Colour

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出版者:The MIT Press
作者:Batchelor, David 编
出品人:
页数:240
译者:
出版时间:2008-3-14
价格:USD 26.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780262524810
丛书系列:
图书标签:
  • 色彩
  • 艺术
  • 设计
  • 绘画
  • 心理学
  • 文化
  • 视觉
  • 创意
  • 灵感
  • 生活
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具体描述

In 2006 London's famous Whitechapel Gallery and MIT Press formed an editorial alliance to produce a new series of books. Documents of Contemporary Art combines several features that do not often coincide in publishing: affordable paperback prices, good design, and impeccable editorial content. Each volume in the series is a definitive anthology on a particular theme, practice, or concern that is of central significance to contemporary visual culture. The artists and writers included in these books, like the guest editors who conceive them, represent the diversity of perspectives, generations, and voices defining art today.

Colour

Edited by David Batchelor

Whether it is scooped up off the palette, deployed as propaganda, or opens the doors of perception, color is central to art not only as an element but as an idea. This unique anthology reflects on the aesthetic, cultural, and philosophical meaning of color through the writings of artists and critics, placed within the broader context of anthropology, film, philosophy, literature, and science. Those who loathe color have had as much to say as those who love it. This chronology of writings from Baudelaire to Baudrillard traces how artists have affirmed color as a space of pure sensation, embraced it as a tool of revolution or denounced it as decorative and even decadent. It establishes color as a central theme in the story of modern and contemporary art and provides a fascinating handbook to the definitions and debates around its history, meaning, and use.

Artists surveyed include: Joseph Albers, Mel Bochner, Daniel Buren, Carlos Cruz-Diez, Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Jimmie Durham, Helen Frankenthaler, Paul Gauguin, Donald Judd, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Yves Klein, Kazimir Malevich, Piero Manzoni, Henri Matisse, Henri Michaux, Beatriz Milhazes, Piet Mondrian, Barnett Newman, Kenneth Noland, Hélio Oiticica, Paul Signac, Ad Reinhardt, Gerhard Richter, Aleksandr Rodchenko, Bridget Riley, Mark Rothko, Yinka Shonibare, Jessica Stockholder, Theo van Doesburg, Vincent van Gogh, Victor Vasarely, Rachel Whiteread.

Writers include: Theodor Adorno, Roland Barthes, Charles Baudelaire, Jean Baudrillard, Walter Benjamin, Charles Blanc, Jacques Derrida, Thierry de Duve, Umberto Eco, Victoria Finlay, Joris-Karl Huysmans, Johannes Itten, Julia Kristeva, Claude Lévi-Strauss, Jacqueline Lichtenstein, Maurice Merleau-Ponty, John Ruskin, Adrian Stokes, Ludwig Wittgenstein

About the Editor

David Batchelor is an artist and writer who has exhibited widely in Europe and America. Senior Tutor in Critical Theory in the Department of Curating Contemporary Art at the Royal College of Art, London, he is a frequent contributor to such journals as Artforum and Frieze and the author of Minimalism and Chromophobia.

Endorsements

"In this remarkably imaginative collection of texts and fragments, David Batchelor has mined modern culture to extract deep seams of colour-thought. Like any great collection of things, it draws together the widest range of sources—from Melville to Matisse to Wittgenstein to Johnny Cash—to completely transform the way we think about how colour works in art and beyond."

