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价格:12.80元

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isbn号码:9787500302056

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• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 美术
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• 临摹
• 写意
• 国画
• 教程
• 入门

《山河入梦：中国画的意境与传承》 在中国浩瀚的文化星河中，中国画以其独特的东方韵味和深厚的哲学底蕴，书写着一曲曲关于自然、人生与精神的赞歌。本书并非一部简单的图录或技术手册，而是试图带领读者潜入中国画的灵魂深处，探寻其意境之美、精神之魂，以及这份古老艺术如何在时代浪潮中汲取养分、生生不息。 本书将从中国画的起源与发展脉络入手，追溯其从远古的岩画、彩陶纹饰，到秦汉魏晋的壁画、墓室画，再至唐宋的辉煌、元明清的演变，勾勒出一条清晰而丰富的艺术长河。我们将了解不同时期在题材、风格、技法上的创新与传承，以及这些变革背后所折射出的时代精神和社会思潮。从张彦远的《历代名画记》中窥见古人对绘画的理解，到米芾的“搜尽奇峰打草稿”，再到董其昌的“南北宗论”，这些绘画理论不仅是中国画发展的里程碑，更是理解其内在逻辑的金钥匙。 然而，中国画的魅力绝不止于历史的梳理。本书将重点聚焦于“意境”这一中国画的核心概念。我们不满足于欣赏笔墨的精湛，更致力于解读画面背后所蕴含的情感、哲理和诗人般的想象。山水画如何通过“皴法”的运用，将山川的骨骼、肌理、风貌栩栩如生地展现在纸上，同时又寄托了文人雅士“天人合一”、“寄情山水”的理想？花鸟画如何通过对生命细微之处的捕捉，传达出“花鸟皆有情”的生命意识，以及艺术家对自然的敬畏与热爱？人物画又如何超越对形似的刻画，追求“传神写照，唯在阿堵”的境界，描绘出人物的内心世界与精神气质？本书将通过对经典作品的深度剖析，引导读者去感受那“言有尽而意无穷”的艺术张力。 在技法层面，本书并非枯燥的示范，而是将其融入意境的解读之中。我们将探讨中国画独特的“笔墨”语言——勾、皴、擦、染、点，如何不仅仅是物质的媒介，更是情感的载物，是艺术家精神活动的直接体现。不同笔法的变化，如“中锋”、“侧锋”、“逆锋”，如何创造出不同的线条质感和力量感？“墨法”的运用，如“浓、淡、干、湿、焦”，如何营造出空间的层次、光影的明暗，以及画面的气韵生动？我们将深入浅出地讲解这些技法，并结合具体的作品，让读者理解这些技法如何为意境的表达服务，如何让画面“活”起来。 此外，本书还将触及中国画的哲学根基。儒、道、释思想对中国画的影响是显而易见的。道家的“道法自然”，体现了对宇宙规律的尊重和对生命本真的追求，这在山水画中表现得淋漓尽致。佛家的“空寂”、“禅意”，则为花鸟画和人物画带来了超脱世俗的宁静与玄远。儒家的“致中和”，则促使艺术家在笔墨的挥洒中追求一种恰到好处的和谐与平衡。理解这些哲学思想，便能更深层次地把握中国画为何如此强调“气韵生动”，为何追求“写意不写实”。 最后，本书还将关注中国画的传承与创新。在现代化进程中，中国画面临着新的挑战和机遇。传统技法的守护与发展，新材料、新观念的融入，以及中国画在国际舞台上的传播，都是当前艺术界关注的焦点。本书将呈现一些当代中国画家的探索与实践，他们如何在坚守传统的同时，注入新的时代精神和个人风格，让中国画焕发出新的生命力。 《山河入梦：中国画的意境与传承》是一次对中国画的深度巡礼，它不仅是为了让读者认识中国画的美，更是为了引导读者去感受、去体悟，去发现中国画中蕴含的东方智慧和民族精神。无论您是初次接触中国画的爱好者，还是已有一定基础的鉴赏者，本书都希望能成为您探索中国画世界的一盏明灯，引领您走入那充满诗意与哲思的艺术殿堂。

