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出版者:McGraw-Hill Humanities/Social Sciences/Languages

作者:David Willoughby

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2009-8-5

价格:491.00 元

装帧:CD-ROM

isbn号码:9780077265984

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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《音乐的世界：精选集》 导言：开启音乐之旅的钥匙 《音乐的世界：精选集》并非仅仅是一套专辑或一系列课程的补充材料，它是一扇通往人类音乐宝库的宏大门户。本书旨在为初学者和资深乐迷提供一个全面、深入且富有启发性的音乐探索框架。我们坚信，音乐是人类经验中最深刻、最普遍的表达形式之一，理解它需要的不只是耳朵的聆听，更需要知识的引导和历史的梳理。 本精选集的核心目标，是构建一个跨越时间、地域和风格的音乐地图。它拒绝将音乐局限于狭隘的学院派定义，而是拥抱从巴洛克到当代电子乐，从非洲鼓点到印度拉格的广阔频谱。我们力求提供一个坚实的理论基础，同时保持对音乐情感力量的敏感和尊重。 第一部分：音乐的基石——概念与要素的解构 理解音乐，首先要理解其构筑元素。本部分将详细解析音乐语言的基本词汇，这些词汇是所有音乐风格共同依赖的语法结构。 旋律的流动与形态： 我们将探讨旋律是如何被构建的，从最基础的音高关系到复杂的动机发展。分析和声学在旋律塑造中的作用，以及不同文化中旋律如何适应其语言和情感结构。将通过具体实例展示如何识别和分析乐句的张力与释放。 节奏的脉动与复杂性： 节奏是音乐的骨架和心脏。本章将超越简单的节拍计数，深入探讨复节奏（polyrhythms）、切分音（syncopation）以及时间感的心理学基础。我们会对比西方三拍子与非洲复合节奏的差异，揭示节奏如何驱动舞蹈、仪式和叙事。 和声的色彩与情感投射： 和声是音乐的情感调色板。我们将系统梳理从简单的三和弦到复杂的十二音体系的发展历程。重点分析调式（modes）在不同时代音乐中的应用，例如多立克调式在早期民间音乐中的沉静，以及弗里吉亚调式在弗拉明戈音乐中的激情。和声的“解决”（resolution）与“不解决”如何影响听众的预期和情绪体验，将是本节的核心讨论点。 音色与织体的探索： 乐器的选择、演奏技法以及声音的组合（织体，如单音、主调、复调）共同定义了音乐的质感。本章将详细分析管弦乐队配器法的发展，以及电子合成器如何拓展了音色的物理边界。我们将探讨“厚重”与“稀疏”、“清晰”与“模糊”的织体如何服务于特定的艺术意图。 第二部分：历史的洪流——西方音乐的演进轨迹 本部分将聚焦于西方艺术音乐的宏大叙事，追溯其从宗教吟唱到个人表达的演变过程。我们关注的不仅是作曲家和作品，更是社会、技术和哲学思潮如何重塑了音乐的形态。 中世纪与文艺复兴的奠基： 探讨格里高利圣咏的单音传统，以及复调音乐的诞生如何标志着对声音空间控制的革命。文艺复兴时期“人类中心主义”思潮对音乐清晰度和情感表达的影响。 巴洛克的辉煌与理性： 聚焦巴赫、亨德尔等巨匠对对位法和赋格的精湛运用。