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价格:275.00元

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isbn号码:9789812451484

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《艺术的温度：雕塑中的情感表达》 内容简介： 本书深入探究了雕塑这一古老艺术形式如何捕捉、传达并唤起人类最细腻、最复杂的情感。从原始石器的粗犷力量到现代装置的抽象思考，作者以独特的视角，剖析了历代艺术家如何在冰冷的材质中注入温暖的情感，赋予无生命的物体以灵魂与生命力。 我们将一同回顾古典时期雕塑的庄重与崇高，理解那些神祇与英雄的塑像如何承载着民族的信仰与理想，以及它们如何通过健美的肢体、肃穆的面容传递出超越时空的敬畏与力量。无论是古希腊帕特农神庙的浮雕，还是古罗马帝王的全能雕像，都展现了人类对秩序、和谐与永恒的追求，而这些无不通过雕塑的形式，以一种沉默而强大的方式直击人心。 进入中世纪，宗教艺术的繁荣为雕塑注入了新的生命。本书将详细解读哥特式教堂的飞扶壁与彩色玻璃旁，那些形态各异的圣徒、天使与魔鬼的雕塑。它们不再仅仅是建筑的装饰，更是讲述信仰故事、引发虔诚共鸣的视觉诗篇。艺术家们通过人物扭曲的肢体、虔诚的祈祷姿态、或是痛苦的表情，将信仰的狂热、对神圣的敬畏以及对罪恶的警示，以一种极具感染力的方式呈现在信徒面前，使人感受到信仰的磅礴力量与对救赎的渴望。 文艺复兴时期，雕塑艺术迎来了一个辉煌的黄金时代。米开朗琪罗的《大卫》所展现的青春活力与坚定意志，《哀悼基督》中圣母悲伤的深邃与圣洁，都成为了人性的光辉典范。本书将详细解析这些杰作如何通过对人体解剖学的精准把握，对人物内心世界的深刻洞察，将写实主义推向极致，并赋予其独特的精神内涵。我们也将审视多纳泰罗的《加塔梅拉塔骑马像》所代表的现实主义力量，以及贝尔尼尼巴洛克雕塑中那种戏剧性的动感、强烈的光影对比以及情感的张扬，如何将观众带入一个充满激情与戏剧性的瞬间。 进入近代，雕塑艺术的边界被不断拓展。罗丹以其粗犷、充满张力的作品，将人物内心的痛苦、挣扎与激情赤裸裸地展现出来。他的《思想者》不再仅仅是思索的姿态，而是人类精神困境的象征；《吻》则将肉体的渴望与情感的缠绵推向极致。《加莱义民》中，艺术家毫不掩饰地刻画了英雄的悲壮与牺牲，将情感的重量凝固在铜铁之中。本书将深入分析罗丹作品中肌理的运用、动态的构图以及对人身体语言的独特解读，如何成就了其作品强大的情感冲击力。 20世纪至今，抽象雕塑和观念艺术的兴起，为情感的表达带来了全新的维度。康斯坦丁·布朗库西的极简主义作品，如《沉睡的缪斯》，通过提炼与概括，将睡梦中的宁静与轻柔之美，以最纯粹的几何形态呈现。他的作品看似冰冷，实则蕴含着一种宇宙性的宁静与生命的诗意。而贾科梅蒂那些瘦削、孤寂的人物形象，则反映了战后时代人类的疏离感、存在主义的焦虑与对个体价值的追寻。本书将探讨艺术家如何通过材质的选择、形态的变形、空间的运用，以及与环境的互动，来唤起观众内在的情感体验，甚至创造一种超越具体形象的情感共鸣。 《艺术的温度：雕塑中的情感表达》不仅仅是对雕塑史的回顾，更是对人类情感在物质形态中永恒生命力的致敬。通过对大量经典与当代雕塑作品的细致解读，本书将引导读者超越纯粹的视觉欣赏，进入一个更深层次的情感对话空间，感受艺术如何以其独特的方式，触动我们内心最柔软的角落，让我们得以窥见人性的幽深与广阔。这本书，将是一次关于情感与物质、生命与艺术的深刻旅程。

