Queer Episodes in Music and Modern Identity pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:University of Illinois Press

作者:

出品人:

页数:336

译者:

出版时间:2008-08-08

价格:USD 25.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780252075780

丛书系列:

图书标签:

Queer theory
Music history
Modernism
Gender studies
Sexuality
Cultural studies
20th-century music
Identity
Music and culture
Performance

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具体描述

"Queer Episodes in Music and Modern Identity" approaches modern sexuality by way of music. Through the hidden or lost stories of composers, scholars, patrons, performers, audiences, repertoires, venues, and specific works, this intriguing volume explores points of intersection between music and queerness in Europe and the United States in the years 1870 to 1950 - a period when dramatic changes in musical expression and in the expression of individual sexual identity played similar roles in washing away the certainties of the past. Pursuing the shadowy, obscured tracks of queerness, contributors unravel connections among dissident identities and concrete aspects of musical style, gestures, and personae. On one end of the spectrum are intense, private connections and tantalizing details of musical expression: romantic correspondence between Eugenie Schumann (a daughter of Clara and Robert) and the singer Marie Fillunger; John Ireland's confessional letters to a close friend of an illicit passion for young choristers; and, "closet formations" in the music of composers such as Maurice Ravel, Edward Elgar, and Camille Saint-Saens. At the other extreme are public, often flamboyant intimations of deviance and their repercussions: the craze for male impersonators in American vaudeville between 1870 and 1930; the politics of appropriation implicit in showy transcriptions by pianists such as Liberace; and, the increasingly homophobic reception accorded Tchaikovsky's music in the early twentieth century. The authors also explore how traces of queerness can mark communities, such as groups of German men who fashioned homosexual identities by way of the cult of Wagner or women musicians who were assigned suspect or deviant status by virtue of being jazz instrumentalists. Throughout these discussions, music provides the accompaniment for confrontations between disparate conventions of social propriety and diverse forms of sexual identity. These provocative essays open the consideration of music and sexuality to an exciting new sense of inbetweenness, passage, and diversion. Contributors are Byron Adams, Philip Brett, Malcolm Hamrick Brown, Sophie Fuller, Mitchell Morris, Jann Pasler, Ivan Raykoff, Fiona Richards, Eva Rieger, Gillian Rodger, Sherrie Tucker, and Lloyd Whitesell.