—Briony Fer, Professor of History of Art, University College London

好的,这是一份关于一本名为《Colour》的书籍的详细图书简介,该简介不包含《Colour》这本书的任何内容,旨在描述一本内容完全不同的书籍。 --- 图书名称:《色彩的轨迹:从古典到现代的视觉演变》 作者:伊莱亚斯·范德堡 出版日期:2023年10月 页数:680页,附有120幅精美插图 简介: 《色彩的轨迹:从古典到现代的视觉演变》 是一部深入探讨西方艺术史中色彩运用、理论发展及其文化影响的权威性著作。本书超越了对单纯颜料的描述,致力于揭示色彩如何作为一种强大的叙事工具、一种社会符号以及一种心理学媒介,塑造了人类的感知与表达。作者伊莱亚斯·范德堡,一位在艺术史和视觉文化领域享有盛誉的学者,以其严谨的考证和富有洞察力的分析,带领读者穿越数个世纪的艺术变迁,探寻色彩背后的复杂逻辑与情感张力。 本书结构清晰,分为四大核心部分,层层递进地构建起色彩视觉史的全景图: --- 第一部分:早期文明的物质性与象征(古代至中世纪) 本部分聚焦于色彩在艺术和生活中最初的物质形态及其宗教、哲学意义的奠定。范德堡教授首先考察了古代埃及、美索不达米亚和古希腊时期颜料的获取、制作与稀有性。他强调了“稀缺性”如何直接赋予了某些颜色(如深蓝、群青)至高无上的社会地位。 随后,重点转向中世纪的欧洲。作者详细分析了手抄本插画和玻璃花窗中色彩的象征体系。在这里,色彩不再仅仅是描绘现实的工具,而是成为神圣真理的密码。例如,红色与鲜血和牺牲的关联,蓝色与圣母玛利亚的纯洁及天国的象征。书中详尽对比了拜占庭马赛克中对金色和红色的偏爱,与早期哥特式教堂中对彩色玻璃光线折射效果的追求,揭示了技术进步对精神表达的影响。这一阶段的论述,为理解后世对色彩情感价值的探索打下了坚实的基础。 --- 第二部分:文艺复兴的光影游戏与科学萌芽(1400-1700) 文艺复兴的到来标志着色彩理解的重大转折。本书不再将透视法视为唯一的创新,而是将对空气透视(Aerial Perspective)和光影对比(Chiaroscuro)的精妙处理提升到与解剖学同等重要的地位。 范德堡深入剖析了提香(Titian)和威尼斯画派如何将色彩从轮廓的附属品提升为独立的主体。他详细阐述了“色彩派”(Colorito)与“素描派”(Disegno)之间的美学辩论,揭示了文艺复兴后期色彩运用中蕴含的哲学思辨:是清晰的结构(素描)更能揭示真理,还是由光和色彩构成的氛围(色彩)更能捕捉瞬间的生命力? 此外,本部分还探讨了科学革命对艺术的影响。显微镜和望远镜的发展,以及牛顿对光谱的研究,开始将色彩从纯粹的主观体验推向可测量的物理现象,为巴洛克和洛可可时期的戏剧性用光奠定了理论基础。 --- 第三部分:启蒙、浪漫主义与主观性的觉醒(1700-1880) 随着启蒙运动的推进,色彩的表达开始从描绘外在的“客观世界”转向探索内在的“主观情感”。本章的重点是浪漫主义运动如何利用高饱和度和对比强烈的色彩来表达强烈、甚至压抑的情感。特纳(J.M.W. Turner)笔下近乎抽象的日落与风暴,被解读为对人类个体在宏大自然面前的敬畏与焦虑的视觉投射。 在色彩理论方面,席勒和歌德的色彩学说与牛顿的科学解释形成鲜明对比。范德堡细致分析了歌德的《论色彩学》(Theory of Colours),指出歌德试图将色彩置于现象学和心理学的框架内,强调了色彩与人类情感的直接关联。这为后来的印象派奠定了重要的哲学前提:视觉体验的即时性和感知者的主观性是艺术创作的核心。 --- 第四部分:现代主义的解构与重构(1880至今) 现代主义是色彩历史上最为剧烈的变革时期。本部分详细考察了后印象派(如塞尚对色调的结构性探索,梵高对色彩的表达性滥用)如何为20世纪的抽象艺术铺平了道路。 色彩从描绘对象中解放出来,成为艺术本身。野兽派(Fauvism)大胆地使用非自然色彩,象征着对既有审美规范的彻底反叛;立体主义则通过色块的并置来解构三维空间;而俄国构成主义和包豪斯则将色彩的运用提升到功能性和社会性的高度,探讨色彩在工业设计、平面排版和建筑空间中的效率与心理影响。 最后,作者回顾了抽象表现主义时期(如罗斯科的色域绘画)对色彩的终极沉思,探讨了色彩如何能够独立地唤起精神体验,以及当代艺术中,数字媒介如何彻底颠覆了传统颜料的物质边界,使色彩的“轨迹”进入了一个全新的、无形却又无所不在的领域。 核心价值与读者定位: 《色彩的轨迹》 不仅是艺术史爱好者的必备参考书,更是设计师、视觉传达专业人士、色彩心理学研究者以及任何对人类感知与表达方式感兴趣的读者的重要资源。本书以其清晰的脉络、丰富的案例和深刻的理论分析,成功地将一门看似经验性的领域——色彩——置于严谨的历史与哲学框架之下,展示了色彩在人类文明发展中无可替代的核心地位。阅读此书,读者将学会“看”颜色,而不仅仅是“识别”颜色。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的排版设计,简直是现代印刷工艺中的一股清流。我留意到,行距和字距的调整拿捏得恰到好处,既保证了阅读的舒适度,又避免了页面显得过于空洞或拥挤。特别是那些留白的处理,看似简单,实则蕴含着极高的设计智慧,它们像一个个小小的呼吸空间,让每一个汉字(或者符号)都有足够的“立足之地”,从而避免了阅读疲劳。我尤其欣赏它在章节过渡页上所做的细微处理,可能只是一个不显眼的边框变化,或者是一个极简的装饰性符号,但这种微妙的视觉信号,有效地帮助读者从一个主题场景平稳地过渡到下一个,这种对阅读体验的尊重,是很多出版社所欠缺的。我敢断定,这本书的校对工作一定也是极其严谨的,因为在快速翻阅中,我完全没有察觉到任何影响阅读流畅度的印刷错误或者排版瑕疵。这种对细节的极致关注,让我不禁想起了那些制作精密机械的匠人,他们明白,只有每一个微小的部件都完美无瑕,最终的整体效果才能达到至臻的境界。

