Jean Tschumi

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出版者:Skira
作者:Gubler, Jacques 编
出品人:
页数:224
译者:
出版时间:2009-09-15
价格:USD 85.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9788857200712
丛书系列:
图书标签:
  • 建筑
  • 设计
  • 现代主义
  • 瑞士建筑
  • 建筑理论
  • 空间概念
  • 形式与功能
  • 建筑师
  • 建筑史
  • Tschumi
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具体描述

Jean Tschumi: Architecture at Full Scale is the first book on the Swiss architect who, after his training at the École des Beaux-Arts in Paris, entered the polemical field of modernity and its technological expression. Interrupted by his tragic death in 1962 at the age of 57, Tschumi’s work is rich in theoretical questions. What is the meaning of design at full scale, not just for carpets, tables, or armchairs? Why does the architect study his compositions at the minimal scale of a "postage stamp"? Is furniture the starting point of architecture? Why should the project be studied through the systematical use of variants? Does the future of the city lie in the planning of deep underground systems?

建筑的诗意与结构:探寻当代空间哲学的多维视角 一部深入剖析现代建筑美学、技术革新与社会语境的重量级著作 本书并非聚焦于某位特定建筑大师的个人传记或单一作品的解读,而是一部宏大叙事下的结构性研究,旨在梳理二十世纪中叶至今,全球建筑思潮的演变脉络、核心驱动力及其对人类居住环境产生的深远影响。它以批判性的眼光审视了“功能主义”的局限性,同时探讨了后现代主义的多元化表达,并最终落脚于当代建筑如何回应气候变化、数字化浪潮与社会公平等紧迫议题。 第一部分:现代主义的遗产与裂变——从理性到批判的转向 本书开篇追溯了包豪斯、勒·柯布西耶等先驱者如何以工业化思维重塑城市形态。它详细分析了国际风格如何以其清晰的几何形态、对新材料(钢筋混凝土、玻璃幕墙)的极致运用,迅速成为全球化扩张的视觉语言。然而,作者并未停留在赞美,而是犀利地指出,这种对普遍性(Universality)的追求,往往忽视了地方性(Locality)、文化差异和人类尺度的情感需求。 随后,我们进入了对现代主义“反思的时代”。书中用大量篇幅探讨了诸如路易·康(Louis Kahn)对光线、物质与场所精神的执着追求,以及阿尔多·罗西(Aldo Rossi)对“城市类型的回归”的呼吁。这不仅仅是风格的转换,更是一种深层次的哲学转向——从对技术进步的盲目崇拜,转向对建筑“意义”(Meaning)的重拾。建筑不再仅仅是高效的机器,它开始寻求与历史记忆、市民生活更深层次的对话。 第二部分:材料的语言与结构的张力——技术美学的新范式 本书的中间部分,聚焦于建筑构成要素本身——材料与结构。作者摒弃了将结构视为纯粹工程问题的传统观念,而是将其提升到美学表达的层面。我们阅读到对张拉整体结构(Tensile Structures)的深入分析,探究了如弗莱·奥托(Frei Otto)的作品中,结构如何优雅地消融于环境之中,达到一种近乎自然的轻盈感。 同时,书中也对“超材料”和数字制造技术在建筑中的应用进行了前瞻性探讨。例如,参数化设计(Parametric Design)如何使得建筑师能够控制复杂的几何形态,并在施工层面实现前所未有的精度。这部分内容详实地展示了计算思维如何成为当代建筑师手中的新画笔,但也警示了技术驱动可能带来的形式主义陷阱——即形式的复杂性是否真正服务于空间体验的丰富性。 书中有一章专门讨论了“表皮”(Façade)的演变。从现代主义的透明玻璃幕墙,到后现代主义的装饰性回归,再到当代可持续建筑中对动态、自适应表皮的研究,作者细致地剖析了建筑外层作为气候调节器、身份标识和信息载体的多重角色。 第三部分:空间体验与社会责任——建筑的场所精神与伦理困境 本书的最终落脚点,在于建筑与人的关系,以及其在更宏大的社会图景中所承担的责任。作者强调了“场所精神”(Genius Loci)在当代全球化语境下的重要性。真正的优秀建筑,无论其设计手法如何前卫,都必须能够锚定其所处的地理、文化和气候环境。书中通过对不同地域(如北欧的木结构复兴、亚洲的密度应对策略)的案例对比,阐述了“地方性语境化”的设计方法论。 在社会伦理方面,本书提出了对“地标建筑”和“巨型项目”的审慎态度。它探讨了在快速城市化进程中,建筑如何可能加剧社会隔离,以及如何在公共空间设计中植入包容性(Inclusivity)与可达性(Accessibility)。作者呼吁建筑师应超越精英阶层的审美趣味,将目光投向经济适用房、灾后重建以及城市更新中的“非正式建筑”现象,从中汲取关于适应性、韧性和社区营造的智慧。 结语:走向共生的未来建筑 本书的结论部分展望了未来建筑的几个核心趋势:循环经济(Circular Economy)对材料选择的影响、人居环境与自然生态系统的深度融合(如生物亲和性设计Biophilic Design),以及建筑作为“积极参与者”而非“被动容器”的角色转变。它不是一本提供标准答案的教科书,而是一份邀请函,邀请读者参与到关于我们未来居住世界的深刻对话之中。 全书行文逻辑严密,论证过程扎实,结合了建筑史学、现象学和批判理论的分析工具,为理解当代建筑的复杂性和深度提供了一个全面且富有洞察力的框架。它适合建筑学专业人士、城市规划研究者,以及所有对人类居住环境与文化表达保持深刻关切的读者。