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这套《中国画61》简直是艺术爱好者和专业人士的福音！我拿到书的时候，首先被它精美的装帧和纸张质量所震撼，那种厚重的手感和细腻的触感，立刻让人感受到出版方对艺术的尊重。打开书页，首先映入眼帘的是一组组令人惊叹的宋元山水画高清复制品。特别是那些气势磅礴的巨制，即便是通过印刷品，也能感受到原作中那种“可行、可望、可游、可居”的意境。书中的选篇非常独到，不仅收录了那些耳熟能详的大师名作，更穿插了一些鲜为人知的精品，让我这个自诩对中国画有些研究的人都大开眼界。比如，其中对某位南宋院画家的几幅小品做了深入的剖析，从笔墨的皴法、墨色的浓淡变化，到构图的虚实处理，都讲解得鞭辟入里。更让我惊喜的是，书后附带的光盘（如果有的话，或者假设它有高质量的数字资源），提供了部分作品的放大细节图，让我们可以近距离观察到画家的笔触是如何一笔一划地构建起山川河流的肌理，那种精微之处，是站在展厅里也难以企及的体验。这本书绝对不是那种走马观花的画册，它是带着研究的深度和鉴赏的温度，值得反复摩挲品读。

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我是一个纯粹的艺术收藏爱好者，对绘画本身知之甚少，购买《中国画61》主要是想提升自己的鉴赏水平，好在日后收藏时能做出更明智的判断。这本书在“印章与题跋”这一模块的处理上，做得极为专业和细致。它不只是简单地展示印章的样式，而是深入探讨了特定时期文人对“闲章”、“引首章”的审美取向变化，以及题跋文字内容如何反过来印证或补充了画作的精神内核。例如，书中有一段对某幅画作长篇题跋的释读，不仅考证了题跋者的生平，更结合当时的政治气候，解读出字里行间那种“托物言志”的深意。对我这样的业余爱好者来说，这部分内容堪称“鉴赏速成指南”。它教会了我如何透过画面本身，去解读“人、文、事、物”的复杂交织，让一幅画不再是孤立的艺术品，而是历史长河中的一个有机的存在。这本书的鉴赏密度非常高，值得慢慢消化。

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这本《中国画61》给我的整体感觉是“意料之外的现代性”。我原本以为它会是一本偏向传统讲解的教材，但它却在讨论传统技法时，不断地穿插当代艺术理论的视角，形成了一种奇妙的对话感。例如，书中在分析某位清代画家运用留白来处理“空无”时，居然引用了当代极简主义的构图理念进行类比，这让我对传统艺术的普适性有了全新的认识。此外，这本书的版式设计非常前卫，虽然内容是古典的，但留白的处理、字体字号的选取，都体现出一种克制而又现代的美学。特别是对一些局部细节的放大处理，不再是简单的放大，而是通过色彩的重新平衡，突显出墨线在不同光照下的质感变化，这种视觉处理方式非常具有现代摄影的介入感。它成功地打破了传统画册的沉闷感，让年轻一代的读者也能轻松地与这些经典对话，从中汲取跨越时代的养分。

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我买这本书纯粹是想找点灵感，毕竟近来作画总感觉思路枯竭，拿起《中国画61》后，我立刻被那种扑面而来的文人气息所吸引。这本书的编排逻辑非常巧妙，它似乎不是按照时间线索简单堆砌，而是更侧重于某种“气韵”的传承。我特别留意了其中关于花鸟画部分的内容，那些对“写意”与“写形”之间微妙平衡的探讨，简直是为我这种在形神兼备上挣扎的画家开了一盏明灯。书中展示的那些明清以来的写意花鸟作品，不仅仅是简单的物象描摹，它们是画家情绪的投射，是诗意的视觉化呈现。我甚至尝试着模仿其中一幅画中用淡墨勾勒荷叶边缘的手法，虽然火候远不及原作，但那种探索过程本身就让人兴奋。这本书的文字部分，摒弃了晦涩难懂的术语，采用了更贴近创作者心灵对话的方式来阐述技法和审美，读起来毫不费力，却又能时不时地被某一句精辟的点评击中要害，让人醍醐灌顶。对于想提升作品精神内涵的画者来说，这本书的启发性是巨大的。

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坦率地说，我最初对这套“61”感到有些疑虑，这个数字是代表卷册数还是年代跨度，感觉有点武断。但深入阅读后，我发现这可能是一个涵盖了中国画发展史上若干关键“转折点”的专题系列中的一卷。这本书的视角非常独特，它没有把焦点过多地放在宫廷画派上，反而花了相当大的篇幅去解读地域性画派，比如徽州画派或是金陵画派的一些被低估的代表人物。这种发掘“遗珠”的编辑思路，极大地拓宽了我的视野。我尤其欣赏书中对“笔墨语言的地域性差异”的对比分析。比如，书中并置展示了两种不同地域画家对“松针”的描绘方式，一个遒劲有力，侧重筋骨；另一个则飘逸柔和，更重墨韵。这种直观的比较，远胜过千言万语的说教。对于研究中国画地域风格演变的学生来说，这本书提供的视觉证据和理论支撑是极具价值的。它让“中国画”这个宏大概念变得更加立体和多元。

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