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出版者:

作者:Judith Miller

出品人:

页数:448

译者:

出版时间:2006-4

价格:100.00元

装帧:

isbn号码:9781405306287

丛书系列:

图书标签:

• 时尚
• 60年代
• 复古
• 风格
• 文化
• 设计
• 流行文化
• 服装
• 历史
• 视觉文化

《Sixties Style》是一本深入探讨二十世纪六十年代美学风潮的著作。本书并非一本小说，也不是一部传记，而是一份详尽的视觉与文化指南，旨在为读者重现那个充满变革与创新的年代。 本书将从多个维度剖析“六十年代风格”这一概念。首先，它将聚焦于那个时代最具代表性的时尚元素。从迷你裙的崛起，到喇叭裤的流行，再到太空时代风格的服饰设计，本书将通过精美的插图和深入的文字，展示当时设计师们的创意迸发。我们会探讨玛丽·官（Mary Quant）如何将年轻人的活力注入服装，韦斯特伍德（Vivienne Westwood）如何为朋克运动埋下伏笔，以及摩登（Mod）文化如何影响了男性的着装风格。书中还会详细介绍当时的材质革新，例如人造纤维的应用，以及色彩的大胆运用，如亮粉色、柠檬黄和翠绿色，这些色彩如何成为反叛和乐观精神的象征。 除了服装，本书还将深入研究六十年代的家居设计和室内装饰。我们会探寻那个时代流行的家具风格，如伊姆斯（Eames）风格的简约主义、太空时代风格的曲线设计，以及波普艺术（Pop Art）对家具和家居用品的影响。从色彩鲜艳的沙发到造型独特的落地灯，从几何图案的壁纸到塑料家具的流行，本书将展示如何通过色彩、材质和造型来营造那个时代的独特居家氛围。读者将了解到，当时的家居设计不仅仅是为了实用，更是为了表达一种新的生活态度和对未来的憧憬。 音乐是六十年代文化不可或缺的一部分，本书自然也会详细阐述音乐对时代风格的影响。披头士（The Beatles）的音乐和他们的发型、着装如何风靡全球，鲍勃·迪伦（Bob Dylan）的民谣如何代表了社会运动的精神，以及迷幻摇滚（Psychedelic Rock）如何催生了万花筒般的视觉艺术和服装风格。本书将探讨音乐人如何成为时代的时尚偶像，他们的音乐不仅影响了人们的听觉，也塑造了人们的穿着打扮和生活方式。 视觉艺术同样是构成六十年代风格的重要组成部分。本书将深入分析波普艺术的兴起，安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的罐头、可乐瓶等日常物品的艺术化处理，如何打破了高雅艺术与大众文化的界限。我们会探讨抽象表现主义（Abstract Expressionism）的余韵，以及迷幻艺术（Psychedelic Art）如何通过海报、专辑封面等形式，将眩目的色彩和扭曲的线条带入人们的视野。这些艺术形式不仅是那个时代的文化印记，也深刻地影响了当时的时尚和平面设计。 此外，本书还会关注六十年代的电影和媒体文化。电影明星如奥黛丽·赫本（Audrey Hepburn）、碧姬·芭铎（Brigitte Bardot）等人的银幕形象，她们的妆容、发型和着装如何引领潮流。电视节目和广告如何通过视觉语言传播新的生活方式和审美观念。本书将剖析这些媒体如何共同塑造了那个时代的集体想象，以及它们如何将“六十年代风格”传递给更广泛的受众。 最后，本书将总结“六十年代风格”的核心特质：自由、反叛、乐观、对未来的无限憧憬，以及对传统价值观的挑战。它不是对某个具体物品的罗列，而是一种精神的提炼，一种时代烙印的解读。本书的目的是让读者能够理解，六十年代的风格如何超越了时间和地域，至今仍对我们的时尚、设计和文化产生着深远的影响。它提供了一个透视过去，理解当下，激发未来的视角。它是一次深入的文化探索，一次对一个世纪中最具活力和创造力年代的回溯。

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这本书的封面设计简直就是一场视觉的狂欢，那种大胆的撞色和略带迷幻感的字体排版，一下子就把你拉回了那个充满变革与激情的年代。我原本以为这只是一本简单的时尚回顾录，但翻开后才发现，它更像是一张通往那个黄金时代的时光隧道门票。作者在叙述中并没有过多地纠缠于那些人尽皆知的时装周细节，而是巧妙地将服装的演变与当时的社会思潮、青年文化、音乐革命紧密地编织在一起。比如，描述迷你裙的兴起时，文章并没有停留在玛丽·昆特的创意上，而是深入探讨了女性解放运动如何为这种大胆剪裁提供了土壤，以及这种长度的变化如何成为对传统道德的一次无声反抗。阅读过程中，我能清晰地感受到那种冲破束缚、拥抱自由的空气，书中对“太空时代”美学的描绘尤为精彩，那些塑料、PVC等新材料的运用，简直就是对未来主义最浪漫的致敬。整本书的行文流畅自然，充满了对那个时代特有的那种略带讽刺又无比真诚的怀旧之情。我尤其欣赏作者对“反时尚”现象的分析，嬉皮士运动中那些手工制作、天然面料的回归，与主流的摩登风格形成了鲜明的对比，展示了那个年代文化光谱的丰富性。