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对于一个初涉设计领域的新手来说，这本书的价值在于它的“去神话化”处理。很多宏伟的建筑在教科书里总是被描绘得完美无缺，但这本书却毫不留情地揭示了它们在建造过程中遭遇的技术难题以及最终妥协的方案。这对于我们这些正在学习如何解决实际问题的人来说，是极其宝贵的教训。它让我明白，完美的设计往往诞生于对限制条件的深刻理解和创造性的应对。书中对结构体系的分析尤其到位，比如混凝土拱肋的受力分析，讲解得极其透彻，甚至连配筋的布局逻辑都清晰可见。我欣赏它这种直面困难的诚实态度，它没有提供廉价的成功秘诀，而是展示了通往成熟所必须经历的那些“弯路”和“死胡同”。读完之后，我对待自己设计方案中的缺陷时，心里也多了一份坦然和理解，因为我知道，这是设计过程中必然会发生的一部分。

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这本书的插图精美得令人惊叹，每一个细节都仿佛经过了匠人的精心打磨。我特别喜欢它对不同建筑风格的剖析，从古典主义的严谨对称到现代主义的自由奔放，图示清晰地展示了结构是如何与美学完美结合的。翻阅时，我常常停下来，不是为了阅读文字，而是为了沉浸在那些线条和阴影构筑的世界里。那些剖面图和节点大样，对于一个对建筑构造心存好奇的人来说，简直是视觉的盛宴。它不是那种空泛的理论说教，而是扎根于实际的工程逻辑之中，让你真切地感受到一栋建筑是如何从图纸变成现实的。特别是关于材料肌理的展现，那种粗粝的石材感或是光滑的玻璃反光，即使只是在纸面上，也仿佛能触摸到它们真实的质感。对于那些试图理解建筑“如何建造”而非仅仅“看起来如何”的读者来说，这本书提供了一扇通往内部世界的窗户。它教会我用一种更深层次的眼光去审视身边的建筑，发现那些隐藏在宏伟立面之下的精巧设计和无数次权衡取舍。

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最让我感到惊喜的是，作者竟然能够将如此硬核的结构和规范内容，用一种近乎诗意的语言来表达。例如，在讨论到垂直交通组织时，他引用的比喻和类比，让原本枯燥的空间流线分析变得生动起来。这使得这本书不仅是技术人员的案头书，也对非专业背景但对空间体验有追求的读者具有极大的吸引力。它成功地架设了一座桥梁，连接了冰冷的技术数据和温暖的人类体验。通过阅读，我开始重新审视“尺度”这个概念——建筑是如何通过墙体的厚度、窗洞的比例，来微妙地影响我们内在的情绪和行为的。这种对“尺度感”的细致入微的捕捉和阐释，让这本书远超一般的技术手册，达到了某种哲学思辨的高度。它鼓励读者去感受空间，去倾听材料在讲述它们自己的故事。

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坦白说，这本书的叙事节奏把握得相当高明，它没有采用传统的编年史或者地域划分的方式来梳理建筑史，反而更像是一场深入主题的专题探讨会。我发现作者非常擅长在看似不相关的案例中，挖掘出共通的时代精神和技术语境。比如，某一段关于光影处理的章节，他能把拜占庭的穹顶和日本传统木结构的采光技术放在一起比较，这种跨越时空的对话感，极大地拓宽了我的认知边界。文字的密度适中，既有学术的严谨性，又不至于让人望而却步。它更像是经验丰富的导师在耳边低语，引导你思考设计决策背后的哲学思辨。每次合上书本，我都会感到大脑里那些零散的知识点被重新编织成了一张更有逻辑的网。它不是一本让你速读的书，而是一本需要你用铅笔在旁边做标记、时不时需要停下来思考很久的“工作伙伴”。

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这本书的排版和装帧设计本身就是一种对建筑精神的致敬。纸张的选择似乎特意强调了书中的内容——那些厚重、有质感的纸张完美地承载了那些复杂而精细的图样。装帧的工艺非常扎实，书脊的处理使得它即便是被频繁翻阅，也能保持良好的平整度，这一点对于需要经常参考的工具书来说至关重要。色彩的运用极其克制，主要集中在黑白灰与少量需要强调的色块上，这种极简主义的风格与书中所探讨的主题完美契合，没有一丝多余的装饰分散读者的注意力。我甚至觉得，这本书的物理形态本身就是一件设计作品，它的触感和视觉重量都与它所承载的知识的厚度相匹配。它不是那种读完就可以束之高阁的书籍，更像是一件值得放在案头，随时可以拿起翻阅的参考物件。

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