音乐史中的边缘与先锋：一部关于声音、身份与社会变迁的深度考察书名：《声景的褶皱：二十世纪音乐中的性别、性向与政治回响》作者： [虚构作者名，例如：艾莉森·里德 (Allison Reed)] 出版社： [虚构出版社名，例如：牛津大学音乐与文化研究出版社] --- 内容提要：《声景的褶皱：二十世纪音乐中的性别、性向与政治回响》并非聚焦于已有的、被主流认可的“酷儿音乐”范畴，而是深入探究二十世纪以来，音乐实践如何成为形塑、挑战乃至颠覆既有性别与性向认同的复杂场域。本书旨在解构音乐结构本身（从和声的紧张到节奏的断裂）如何内嵌着关于“正常性”的意识形态，并考察那些处于文化边缘的发声者——无论是作曲家、表演者还是听众群体——如何通过声音的创新与挪用，构建起抵抗主流叙事的“替代声景”（Counter-Soundscapes）。本书的视角并非将酷儿身份简单地视为一种“主题”被嵌入音乐，而是将其视为一种分析工具，用以审视音乐史中那些被忽略的、声音的“不和谐音”。我们将探讨技术革新（如录音技术、电子合成器的普及）如何为身份的流变提供了新的媒介，以及在特定历史时期（如两次世界大战间隙、冷战高压期、以及后现代主义的兴起），声音的实验性如何与社会政治的压抑与解放紧密缠绕。 --- 第一部分：解构“规范之耳”——音乐美学与身体政治本部分旨在确立本书的理论基础，即“听觉”并非被动的接收，而是一种主动的、文化建构的行为。我们质疑古典音乐传统中对“清晰性”、“和谐统一”和“逻辑发展”的推崇，如何无形中巩固了以异性恋男性经验为中心的审美标准。第一章：结构即意识形态：从奏鸣曲式到身体的规训本章分析了浪漫主义晚期及二十世纪初的欧洲室内乐和交响乐的结构特征。我们关注了如何通过对“主题发展”（Theme Development）的分析，揭示音乐叙事中对“固定身份”的隐性要求。例如，对“动机”（Motive）的执着与回归，在听觉上模仿了社会对个体身份稳定性的要求。反之，本章也会探讨如德彪西或巴托克作品中对非线性叙事和色彩和声的偏好，如何微妙地挑战了这种结构性规训，提供了“声音的游牧性”（Nomadism of Sound）的可能性。第二章：声音的“第三性”：电子合成器与音色的流动性电子音乐的兴起为身份的去物质化提供了革命性的工具。本章重点考察了二十世纪中叶，特别是磁带音乐和模块化合成器（如Moog和Buchla）的早期实践。我们探讨了声音的“音色”（Timbre）——而非传统上的音高或节奏——如何成为表达身份模糊性、非二元存在的主要手段。早期电子音乐家如何将声音从传统的乐器形态中解放出来，使之具备了“去性别化”的潜力。我们研究了斯托克豪森、约翰·凯奇等人的工作，并非从他们的哲学层面，而是从他们如何通过技术手段，人为地创造出不属于任何已知身体器官的声音。第二部分：边缘的剧场——表演、身体与舞台的异化本部分将焦点从作曲与结构转向了声音的现场呈现和表演实践，探讨音乐家如何利用舞台空间和身体姿态，颠覆既定的性别表演规范。第三章：歌剧的叛逆：声音的“喉位”与身份的僭越虽然歌剧在很大程度上是传统权力的堡垒，但本章将考察那些“错误地”被演唱的嗓音。我们不关注传统的男女高低音划分，而是考察那些跨越既有声区（Vocal Registers）的演唱实践。例如，那些故意使用“假声”（Falsetto）或低沉气声（Breathiness）的男性歌手，或那些挑战女高音极限的女性实践者。我们还将深入分析二十世纪中后期，先锋歌剧或音乐剧场（Music Theatre）中，角色性别模糊或转换的现象，以及这些声音上的“僭越”在当时的社会语境下引发的听众反弹。第四章：乐队与亚文化的“共享空间”：节奏与身体的集体释放本章转向非古典音乐领域，分析爵士乐、摇滚乐以及早期朋克音乐中的身体政治。重点在于“节奏”（Rhythm）如何成为一种非语言的、共享的身份构建工具。我们考察了在特定亚文化场景中，音乐的“噪音”（Noise）和“失真”（Distortion）如何被用来抵抗主流社会的“平滑化”叙事。例如，探讨在地下场景中，音乐的音量、重复性和侵略性，如何为那些在日常生活中被压抑的身体提供了集体表达和暂时性解放的“安全容器”。这里的“酷儿性”体现在对音乐秩序的故意破坏，而非对既定主题的阐述。第三部分：声音的档案与遗忘的修复本书的最后一部分着眼于音乐史的“档案室”——那些被主流音乐史记录遗漏或轻描淡写的声音实践。我们尝试通过细致的聆听与文献挖掘，重构那些被“静音化”的贡献者。第五章：录音室作为“身份实验室”：制作人、混音与声音的重塑在二十世纪后半叶，录音室本身成为了一个超越现场表演的创作空间。本章重点分析了音乐制作人（Producers）和录音工程师的角色。他们如何通过多轨录音（Multi-tracking）、回声（Reverb）和延迟（Delay）等技术，在没有现场身体在场的情况下，构建出多重、叠加或分裂的身份声像。我们考察了特定流派（如迪斯科、早期电子舞曲）中，声音剪辑和循环如何被用于解构传统叙事的时间性，从而创造出一种“永恒的现在”的听觉体验，这与对流动性身份的渴望形成了共鸣。第六章：跨越鸿沟的对听：冷战阴影下的非主流声音网络本章将音乐实践置于全球政治的宏大背景下。我们研究了那些在威权政权下或文化隔离时期，通过地下录音带交换、走私唱片或短暂的跨国合作中出现的音乐实践。这些声音往往具有一种“粗糙感”和“紧急性”，因为它们承载着在被严格审查的社会中传递信息的重负。本书将此视为一种“加密的声音政治”（Encrypted Sonic Politics），探讨这些声音的稀缺性本身，如何成为抵抗单一叙事的一种强大宣言。 --- 结语：未完待续的声景《声景的褶皱》最终提出，音乐史的真正活力并非存在于被博物馆化的经典作品中，而是存在于那些持续挑战听觉预期的、结构性的张力之中。通过对声音技艺、表演策略和技术媒介的细致分析，本书意在邀请读者以一种全新的、更具批判性的方式，重新聆听二十世纪的音乐遗产，认识到声音的每一次扭曲、每一次回响，都可能是对既定身份的一次无声的、却有力的反抗。这本书不是关于“酷儿音乐是什么”，而是关于“音乐如何使身份处于流动状态”。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书在叙事结构上采用了非常大胆且富有创意的编排方式，它完全跳脱了传统的年代线性叙事框架。作者似乎更热衷于在不同的时间维度和地域之间进行跳跃式的对话，这种碎片化的叙事反而构建了一种更具后现代色彩的整体观感。读起来就像是走在一个巨大的、精心布置的博物馆里，每到一个展厅，都有一个全新的视角和主题在等待着你。其中关于“声音景观的重塑”这一章的论述尤为精妙，它探讨了录音技术如何从根本上改变了人们对“在场感”的认知，这种跨学科的洞察力令人拍案叫绝。作者的语言风格充满活力，充满了对音乐本体的敬畏与批判性的审视，绝非那种枯燥乏味的学院派论述。它成功地将复杂的理论概念，转化为一系列可以被感官捕捉的生动画面，真正做到了让晦涩的理论变得触手可及，这对于提升大众对音乐研究的兴趣，无疑是功德无量。