解析通奏低音（basso continuo）作为驱动力的重要性，以及歌剧作为综合艺术形式的早期确立。 古典主义的平衡与形式美： 海顿、莫扎特和贝多芬如何确立了奏鸣曲式、协奏曲和交响曲的标准范式。分析“维也纳古典乐派”对清晰结构、对称美和普适性情感表达的追求。 浪漫主义的狂飙与自我： 探讨音乐如何成为表达个人内心世界、超越理性桎梏的主要工具。从肖邦的钢琴诗到瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk），分析音乐体量、和声色彩以及叙事野心如何空前膨胀。 二十世纪的断裂与重构： 这是一个充满实验与反叛的时代。本章将梳理从印象派（德彪西）到无调性（勋伯格）、序列主义（韦伯恩）的激进探索。同时，我们也将审视斯特拉文斯基对原始节奏的回归，以及极简主义（赖利、史蒂夫·赖希）对重复与时间感的新理解。 第三部分：世界之声——超越欧洲的音乐景观 音乐的价值在于其多样性。本部分将带领读者走出欧洲音乐的固定框架，体验全球主要音乐文化体系的独特性与深度。 东亚的精致与哲学： 深入探讨中国传统音乐的“意境”概念，分析五声音阶在古琴和民乐中的应用。解析日本雅乐（Gagaku）中缓慢、沉思的节奏结构及其与宗教仪式的关联。 南亚的复杂性与精神性： 详细解析印度古典音乐的“拉格”（Raga，旋律框架）和“塔拉”（Tala，节奏周期）系统。通过对西塔琴或萨罗德独奏的分析，理解即兴创作在南亚音乐传统中的核心地位及其与冥想的关系。 非洲的律动与社群： 探讨撒哈拉以南非洲音乐的口传传统、鼓语（talking drums）的功能性，以及音乐在社群生活中的不可分割性。重点分析集体即兴、问答结构（call-and-response）如何体现社会互动。 拉丁美洲的融合与激情： 从古巴的颂歌（Son）到阿根廷的探戈，分析欧洲和声与非洲/本土节奏如何在殖民历史中碰撞、融合，创造出充满生命力的音乐风格。 第四部分：现代脉动——二十世纪至今的变革 聚焦于技术革新、大众媒体普及以及文化交流如何彻底重塑了我们所说的“音乐”。 爵士乐的诞生与演变： 将爵士乐视为美国文化最伟大的原创艺术形式之一。分析其根源于布鲁斯和拉格泰姆，以及摇摆乐、比波普（Bebop）和自由爵士乐在和声和即兴上的革命性突破。 摇滚乐的社会宣言： 探讨自蓝调摇滚衍生出的摇滚乐，如何成为青年文化、反主流思想和社会变革的载体。分析吉他失真效果的音色意义及其对音乐能量的重塑。 电子音乐的声学疆界： 从磁带实验到合成器音乐（Synthesizer），再到当代数字音频工作站（DAW）。本章分析电子技术如何使声音本身成为作曲材料，以及技术进步对舞蹈音乐（Techno, House）的影响。 流行音乐的结构与营销： 剖析流行音乐在商业逻辑下对简洁旋律、重复结构和易于传播性的依赖，同时探讨诸如嘻哈（Hip-Hop）等新兴流派如何通过歌词和社会评论来对抗商业化倾向。 结语：持续的聆听 音乐的学习是一个无止境的过程。本书提供的知识框架旨在提升听众的批判性思维和审美能力，使其能够更深入、更丰富地欣赏任何形式的音乐。真正的音乐之旅，始于合上本书，再次打开耳朵之时。 （注：本简介旨在全面介绍一个覆盖广泛音乐知识领域的综合性学习资源，其结构和内容深度旨在引导学习者进行系统性的音乐文化与理论探索，完全不包含任何关于“3-CD set for use with The World of Music”的具体内容或指示。）

