Social History of Art, Boxed Set pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Routledge

作者:Arnold Hauser

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-02-06

价格:USD 130.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780415478465

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 社会史
• 艺术
• 历史
• 文化
• 西方艺术
• 艺术理论
• 书籍
• 套装
• 学术

好的，以下是关于其他艺术史主题的图书简介，这些内容与您提到的《Social History of Art, Boxed Set》无关： --- 重塑文艺复兴的辉煌：意大利城邦的艺术、权力与商业 这部深入的学术著作，旨在颠覆传统上将文艺复兴视为纯粹美学觉醒的观点，转而聚焦于15世纪至16世纪意大利城邦（如佛罗伦萨、威尼斯和罗马）复杂的社会、经济和政治生态系统如何塑造了其无与伦比的艺术成就。作者摒弃了“天才艺术家”的浪漫化叙事，将目光投向了赞助人阶层——银行家、教皇、贵族和行会——他们不仅是艺术的消费者，更是艺术生产过程的直接塑造者和意识形态的构建者。 本书首先对佛罗伦萨美第奇家族的赞助策略进行了详尽的考察。通过分析银行家族的财政记录、私人信件以及他们对公共建筑和宗教慈善事业的投资，揭示了艺术如何被用作巩固家族权威、进行政治宣传和自我神化的关键工具。达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔等巨匠的作品，不再仅仅是纯粹的创造力展现，而是被置于一个充满竞争、排他性权力斗争的背景之下进行解读。 接着，研究转向了威尼斯共和国，一个以商业贸易和海上霸权著称的城邦。与佛罗伦萨的内向型精英统治不同，威尼斯的艺术赞助系统更加分散，更注重公共庆典和国家仪式的展示。本书详细探讨了提香和丁托列托如何通过其色彩的运用和宏大的叙事，来服务于共和国的“光荣神话”，为这个独特的、注重实效的政治实体提供视觉上的合法性。重点分析了玻璃、丝绸和香料贸易的财富如何直接转化为对大型油画和公共壁画的需求，以及这些艺术品如何服务于威尼斯共和国与东西方世界进行视觉外交的需要。 在罗马部分，重点关注了教皇权力的复兴及其对盛期文艺复兴建筑和雕塑的决定性影响。尤为深入地剖析了尤利乌斯二世（Julius II）的雄心壮志，他如何将自己定位为古代帝国的继承者，以及他与布拉曼特和米开朗基文的合作如何催生了圣彼得大教堂和西斯廷教堂天顶画，这些作品超越了单纯的宗教主题，成为了对教廷普世权力的庄严宣告。 本书的创新之处在于引入了“艺术市场的早期形成”的分析框架。它考察了早期印刷术、版画的兴起如何首次使得高雅艺术的图像能够跨越阶级界限进行传播，以及艺术家行会的规章制度如何限制或促进了艺术技能的流动性。通过对原材料（如昂贵的颜料、大理石）的采购链条的追溯，本书揭示了艺术品生产的物质基础，挑战了将艺术史与经济史割裂的传统做法。 最终，该书不仅为我们理解文艺复兴的艺术语言提供了坚实的社会历史基础，更重要的是，它提供了一个关于权力、财富、意识形态如何相互作用，并在历史的关键转折点上，以视觉文化的形式被编码和传达的深刻见解。它要求读者重新评估我们所珍视的“古典”美的标准，将其置于充满冲突和交易的真实历史脉络之中。 --- 现代性的阴影与光芒：19世纪末至20世纪上半叶的欧洲视觉文化 本书是一部对1880年至1945年间欧洲视觉文化进行跨学科考察的重量级著作。它拒绝将印象派、后印象派、野兽派、立体主义和抽象表现主义等运动视为线性发展的阶段，而是将它们置于一个由快速工业化、帝国主义衰落、大众媒介的兴起以及两次世界大战带来的心理创伤所构成的复杂社会剧场中进行审视。 本书的核心论点在于，现代艺术的激进形式是欧洲社会在面对前所未有的技术、社会和存在危机时，对既有视觉秩序进行颠覆性回应的结果。 