评分☆☆☆☆☆

这本关于音乐史的著作简直是一场视听盛宴，作者以极其细腻的笔触，将我们带入了一个个鲜活的音乐场景中。我特别欣赏作者在处理历史背景时的那种游刃有余，他不仅梳理了主要的音乐流派，更深入挖掘了那些被主流叙事所忽略的角落。比如，书中对某位二十世纪早期作曲家创作动机的分析，简直是教科书级别的。作者没有止步于对乐谱的表面解读，而是结合当时的社会思潮和个人经历，构建了一个立体、有温度的音乐家形象。阅读过程中，我感觉自己仿佛穿越时空，亲耳聆听了那些经典作品的首演，体会到每一组和弦背后蕴含的巨大张力与时代情绪。文字的节奏感把握得极佳，既有学术的严谨性，又不失文学的感染力，即便是对音乐史不甚了解的读者，也能被其中引人入胜的故事线牢牢抓住。那种抽丝剥茧，层层递进的叙事手法，让人在合上书本后，仍久久回味其中蕴含的深意。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊艳的是它对于音乐作品中“沉默”的探讨。作者没有将重点完全放在那些喧嚣的、被广为传唱的片段上，而是巧妙地将聚光灯打向了那些被刻意省略、被压抑和被“消音”的部分。这种“反向聆听”的策略，极大地拓宽了我的理解边界。书中引用的诸多案例，都指向了创作主体在特定历史语境下，为了自我保护或社会接纳而做出的微妙的艺术妥协与挣扎。这种对“未发出之声”的捕捉，体现了一种极高的人文关怀。行文的语气是沉静而富有哲思的，它引导读者去思考：艺术的边界究竟在哪里？以及，那些未能被记录下来的旋律，是否同样具有其历史价值？这种深度的挖掘，使得全书的基调超越了一般的音乐评论范畴，更像是一部关于文化记忆与遗忘的深层研究。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的阅读体验是富有挑战性的，它要求读者具备一定的耐心去跟随作者构建的复杂逻辑链条。不同于市面上那些追求轻松阅读体验的音乐普及读物，作者似乎并不在乎是否能取悦每一个读者，他更致力于呈现一种不加粉饰的、多层次的文化剖析。尤其是在关于特定时期音乐机构运作模式的分析部分，信息密度非常高，需要反复咀嚼才能完全消化。然而，一旦你适应了这种略显密集的节奏，便会发现其回报是巨大的。作者在细节处的考证之严谨，令人肃然起敬，仿佛能感受到背后付出的数年心血。他不是在讲述一个故事，而是在搭建一个复杂的分析模型，这个模型能够解释为何某些音乐风格能够在特定的社会结构中生根发芽，而另一些则迅速凋零。这种系统性的思维，是我读过的同类著作中少有的。

评分☆☆☆☆☆

这是一部充满了个人情感色彩的杰作，作者的叙述中流淌着一股真挚的热情，这份热情源于他对音乐创作过程的深度共情。我尤其喜爱作者在描述创作“灵感迸发”瞬间时所采用的散文诗般的笔法，那种对艺术家心境的精准捕捉，让人不禁联想到自己人生中那些关键的、充满创造力的时刻。整本书的语言风格是流畅而富有韵律感的，即便是描述枯燥的音乐理论演变，也被作者赋予了生命力和动感，读起来一点也不觉得拖沓。这种将学术洞察力与个人化叙事完美融合的能力，是很多严肃论著所欠缺的。它成功地提醒了我们：音乐不仅仅是结构和和声，更是人类情感在特定媒介中的一次次勇敢的投射与呐喊。读完之后，我感觉自己对那些曾经耳熟能详的乐章，产生了全新的、更为深刻的连接感。

评分☆☆☆☆☆