具体描述
The most comprehensive and widely used Broadway reference book has been expanded and updated to include nearly 400 of the most important and memorable productions of the American musical theatre, including revivals. Chronologically arranged beginning with The Black Crook in 1866, the sixth edition adds entries on numerous musicals from recent years, including The Lion King, Hairspray, The Producers, Wicked, Mamma Mia , Thoroughly Modern Millie, Avenue Q, and others. Features a wealth of statistics, including: music and lyrics information; names of producers, directors and choreographers; cast lists; New York run dates; songs; and more. Also includes inside information, info on critical reception, and pithy commentary about each show.
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读后感
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坦白讲，我原本以为这会是一本读起来比较轻松的“粉丝向”读物，但事实证明，我对它的期待过于肤浅了。这本书的学术性远超预期，其论证的严密性甚至可以媲美严肃的文化人类学研究。它不仅仅是记录发生了什么，更试图解释“为什么会这样”。作者对百老汇与时代政治环境的相互作用进行了冷峻的考察，探讨了审查制度、工会力量以及资本流动如何共同塑造了艺术的边界。在某些章节，特别是探讨战后初期对“美国梦”的批判性反思时，其论述的力度和广度，让我不得不停下来反复阅读，进行思考。它毫不留情地揭示了光鲜舞台背后那些不易为人知的权力博弈和商业妥协。阅读它，就像是透过华丽的幕布，看到了支撑这个庞大产业的复杂骨架和驱动力。这种不加粉饰的真实呈现，对于追求全面了解一个文化现象的读者来说，是极其宝贵的。
评分这本书最让我惊喜的地方在于它对“人物塑造”的执着探讨。许多关于音乐剧的书籍往往将重点放在了音乐和舞蹈上，而这部作品却将聚光灯打在了那些被音乐包裹的灵魂之上。作者细致地分析了不同时代主角的心理侧面，以及他们所演唱的歌曲是如何成为揭示内心冲突的有效工具的。比如，书中有一段非常精彩的文字，讨论了“反英雄”角色在七十年代后是如何逐渐占据舞台中心的，这反映了时代精神从乐观主义向反思与犬儒主义的转变。我特别喜欢作者分析角色复杂性时所采用的对比手法，将同一主题在不同年代的剧目中如何被演绎进行了对比，清晰地展示了社会变迁对艺术表达的重塑作用。它让我重新审视那些耳熟能详的经典唱段，不再仅仅是旋律上的享受，而更深层次地理解了角色在特定情境下的呐喊与挣扎。这种对“歌唱性戏剧”内核的挖掘，无疑提升了整部作品的深度。
评分翻开这本厚重的文本，首先映入眼帘的是其严谨的史学态度和宏大的叙事结构。它没有沉溺于表面化的华丽辞藻，而是像一位耐心的历史学家，抽丝剥茧地追溯了现代舞台演出的源头，特别关注了那些被主流叙事忽略的边缘声音。我发现作者对于技术革新在舞台呈现中的作用有独到的见解，比如早期灯光技术如何赋予了歌舞场景前所未有的戏剧张力，或是音响设备升级如何影响了旋律的编排方式。书中关于“布景设计如何成为叙事的一部分”的那几章，简直是打开了新世界的大门。它详尽地描述了从固定背景到动态场景转换的演变过程，这不仅仅是工程学的问题，更是一种美学选择。读完后我意识到，我们所赞叹的那些令人窒息的舞台奇观，绝非偶然，而是无数设计师和技术人员集体智慧的结晶。这种从宏观历史脉络到微观技术细节的全面覆盖，让这本书的价值远超一般性的回顾录，更像是一部关于舞台艺术工程学与美学交互发展的研究报告。
评分这部关于戏剧艺术的巨著，着实让我沉浸在百老汇那光怪陆离、绚烂夺目的世界里。书中对黄金时代的经典作品进行了深入的剖析，不仅仅是简单地罗列剧目名称和上演年份，而是细致入微地探讨了每一部里程碑式作品背后的社会思潮、作曲家与作词家的创作心路历程，乃至那些被后世津津乐道的“幕后轶事”。比如，作者对《俄克拉荷马！》如何彻底改变了音乐剧的叙事结构，使其从松散的歌舞串烧转变为一体化的戏剧体验，那段论述简直是教科书级别的。我尤其欣赏作者的笔触，那种对艺术的敬畏和深切的理解，使得枯燥的文献回顾也变得如同欣赏一场精彩的谢幕。阅读过程中，我仿佛能闻到剧院里老旧的绒布气味，感受到聚光灯打在舞者身上的灼热感。书中对于早期几位“音乐剧之父”——如罗杰斯与汉默斯坦组合——的创作哲学对比分析，极为精辟，揭示了他们如何平衡商业诉求与艺术创新之间的微妙关系。对于一个长期关注舞台艺术的爱好者来说，这本书提供了一个极佳的框架，用以理解“百老汇之声”是如何从欧洲歌剧和轻歌剧的藩篱中挣脱出来，最终成为一种独特的、充满美国精神的戏剧形式。
评分这本书的叙事节奏拿捏得极其高明，它巧妙地在史诗般的全景回顾和聚焦于个体杰作的特写之间来回切换，保证了阅读过程中的新鲜感和吸引力。作者在描述那些诞生于危机时期的作品时，其文字充满了感染力，仿佛能让人感受到创作者在巨大压力下迸发出的创造力火花。我被那种“在废墟中重建美学”的精神深深打动。而且，书中对那些被市场暂时遗忘，但艺术价值极高的“遗珠”的重新发掘和重新定位，非常值得称赞。它不仅仅是为那些家喻户晓的大制作立传，更像是在为整个艺术谱系进行一次细致的“考古”。书中穿插的那些口述历史片段，如导演、演员或幕后工作人员的直接引语，为原本书面化的叙述增添了人情味和现场感，让冰冷的历史瞬间鲜活了起来。这种平衡感——既有学者的洞察力，又不失故事讲述者的魅力——是这部作品最出色的地方。
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