一些被忽视的日常用具，如古代的锁具、度量衡器具的描述，篇幅不少，这让我深感惊喜。正是这些看似不起眼的“小物件”，最真实地反映了一个社会的运行效率和民众的生活状态。作者的笔法很沉稳，就像一位经验丰富的老者，娓娓道来，不疾不徐。他没有使用过于煽情的词汇，但字里行间流露出的对逝去文明的惋惜和珍视，却比任何激昂的辞藻都更具感染力。每一次翻页，都像是和一位博学的先贤进行了一次跨越时空的对话，那种充实感是难以言喻的。

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我必须承认，一开始被这本书的名字吸引，是抱着找寻一些关于古代稀有文物的“图鉴”心态去阅读的。然而，这本书远超出了我的预期。它更像是一部关于“中国思维模式如何物化”的宏大叙事。作者的论证逻辑非常清晰，他不是简单地罗列文物，而是构建了一套完整的体系，将器物放置于当时的政治、经济乃至气候环境中进行考察。特别是书中关于“玉器”与“青铜器”在不同朝代职能转换的论述，精妙地揭示了权力核心的转移和国家意识形态的演变。这本书的语言风格是内敛而富有张力的，就像一件制作精良的古董，初看平平无奇，细品之下，才发现其结构之复杂，工艺之精湛。它迫使读者放慢脚步，去理解每一件器物背后的“秩序”，而非仅仅欣赏其表面的华丽。读罢此书，我感觉自己对中国历史的理解，从平面信息摄入，跃升到了三维结构的体悟。

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