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说实话，一开始我拿到这套CD时，并没有抱太大的期望，想着不过是些背景音乐罢了。但当我的播放器开始运转，那些熟悉的旋律以一种截然不同的方式在我耳边流淌时，我才意识到自己错得有多离谱。这本书（或者说这套CD）的强大之处在于，它不仅仅是播放音乐，更像是在进行一场精心策划的音乐导览。我记得其中一段关于印象派音乐的介绍，当那段德彪西的《月光》响起时，文字和声音完美地结合，我仿佛真的置身于一个朦胧的月夜，感受着那份宁静与神秘。 最让我惊艳的是，它能够捕捉到音乐中那些微妙的情感变化，并用清晰易懂的方式传达出来。不是简单的“这段音乐很悲伤”，而是通过对旋律走向、和声色彩的细致剖析，让我明白为什么这段音乐会让我感到悲伤，它如何通过特定的音乐手法来唤起这种情感。我曾经花很多时间去理解肖邦的夜曲，但总是觉得隔靴搔痒，直到听到CD里对一首夜曲的解析，我才恍然大悟，原来那些看似随意的琶音和细腻的装饰音，承载着如此丰富的情感层次。这套CD，真的让我对“倾听”这两个字有了全新的理解。

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我一直认为，音乐是情感的语言，而《3-CD set for use with The World of Music》这本书（以及它附带的CD）则是我理解这门语言的绝佳导师。它没有华丽的辞藻，也没有故弄玄虚的理论，而是用最直接、最动人的方式，让我感受音乐中的喜怒哀乐。我记得在我心情低落的时候，听了CD里关于肖邦降E大调夜曲的片段，那种温柔而又带着一丝忧伤的旋律，就像一位老友在安慰我，让我找到了内心的平静。 最让我感动的是，它能够挖掘出音乐中那些最深层的情感共鸣。它不会告诉你“这首曲子很流行”或者“这首曲子很著名”，而是会告诉你，作曲家在创作这首曲子时，可能经历了怎样的情感波澜，他又是如何通过音符来表达的。我记得有一段关于贝多芬《月光奏鸣曲》的讲解，当主持人说到贝多芬当时的心境时，我再听那舒缓而又充满张力的旋律，那种压抑的痛苦和对光明的渴望，竟然变得如此清晰可见。这套CD，让我不再是孤立地“听”音乐，而是真正地“感受”音乐，与作曲家、与音乐本身产生深刻的连接。

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作为一个对音乐史有着浓厚兴趣的业余爱好者，我一直在寻找能够带我穿越时空的音乐体验。《3-CD set for use with The World of Music》无疑满足了我的这一愿望。它不仅仅是一套CD，更像是一扇通往音乐殿堂的时光隧道。我记得有一段关于古希腊音乐的介绍，虽然没有实物录音，但它通过对当时音乐理论和演奏方式的描述，配以一些现代音乐家的模仿演奏，让我仿佛能听到几千年前的旋律在耳边回响。 最让我着迷的是，它能够将不同时期、不同风格的音乐巧妙地串联起来，让我看到音乐发展的脉络。比如，当它从文艺复兴时期的复调音乐过渡到巴洛克时期的音乐时，我能清晰地听到旋律和和声是如何演变的。它并没有简单地罗列事实，而是通过对比和分析，让我理解不同时代音乐的特点和它们之间的联系。我特别喜欢关于印象派音乐的讲解，它用一种非常诗意的方式，描述了音乐如何捕捉自然界的色彩和光影，让我对那些抽象的音乐有了更具象的理解。这套CD，让我在聆听中完成了对音乐史的“一次旅行”。

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我是一个对音乐理论一直感到头疼的人，那些枯燥的术语和抽象的概念总是让我望而却步。《3-CD set for use with The World of Music》却完全颠覆了我对音乐学习的认知。它将理论与实践完美地融合在一起，让我在不知不觉中掌握了许多知识。我记得关于浪漫主义时期音乐的介绍，CD里穿插了一些柴可夫斯基的片段，然后主持人会指出来，这是如何通过戏剧性的旋律和宏大的配器来表现作曲家内心的激情。 最让我印象深刻的是，它没有回避那些复杂的音乐概念，但却用一种非常接地气的方式来解释。比如，在讲解奏鸣曲式的时候，它没有直接抛出“呈示部”、“发展部”、“再现部”这些术语，而是通过一个具体的乐章，一步一步地展示音乐是如何展开的，乐句是如何发展变化的。我甚至能听到一些不同的乐器是如何相互呼应、配合的，这让我对乐器法也有了初步的认识。这套CD的逻辑性非常强，听完之后，我发现自己对音乐的整体结构有了更清晰的把握，不再是零散的听觉碎片，而是有血有肉的有机整体。

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哇，这本书简直是我近年来听音乐体验的一大飞跃！作为一名对古典乐情有独钟但又不太专业的老乐迷，我一直苦于找不到一条既能深入了解又能轻松入门的途径。《3-CD set for use with The World of Music》这本书，或者说它附带的CD，简直就是为我量身打造的。我一直对不同时期、不同作曲家的作品有着模糊的认识，但总觉得缺了点什么，像是在看一幅未完成的画。这套CD的到来，就像是为这幅画添上了色彩和细节。 我最喜欢的是它循序渐进的设计。第一张CD给我的感觉更像是“开胃小点”，用一些耳熟能详的旋律，比如巴赫的一些小品，或者莫扎特著名的交响乐片段，让我回忆起那些曾经听过的、让我产生美好联想的音乐。它不会一下子抛出复杂的理论，而是用非常直观的音乐片段，引导我去感受音乐的旋律、节奏和情感。我尤其记得其中一段关于巴洛克时期赋格的演示，通过几个简单的旋律线条的叠加，我竟然真切地理解了赋格的精妙之处，这比我在书本上死记硬背要生动形象太多了！它让我开始重新审视那些我以为已经很熟悉的曲子，发现其中隐藏的巧思。

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