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页数:467

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出版时间:2009-3

价格:40.00元

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isbn号码:9787807513742

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• 艺术歌曲
• 中国音乐
• 音乐史
• 音乐理论
• 声乐
• 中国文化
• 音乐美学
• 作曲
• 演唱
• 艺术研究

汉唐乐府研究：基于敦煌文献的乐律、歌辞与乐器考察 本书旨在对汉唐时期，尤其是敦煌石窟壁画与藏经洞文献中所记载的乐舞与音乐现象进行系统、深入的研究。我们将目光聚焦于这一历史时期音乐艺术的源流、具体形态、社会功能及其在后世音乐发展中的地位。全书结构严谨，内容翔实，力求勾勒出一部立体的、富有历史厚度的汉唐音乐图景。 第一章：引言与研究基础 本章首先界定了“汉唐乐府”的范畴，不仅包含宫廷雅乐、燕乐，更涵盖了民间及宗教仪式中的音乐实践。我们明确了研究的理论基础，即综合运用音乐考古学、文献学、图像学的方法，交叉印证多重史料。 1.1 史料的选取与辨析： 重点梳理了《旧唐书·音乐志》、《新唐书·礼乐志》的文本价值与局限性，并着重发掘了敦煌壁画中的乐器图像、乐谱残片（如工尺谱的早期形态），以及相关变文、说唱文学中的音乐叙事元素。对域外传入的音乐，如龟兹乐、西凉乐的文献记录也进行了细致的辨析，探究其如何融入中土音乐体系。 1.2 乐律基础的重建尝试： 针对汉唐时期“律学”与“音律”的理论探究，本章尝试性地重建了当时的十二律体系及其与五音、七音关系的对应模式。结合管乐器（如箫、筚篥）的结构特征，分析了古代音高体系在实际演奏中的应用情况，特别是对“散声”与“定弦”的理解。 第二章：汉代乐制与魏晋乐舞的嬗变 汉代作为中古音乐体系的奠基期，其乐制影响深远。本章深入考察了汉乐府的体制与功能，并细致描摹了魏晋玄学思潮对音乐审美的影响。 2.1 汉代雅乐与燕乐的结构： 详细分析了汉代“大曲”的组成要素，包括其“曲”、“句”、“章”的层级划分。通过对《汉书·艺文志》中乐舞篇目的梳理，探讨了国家祭祀、朝会用乐的规范。对以鼓吹乐为代表的军乐与仪仗音乐的音色配置与节奏特征进行了还原分析。 2.2 魏晋风度与清商乐的兴盛： 重点探讨了文人士大夫阶层对音乐的审美取向，即“竹林七贤”所代表的“飂飂然”的音乐情怀。清商乐（主要继承自秦汉的乐曲）在这一时期的变异，特别是其歌辞内容的抒情化、个人化倾向，成为本章的核心论点之一。我们对照了嵇康的音乐思想，分析了其对后世音乐哲学的影响。 第三章：盛唐乐舞：龟兹、天竺与本土的交融 盛唐是中华音乐史上的一个高峰期，其特点在于海纳百川的融合性。本章将重点放在“胡乐”对唐代燕乐的决定性影响。 3.1 宫廷大曲的形态与定型： 详细考察了唐代“十部大曲”的构成，如《春莺啭》、《绿腰》等，分析了这些大曲中龟兹乐、疏勒乐等外来元素是如何被“中和”和“汉化”的。通过对乐部、部曲、乐工人数的史料分析，量化了盛唐乐舞的庞大规模。 3.2 敦煌壁画中的乐舞群像： 结合敦煌莫高窟、榆林窟的壁画图像，对唐代乐器进行分类学研究。包括对琵琶（曲项与直项）、箜篌（卧式与立式）、筚篥、方响、羯鼓等乐器的形制演变进行考证。通过舞蹈姿态与乐器组合的对应关系，还原了部分已失传的唐代乐舞场景（如供养乐舞）。 3.3 歌辞的通俗化与说唱艺术的萌芽： 探讨了唐代民间说唱艺术的发展，如“变文”和“弹唱”的早期形态。分析了这些通俗文学中蕴含的音乐元素，它们是后世宋元俗曲的直接源头。重点研究了唐诗在被谱入乐曲时，词语的音韵处理与旋律的适配关系。 第四章：晚唐五代至中唐的音乐调整与地方色彩 本章将目光投向中晚唐，分析在藩镇割据和文化转向中，音乐在地域上的分化以及对“衰落”的不同解读。 4.1 中唐的音乐革新与士大夫的“复古”： 考察了白居易等人对当时音乐“靡靡之音”的批判以及他们试图复兴“雅正”音乐的努力。分析了这种复古倾向在实践中如何与既有的燕乐体系进行博弈，产生了哪些新的音乐形式。 4.2 藩镇割据下的地方乐派： 探讨了如河东、剑南等地因长期独立发展而形成的具有鲜明地域色彩的音乐风格。特别是对五代时期南方（如南唐）宫廷音乐的继承与发展进行了考察，尽管史料有限，但可从相关诗词中窥见一斑。 4.3 乐律的实际操作与记谱法的局限： 再次回到乐律层面，结合敦煌发现的早期工尺谱残片，讨论唐代音乐记谱法（如“弦图”、“减字谱”的早期雏形）在记录复杂的多声部或复调音乐时的局限性，并推测当时的演奏者主要依赖口传心授。 第五章：总结与历史定位 本书的结论部分，总结了汉唐乐府在中国音乐史上的核心贡献：确立了以燕乐为主体、兼容外来音乐的成熟音乐体系；奠定了后世宋元明清戏曲音乐、器乐合奏的诸多基础要素（如乐器配置、曲式结构）；并为中国古代音乐理论的系统化发展提供了丰富的实践案例。汉唐乐府的研究，是理解整个中国古典音乐精神内核的关键。

