简明中国戏曲史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:温宝麟

出品人:

页数:243

译者:

出版时间:2009-2

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787226037911

丛书系列:

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东方戏剧的瑰宝：西方视角下的中国戏曲研究 作者： 艾伦·霍金斯 (Alan Hawkins) 译者： 李文静 出版社： 燕京大学出版社 出版年份： 2023年 --- 内容提要： 本书是一部深入剖析中国戏曲艺术的西方学术力作，作者艾伦·霍金斯教授凭借其深厚的汉学功底和多年在田野中的考察经验，为全球读者构建了一个理解中国戏曲复杂性与丰富性的独特框架。本书聚焦于二十世纪中后期至当代的戏曲发展脉络，特别是戏曲在现代化进程中所面临的挑战、创新与坚守。它并非一部历史梳理式的通史，而是着重于对特定历史时期、流派风格及其社会文化语境的深度剖析。 全书共分八章，结构严谨，论证细密。霍金斯教授跳脱出传统中国叙事框架，采用比较戏剧学、社会学人类学以及符号学等多种西方理论工具，对中国戏曲的表演本体、审美范式、以及其在国家意识形态塑造中的作用进行了批判性审视。 第一部分：戏曲的身体与空间（第一至三章） 第一章：舞台上的“在场”：身体技术与观众感知 本章重点探讨昆曲和京剧在表演美学上的核心差异，但其核心论点在于“身体即文本”。霍金斯详细考察了武生和旦角的训练体系，将其置于身体实践的全球语境下进行比较。他分析了传统戏台空间（如会馆戏台、专业剧场）的物理结构如何塑造了观众的观看方式，并对“程式化”这一概念进行了再定义——并非僵化的模仿，而是一种高度凝练的、具有即时意义转换能力的符号系统。作者特别关注了演员在舞台上如何处理“时间”与“空间”的转换，这种处理方式如何与西方写实主义戏剧形成鲜明对比。 第二章：声腔的地理学：方言、韵味与地域认同 戏曲的“腔调”是其生命之源。本章超越了对传统“四大声腔”的简单介绍，而是将声腔视为一种活态的地域文化地理标志。霍金斯通过对徽州、河北、四川等地的田野录音资料进行声学分析，揭示了不同声腔（如西皮、二黄、昆腔）在音高、节奏和气息运用上的细微差别，并探讨了这些差别如何承载了当地的社会阶层结构和历史记忆。他论述了在推广普通话和统一舞台语言的背景下，地方声腔在“现代化”压力下面临的消亡风险与保护策略。 第三章：服饰的语义场：从身份标识到表演工具 本章运用符号学方法解读戏曲服装。霍金斯认为，戏曲服饰并非简单的历史复原，而是高度浓缩的视觉语言。他详细分析了“蟒袍”、“靠旗”、“水袖”等关键元素，指出它们如何瞬间传递角色的身份、道德属性乃至心理状态。特别值得一提的是，作者将焦点放在了戏装的可操作性上，即服装如何作为表演动作（如“捋髯”、“按剑”）的延伸和强化工具，而不是仅仅作为视觉装饰。 第二部分：流派的张力与时代的脉动（第四至六章） 第四章：流派的生成与危机：梅兰芳体系的再考察 梅派艺术被视为京剧的顶峰，但本章着重于解构其成功的“体制化”过程。霍金斯追溯了梅兰芳艺术如何从个人天赋发展为一套可复制的、面向国际的艺术模式，并探讨了这种模式在随后的几十年中，如何对其他旦角流派产生了“霸权”式的影响。作者关注了早期戏曲理论家如何参与到这种流派规范的构建中，以及在二十世纪八十年代后，年轻一代艺术家如何试图“反流派化”的探索。 第五章：现代性语境下的戏曲剧本重构 本章聚焦于二十世纪中期（特别是解放后到文革前）戏曲改编的浪潮。它没有重复对“样板戏”的政治分析，而是着眼于剧本结构的变化——如何将古典叙事（如才子佳人、神魔斗法）转化为反映时代精神的“新故事”。霍金斯特别分析了“结构简化”、“矛盾尖锐化”以及“角色类型扁平化”的写作策略，并讨论了这种重构对传统戏曲“含蓄”美学的冲击。 第六章：南戏与北曲的边界消融：地方戏曲的跨区移植 本书对“地方戏”的关注，超越了传统对“乱弹”、“花部”的简单归类。霍金斯详细研究了越剧、沪剧等在上海这个文化熔炉中，如何吸收了京剧的表演语汇，并反过来影响了京剧的某些唱法。他强调了广播、电影等大众媒体在加速这些“边界消融”过程中的推波助澜作用，指出戏曲艺术的地域性并非一成不变，而是不断在互动中寻求新的表达张力。 第三部分：传承、全球化与未来展望（第七至八章） 第七章：戏曲的“活遗产”：剧团的社会结构与学徒制 本章是一份细致入微的社会学田野报告。作者深入研究了当代职业戏曲团的日常运作机制、财政压力以及老一辈艺术家与青年演员之间的权力关系。霍金斯对传统的“师徒制”进行了批判性观察，探讨了在市场经济和教育体制双重挤压下，学艺者如何平衡对艺术纯粹性的追求与生存现实之间的矛盾。他将戏曲演员视为一种特殊的“手工艺劳动者”，而非仅仅是艺术家。 第八章：世界的舞台，陌生的观众：戏曲的跨文化传播研究 在国际交流日益频繁的背景下，戏曲如何被非中国观众理解？本章探讨了西方学者和导演（如彼得·布鲁克、阿丽亚娜·门希科夫）在将中国戏曲元素引入西方舞台时所遇到的阐释困境与成功案例。霍金斯认为，西方观众往往过度聚焦于戏曲的“异域风情”或“视觉奇观”，而忽略了其内在的哲学基础和时间节奏。本书最后呼吁，戏曲的全球化应是双向的文化对话，而非单向的文化输出。 总结评价： 艾伦·霍金斯的《东方戏剧的瑰宝》是一部极具洞察力和学术勇气的作品。它成功地架设了东西方研究方法之间的桥梁，以严谨的理论视角和扎实的田野调查，避免了对中国戏曲的浪漫化或刻板化描述。本书是戏剧史、文化研究和亚洲研究领域不可或缺的参考读物，它迫使读者重新审视我们对“传统”、“现代”以及“艺术”的既有定义。对于希望深入了解中国表演艺术复杂肌理的专业人士和严肃爱好者而言，此书提供了前所未有的深度与广度。