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这本书的深度远超出了我对一本“风格指南”的预期，它更像是一部细致入微的文化人类学田野调查报告，只是研究对象是那个短暂却又影响深远的十年。作者对配饰和细节的关注度令人叹为观止，每一个环节都体现了深厚的资料搜集能力。比如，关于太阳镜的演变，书中不仅展示了标志性的“猫眼”和超大框造型，还追溯了它们如何从好莱坞的浮华象征，转变为抗议运动中用以遮蔽身份和表达疏离感的工具。文字的密度很高，但绝不枯燥，作者擅长使用生动的比喻，将抽象的文化概念具象化。读起来感觉像是在听一位资深博物馆策展人在耳边低语，娓娓道来每一件展品背后的故事和时代密码。最让我印象深刻的是其中关于色彩心理学的探讨，如何从饱和度极高的迷幻色，过渡到七十年代初大地色的沉淀，这不仅仅是颜料的改变，更是社会情绪的投射。虽然全书涉及面广，但逻辑结构却异常清晰，章节间的过渡如同精心编排的交响乐，时而激昂，时而内敛，层层递进地揭示了“六十年代风格”的复杂内核。

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这本书的排版和视觉呈现几乎达到了艺术品的级别，这对于一本探讨视觉风格的书籍来说至关重要。装帧精美，纸张的选择也极具质感，拿在手中沉甸甸的，仿佛捧着一件值得珍藏的文物。图片的选择极其考究，很多罕见的、来自私人收藏的原始资料照片被首次披露，这使得书中的论述有了无可辩驳的视觉佐证。比如，书中对比了欧洲高级定制的最后挣扎与美国成衣的蓬勃发展，通过高清晰度的对比照片，读者能直观感受到制作工艺和商业模式的巨大分野。语言上，作者摒弃了学院派的刻板说教，采用了更具亲和力、略带戏谑的口吻，像是与一位见多识广的老友在咖啡馆里闲聊。这种轻松的语调让那些复杂的社会学和经济学分析变得易于消化。读完后，我感觉自己不仅对那个时期的服饰有了新的认知，更对那种在冲突中诞生、在实验中成型的文化创造力产生了由衷的敬佩。

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我花了很长时间才读完这本书，不是因为它冗长，而是因为每一页都值得反复咀嚼、细细品味。作者构建了一个极其细致的知识网络，将时尚的演变放在全球地缘政治和技术进步的大背景下去审视。例如，书中探讨了非西方文化元素（如印度纺织品、日本美学）如何被西方设计师吸收和再创造，揭示了全球化思潮在时尚领域的早期萌芽。这种跨文化的视角极大地拓宽了我的理解边界。它的论证过程严谨而有力，充满了细节支撑，绝非泛泛而谈。我特别欣赏作者对于“风格的生命周期”的洞察，书中精确地指出了哪些元素是真正具有持久影响力的文化遗产，而哪些只是昙花一现的流行符号。阅读体验是渐进式的：起初是被表面的美学吸引，继而被深层次的社会动力所折服，最终则被那种对人类创造力不懈追求的赞歌所打动。这本书无疑是理解现代审美体系的基石之一。

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说实话，我带着一种批判性的眼光开始阅读这本书，毕竟这类回顾性作品很容易落入“浪漫化陷阱”。然而，作者的处理方式相当老辣和平衡。他们没有回避那个时代光环下的阴影，而是坦诚地讨论了文化挪用、阶级壁垒在时尚表达中的体现。例如，在讨论波普艺术对街头风格的影响时，书中毫不避讳地指出了，某些前卫的风格最初是如何被精英阶层吸收和“净化”后，才最终成为大众追捧的潮流，这中间的权力转移过程被剖析得十分透彻。这本书的文字风格非常具有节奏感，读起来有一种电影蒙太奇的跳跃感，一会儿聚焦于伦敦萨维尔街的裁缝工作室，下一页就切换到了纽约伍德斯托克的泥泞草地。这种叙事手法极大地增强了代入感。它不是一本“教你穿衣”的教程，而是一部“教你理解时代如何穿衣”的深度解析。对于那些只了解皮毛、想探究本质的读者来说，这本书提供了无与伦比的深度。

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