第一部分聚焦于“都市景观的重构”。通过对巴黎、柏林和维也纳的详细案例分析，探讨了新的城市规划（如奥斯曼的巴黎改造）如何改变了观看的方式。印象派对光影的捕捉，不再仅仅是对自然现象的兴趣，而是对城市经验的碎片化、瞬间性的适应。同时，本书深入研究了商业广告、明信片、橱窗展示等新兴的大众视觉形式，如何与精英艺术进行复杂的对话和竞争，共同塑造了公众对“现代”的感知。 第二部分深入剖析了“原始主义与异域凝视”。在欧洲帝国主义扩张的背景下，对非洲和太平洋岛屿艺术的接触，对西方艺术产生了颠覆性的影响。本书批判性地考察了毕加索和野兽派画家如何挪用非西方形式，揭示了这种“借用”行为中潜藏的殖民主义权力结构与人类学好奇心之间的矛盾。通过分析欧洲艺术机构对“原始”艺术品的收藏和展示方式，本书揭示了知识生产和文化霸权是如何通过博物馆和画廊实现的。 第三部分转向了技术焦虑与艺术的物质性。电气化、摄影术和电影的出现，极大地挑战了绘画作为唯一真实记录媒介的地位。立体主义对空间和视角的解构，可以被看作是对照相技术冲击的一种回应。而未来主义者对速度、机器和暴力的颂扬，则展现了对工业进步的狂热信仰与对传统人文主义的彻底决裂。 本书的压轴部分聚焦于“战争与图像的终结”。一战后的达达主义和超现实主义，是对理性逻辑和既定美学体系幻灭的直接表达。通过对杜尚的现成品（Readymades）和马格利特的图像颠覆性策略的细致分析，本书论证了这些行为如何预示着艺术本体论的根本性转变——从“创造美”转向“质疑观看”。超现实主义对潜意识和梦境的探索，则是对现代社会压抑性规范的深层心理批判。 通过对这五十年间艺术实践、技术进步和社会变革的交叉分析，本书为理解现代艺术的内在矛盾性提供了一个清晰而有力的框架：现代艺术既是对进步的赞歌，也是对技术异化最深刻的哀歌。 --- 超越图像的维度：20世纪下半叶的身体、环境与观念艺术 本书将目光投向了二战后的艺术转向，重点考察了1960年代至1980年代初期，艺术如何从对传统媒介（绘画、雕塑）的关注，彻底转向对过程、时间、空间、以及参与者身体的探索。它将极简主义、观念艺术、大地艺术（Land Art）和行为艺术（Performance Art）视为一个相互关联的、旨在拆解艺术品“物化”倾向的整体运动。 第一部分讨论了极简主义对“对象性”的消解。通过分析唐纳德·贾德、卡尔·安德烈和丹·弗拉文的作品，本书阐明了极简主义如何拒绝任何叙事或象征意义，强调作品的物质性（Materiality）和它在特定空间中所占据的实际位置。这种对“特定场地性”（Site-Specificity）的关注，标志着艺术不再是进入画廊的物品，而是成为环境的一部分。 第二部分详尽地分析了观念艺术的革命。以索尔·勒维特、约瑟夫·科苏斯和劳伦斯·韦纳的工作为中心，本书论证了“观念本身就是艺术作品”的宣言如何彻底解放了艺术的物质载体。艺术的价值不再依赖于手工技艺或稀有性，而是依赖于其背后的逻辑、语言结构或哲学命题。本书特别考察了观念艺术如何挑战博物馆和市场的权力，因为它们的作品常常是以指令、文本或档案的形式存在的，难以被传统藏家机制所“拥有”。 第三部分聚焦于身体作为终极媒介的回归——行为艺术和身体艺术的兴起。在社会动荡和女权主义思潮的影响下，艺术家如玛丽娜·阿布拉莫维奇、克里斯·伯登和维托·阿肯迪（Vito Acconci）将自己的身体作为表达工具，直接面对观众，探索痛苦、耐力、性别角色和社会边界。本书深入探讨了这些表演的风险性，以及它们如何挑战了艺术与日常生活之间的传统界限。 最后，本书审视了环境的介入——大地艺术。史密斯森（Robert Smithson）的《螺旋防波堤》和迈克尔·海泽的作品，体现了一种对艺术品永久性的怀疑。这些作品的尺度宏大，且往往位于难以到达的地理位置，其存在依赖于摄影和文献的传播，这本身就是对传统艺术品价值体系的深刻质疑。 本书旨在说明，20世纪下半叶的艺术运动并非艺术的衰退或终结，而是一场深刻的解放，它将艺术的定义扩展到了无限的可能性，为当代艺术的多元化发展铺平了道路。

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