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对于一个初学者来说，市面上很多戏曲书籍动辄就是专业术语堆砌，读起来索然无味。然而，这本《梨园拾遗录》完全颠覆了我的认知。它最大的成功之处在于“讲故事”的能力。作者没有采用传统的编年体或剧种分类法，而是选取了十几个极具代表性的“瞬间”——可能是一个名角的舞台绝唱，可能是一出剧目在某个历史关口的争议，甚至是某个地方戏班子在特定时期的一次巡演经历。通过这些微观的、充满人情味的片段切入，读者得以非常自然地进入到戏曲的世界。我尤其欣赏作者对“演员的传承与创新”这一主题的关注，通过对比不同代演员对同一角色的诠释差异，展现了艺术生命力的顽强。文字风格极其灵动跳脱，叙事节奏富于变化，读起来丝毫没有学术著作的沉闷感，更像是跟随一位老伶人，在茶馆里听他娓娓道来那些尘封已久的江湖往事。对于想对戏曲产生兴趣但又害怕“啃硬骨头”的读者，这本书绝对是最佳的敲门砖。

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这本《戏曲漫谈》真是一本让人大开眼界的书。作者没有拘泥于枯燥的史实罗列，而是以一种非常生动、近乎口语化的方式，带我们走进了中国戏曲的“幕后”。书中对各个剧种的起源和流变分析得非常透彻，尤其对元杂剧和传奇的兴衰脉络梳理得极具洞察力。我特别喜欢其中关于“声腔演变”的章节，作者将不同时期、不同地域的唱腔特色描绘得栩栩如生，仿佛能听到那抑扬顿挫的韵律在耳边回响。例如，书中对昆曲“水磨腔”的细腻描述，让人体会到那种婉转曲折、如泣如诉的独特美感。而且，书中对历代著名戏曲家的生平和创作特色也有精到的点评，比如对汤显祖“临川四梦”中浪漫主义手法的探讨，以及对洪昇《长生殿》结构艺术的赏析，都展现了作者深厚的学术功底和独特的审美情趣。读完后，感觉自己对中国戏曲的理解从一个门外汉提升到了一个有了初步鉴赏能力的观众的层次，绝非一般的普及读物可以比拟，它更像是一位资深戏迷的私房笔记，充满了真挚的热爱和独到的见解。