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读后感

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用户评价

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这本书的配图选择和布局,简直是教科书级别的范例,它完全颠覆了我对“图文配合”的传统认知。通常,插图只是为了佐证文本的论点,起到一个直观说明的作用。然而,在这本书里,图片似乎拥有了独立的生命和话语权。它们往往并非紧跟在描述它们的文字之后,而是被策略性地放置在某一页的对角线位置,或者干脆占据整整一个跨页,以一种近乎沉默的姿态,与旁边的文字形成一种张力或对话。有一页,文字描述的是一种结构体系的“内在逻辑”,而紧随其后的却是一张模糊的、似乎是手绘的草图,线条颤抖,边缘模糊,仿佛是灵光乍现的瞬间记录。这种“不完美”的图像,反而比那些高清晰度的渲染图更具说服力,它揭示了创作过程中的挣扎与思索。我特别喜欢那种大留白的设计,大片的空白区域如同呼吸的空间,让眼睛和思绪得以暂歇,也让那些被重点突出的图像和文字,获得了更大的呼吸感和展示空间。这套编排,无疑是在向读者传达一种信息:阅读,不仅是信息的接收,更是一种空间性的体验。

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随着阅读的深入,我开始注意到作者在引用和参考资料上的独特品味,这部分内容,极大地拓宽了我对相关领域的认知边界。他似乎有一种能力,能够从那些看似风马牛不相及的领域中,挖掘出与核心主题产生共鸣的“思想的碎片”。我本以为这会是一本专注于某个特定时间段或地域的论述,但令人惊讶的是,他能将某种古老的东方哲学思想,与二战后某个新兴的材料科学进展并置讨论,并从中找到一条清晰的脉络。这种跨学科的对话,让原本可能枯燥的理论分析,变得生动而富有启发性。而且,他引用的文献来源非常小众,很多都是我从未听说过的期刊文章或者私人档案,这表明作者在进行研究时,付出了远超常人的深度和广度。每当读到一个新的引文,我都会被激发去查找那个陌生的名字或标题,这种“引导式探索”的感觉,让我觉得自己不是在被动接受知识,而是在与作者并肩探险,共同揭开隐藏在历史深处的线索。

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这本书给我的整体感受,更像是一场精心策划的、漫长而克制的“情绪漫步”,而非一次直奔主题的知识获取之旅。它的语言风格时而如同严谨的几何证明,逻辑清晰,毫无赘述;时而又像是一首带有强烈个人情感色彩的抒情诗,充满了对“未完成”和“可能性”的咏叹。我发现在阅读某些关于“空间转化”的章节时,我的身体仿佛也跟着书中的描述产生了微妙的共振,仿佛我的感知器官被某种看不见的力量调校到了一个新的频率。这种“共振”体验,是阅读任何其他建筑或艺术类书籍时都未曾有过的强烈感受。它不提供现成的答案,它提供的是一套观察世界的“透镜”,教会我们如何去看待结构、材料、以及它们在时间长河中的衰变与永恒。合上书时,我感觉自己像刚完成了一场漫长的户外写生,虽然肉体疲惫,但心灵却被某种澄澈的、近乎透明的宁静所充盈。这本书,与其说是一本参考书,不如说是一次深入的、关于“如何存在于空间之中”的哲学沉思。

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我花了整整一个下午,沉浸在那种近乎冥想的状态中,只是翻阅那些介绍性的文字和前言。这本书的行文节奏极其缓慢,作者似乎对每一个词语的选择都怀有近乎偏执的敬畏之心,每一个句子都像是一块经过精心打磨的鹅卵石,光滑、圆润,带着水流冲刷的痕迹。它不是那种快餐式的、追求效率的论述,相反,它要求读者放慢呼吸,甚至需要反复咀嚼那些看似简单的陈述。我发现,作者似乎更热衷于描绘“氛围”和“空间感”的生成过程,而不是直接给出结论。例如,他对“光线如何与材料的颗粒感发生作用”的描述,就占据了相当大篇幅,那种文字的流动性,仿佛能让我真切地感受到阳光穿过高窗,在粗粝的石板地面上拉出长长的、变幻莫测的光影。这种叙事策略,对习惯了直接信息传递的现代读者来说,或许是一种挑战,但对我而言,它更像是一场耐心的等待,等待那些细微的观察慢慢汇聚成宏大的理解。这种对细节的执着,让人不禁猜测,作者本人在生活中,也是一个极度敏锐的观察者。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴,那种深沉的蓝调和封面中央那几笔看似随意的金色线条交织在一起,透露出一种克制而又引人入胜的古典美感。我光是捧着它,指尖摩挲着那略带纹理的纸张,就能感受到一种沉甸甸的历史厚重感,仿佛这本书本身就是一件古董,里面封存着某种不为人知的秘密。装帧的工艺非常考究,书脊的烫金字体在光线下熠熠生辉,即使只是放在书架上,它也散发着一种低调的奢华感,让人忍不住想一探究竟。初次翻开,内页的纸张质地出乎意料地柔和,印刷的清晰度更是无可挑剔,即便是那些细小的引文或注解,也保持着完美的锐利度。我期待着,这本书里收录的某个章节,能像这封面一样,在朴实无华的外表下,蕴含着某种震撼人心的设计哲学或者建筑史观,那种能够让人在合上书本后,仍然久久凝视空白墙壁,试图在现实中捕捉到作者构建的世界观的体验。这本书的物理存在感,已经成功地为阅读设置了一个极高的门槛,我希望内容能够匹配这份精良的包装。

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