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这本书的语言风格和叙述方式实在是让人耳目一新，它没有那种传统学术著作的刻板和枯燥，反而像是一位学识渊博的朋友在娓娓道来，将那些深奥的音乐理论和历史背景用一种极其生动、贴近生活的方式呈现出来。我尤其欣赏作者对于音乐作品的分析角度，他不仅仅停留在旋律和和声的层面，更是深入挖掘了作品背后蕴含的时代精神与民族情感。比如，书中对某一时期艺术歌曲如何反映社会变迁的论述，那种洞察力让我拍案叫绝。读完之后，我感觉自己对中国音乐史的理解不再是零散的知识点，而是一条清晰、充满生命力的脉络。作者的文笔如同画笔，勾勒出一幅幅生动的画面，让人仿佛置身于那些歌曲诞生的年代，去感受创作者的喜怒哀乐。这本书无疑为非专业人士打开了一扇通往严肃音乐领域的大门，让高雅的艺术变得触手可及，充满了亲切感。

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我必须承认，这本书的学术深度远超我的预期，对于一个希望深入研究中国声乐艺术的学者来说，这简直是一座宝库。它并非简单的作品集锦或鉴赏手册，而是建立在一个扎实的历史文献和音乐学研究基础之上的宏大体系构建。特别是在涉及到不同地域、不同民族声乐传统相互影响与融合的章节，作者展现了极其严谨的考证和批判性思维。那些对于早期音乐手稿的引用和解读，都体现了作者扎实的田野调查功底和敏锐的学术嗅觉。阅读过程中，我需要时不时地停下来，查阅一些补充资料，以便更好地消化其中蕴含的复杂信息。这种需要读者投入巨大精力的阅读体验，恰恰证明了其思想的密度和价值。它不是一本可以轻松翻阅的“快餐读物”，而是一部值得反复研读、时常回味的学术专著。

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这本书的装帧设计和排版也令人赞叹，它展现出对艺术载体本身的尊重。纸张的质感、字体的选择，都与主题的庄重典雅相得益彰。更重要的是，书中那些配图——无论是乐谱片段的清晰再现，还是历史照片的富有年代感的质感——都极大地增强了阅读的说服力和沉浸感。这些视觉元素并非简单的点缀，而是与文字内容紧密结合、相互印证的有机组成部分。尤其是作者对不同版本乐谱的比对分析，配以直观的图示说明，让原本需要专业乐理知识才能理解的细微差异，变得清晰可见。这本书的出版质量，足以让它成为艺术院校图书馆中受人珍视的馆藏，它不仅传递了知识，更传递了一种对艺术本体的敬畏之心。

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这本书给我的最直观感受就是“大气磅礴”，它不仅仅讨论的是“歌曲”，更是在探讨一种文化现象的演变。作者似乎有一种将宏大叙事与个体情感完美融合的魔力。当他谈论到特定历史时期，比如战乱或复兴时期，艺术歌曲如何成为民众精神寄托的载体时，那种强烈的代入感几乎让我热泪盈眶。文字的张力十足，节奏的把握恰到好处，时而激昂，时而低回，如同欣赏一出精心编排的交响乐。我尤其喜欢作者在章节间穿插的那些小故事，它们像是舞台侧面的幕后花絮，让冰冷的理论瞬间有了温度和血肉。这本书让我意识到，艺术歌曲从来都不是脱离现实的象牙塔产物，它是时代的镜子，是民族心灵的低语。对于那些渴望理解中国艺术歌曲的“灵魂”的读者来说，这本书提供了最深刻的洞察。

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坦率地说，初次翻开这本书时，我对它抱持着一种审慎的态度，毕竟“论”字通常意味着晦涩难懂。然而，这本书在结构上的安排简直是教科书级别的范本。它采用了层层递进的逻辑结构，从基础概念的梳理，到风格流派的划分，再到个案的深度剖析，每一步都铺垫得非常到位，让人在不知不觉中就被引导到了作者希望我们到达的深度。我发现，作者非常善于使用类比和对比的手法，将看似陌生的音乐现象，用读者熟悉的文化符号进行关联解释，极大地降低了理解的门槛。这使得即使是像我这样背景稍显薄弱的爱好者，也能跟上作者的思路，并从中获得持续的智力满足感。这种精心设计的阅读体验，使得学习过程本身变成了一种享受，而非负担。

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