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我最近翻阅的这本《舞台上的千年风华》，简直是戏曲史研究领域的一股清流。它最大的特点在于其宏大的叙事结构和对“文化符号”的深入挖掘。作者巧妙地将戏曲的产生、发展与当时的社会思潮、政治变动紧密结合起来，阐释了戏曲作为时代镜子的深刻内涵。书中花了很大篇幅讨论“戏曲如何反映民间信仰与士人情怀”，这一点非常引人入胜。比如，书中对“鬼神戏”在不同历史阶段的社会功能进行了跨文化比较，这种跨学科的视角令人耳目一新。更值得称道的是，这本书的插图和版式设计极具艺术感，那些老戏单、舞台服饰的线描图，本身就是一套精美的视觉艺术品。虽然有些理论探讨略显艰深，需要反复琢磨，但总体而言，它提供了一个理解中国戏曲“为什么重要”的哲学高度。它不是教你如何看戏，而是告诉你戏曲在中国文化谱系中占据了怎样一个不可替代的位置，读起来颇有醍醐灌顶之感，绝对是硬核爱好者案头必备的工具书。

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我发现这本《地方戏曲的魅力地图》是一部非常独特的文献。它摆脱了对主流京剧和昆曲的过度关注，将焦点投向了那些在地域文化中扎根极深、生命力依然旺盛的地方声腔。书中对川剧的“变脸”艺术、秦腔的“板式结构”以及越剧的“写意舞台美学”进行了细致入微的田野调查式描述。作者的语言风格非常朴实、充满泥土的芬芳，充满了对底层艺人和那些坚守传统的戏班子的敬意。其中对不同剧种的“板式”和“锣鼓点”的图解分析，虽然对非专业人士来说可能需要一些时间去理解，但这种对音乐本体的关注，使得全书的论述立足于戏曲最核心的音乐性。它成功地展示了中国戏曲的“多中心”面貌，让人意识到，戏曲的活力绝不仅仅存在于几个宏大的剧院里，而是散落在广袤的土地上，由无数普通艺人的汗水和才情浇灌而成。这本书的价值在于，它为我们打开了一扇通往“活态戏曲”的大门。

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这本《中国戏曲的审美密码》与其说是一本历史书，不如说是一本高度凝练的“戏曲美学理论精要”。作者的视角极其聚焦，直击戏曲表演的“道”与“法”。全书围绕着“程式化”这一核心概念展开了多维度、多层次的剖析，从身段的开打、走圆场，到脸谱的象征意义，再到舞台调度中的虚实相生，都有着清晰而富有逻辑的梳理。我个人最受启发的是关于“以少胜多”的舞台意境营造，书中通过大量对比解析，阐释了中国戏曲如何在极简的布景下，通过演员的表演和观众的想象力，构建出气势恢宏的时空场景。它的语言风格严谨、精准，逻辑链条紧密无懈可击，更像是哲学思辨而非历史叙述。它不是简单地告诉你“戏曲是什么”，而是深入探讨“戏曲为什么会这样美”，读完后，再去看任何一场戏，都会不自觉地去寻找隐藏在那些规范动作背后的审美逻辑，无疑是对提升鉴赏品位的绝佳训练。

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既然书名以“简明”点题，那么的确是一本很简明的戏曲史参考书目，对于外行人士来讲，很值得一读，如果让我做一个推荐的话，我愿意推荐此书的。不过书中有些内容确实不够严谨，比如说什么“台上前方后面的正中”这类描述，按照舞台分区的理论，就没明白作者是想说c1还是c3？不过总的来说，还是很不错的一本普及类型的读物。

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既然书名以“简明”点题，那么的确是一本很简明的戏曲史参考书目，对于外行人士来讲，很值得一读，如果让我做一个推荐的话，我愿意推荐此书的。不过书中有些内容确实不够严谨，比如说什么“台上前方后面的正中”这类描述，按照舞台分区的理论，就没明白作者是想说c1还是c3？不过总的来说，还是很不错的一本普及类型的读物。