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我总觉得,一本真正伟大的作品,其文字的韵律感是无法被简单忽略的。尽管我尚未开始逐字逐句地研读这本书的内文,但光是翻阅目录和章节标题时,那种若有似无的节奏感就已经吸引住了我。那些标题的排列组合,就像是乐章的引子,它们彼此间的跳跃和衔接,似乎暗示着叙事结构上的精妙编排。我忍不住在脑海中将这些词句大声朗读出来,发现它们自带一种独特的抑扬顿挫,仿佛作者在构建一个声音的迷宫,引导读者进入一个既熟悉又陌生的心智空间。这不像那种流水账式的叙事,哪里都是平铺直叙的白描,而是充满了故意为之的停顿和留白,迫使你必须放慢呼吸,才能跟上作者的思路。我猜测,在那些被精心设计的段落之中,一定隐藏着对人性本质的深刻剖析,这些剖析不是用生硬的理论砸向你,而是通过这种音乐般的方式,潜移默化地渗透进你的感知系统。这种对语言形式的极致追求,通常只出现在那些文学殿堂中的经典之作里,它告诉我,这不是一本可以快速消费的读物,而是一次需要投入时间和耐心的聆听之旅。

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这本书的装帧材质选择,透露出一种对环保和可持续性的考量。纸张的选取非常考究,它没有采用那种过度漂白的、略带刺眼的高光泽纸,而是选择了一种哑光质感明显、触感略微粗粝却又非常温暖的纸张。这种材质不仅让眼睛在长时间阅读后感到舒适,更重要的是,它散发着一种泥土的芬芳,让人联想到自然和本真。我甚至可以想象,随着时间的推移,这本书的纸张会自然地泛黄,每一次翻阅都会留下新的折痕和指纹,它将会随着我的阅读历程而“成长”,记录下我与它相处的每一个瞬间,成为一本真正意义上的私人藏品,而非一个可以被轻易丢弃的物品。这种对物理媒介的珍视,让我感到,作者和出版方都坚信,文字的力量需要一个与之匹配的、有温度的载体来承载。这种对“永恒”的追求,让这本书在众多批量生产的印刷品中,显得尤为珍贵和值得被珍藏。

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这本书的装帧设计简直让人眼前一亮,那种沉稳而又不失雅致的色调,拿在手里就有种别样的质感。我尤其喜欢封面上那种微妙的光影处理,仿佛能从中窥见某种深邃的意境,虽然我还没来得及深入阅读内容,但光是这种外在的呈现,就足以让人对手中的这本书抱持极高的期待值。它不像那些花里胡哨的畅销书那样急于用鲜艳的色彩吸引眼球,而是用一种近乎哲学的、克制的视觉语言,预示着里面承载的或许是更为精微和耐人寻味的主题。我曾在一个安静的咖啡馆里,仅仅是把玩着它的封面和书脊,感受着纸张与指尖的摩擦,那一刻,周遭的喧嚣似乎都远去了,只剩下这本书带来的那种宁静而有力量的氛围。我猜想,作者在创作这本书的时候,想必也对每一个细节都倾注了极大的心力,否则,如何能孕育出如此令人心动的物理形态?我甚至已经开始想象,等我读完之后,会把它放在书架上哪个最显眼的位置,让它成为我书房里一个沉默却有力的艺术品。这种初步的触感体验,已经值回票价,它成功地在我的心中搭建起了一个关于“美”和“深度”的初步框架。

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我是在一个非常偶然的机会下接触到这本书的,当时我正在浏览一家独立书店的角落,它不像其他新书那样被放置在显眼的推荐台上,而是安静地躺在一个相对冷僻的区域。这种“低调”反而激起了我强烈的探究欲,它仿佛在说:“我不需要喧哗来证明我的价值,懂的人自然会发现我。”这种自带的疏离感,给我一种它内容必然是小众而深刻的预感。我翻开扉页,看到作者的署名,一个相对陌生的名字,这让我更加确信,这本书很可能是一次大胆的艺术尝试,它没有被市场的大潮所裹挟,而是忠实地遵循着创作者内心的引力方向。我联想到自己过去几年里读过的一些被过度炒作的作品,它们往往在上市之初声势浩大,但很快便销声匿迹,而这本书,却以一种不动声色的姿态存在着,这让我对其持久的生命力产生了极大的信心。它似乎在向读者发出一个邀请:来吧,跟我一起,远离主流的噪音,探索那些尚未被充分命名的内心领域。

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