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出版者:U. Allemandi

作者:Germano Celant

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1989

价格:0

装帧:Unknown Binding

isbn号码:9788842202066

丛书系列:

图书标签:

• 英文
• 艺术批评
• 艺术史
• 当代艺术
• 意大利艺术
• 贫民艺术
• 20世纪艺术
• 艺术运动
• 雕塑
• 装置艺术
• 绘画
• 文化研究

书籍简介：流动的边界：当代艺术的材料革命与社会介入 第一部分：溯源与观念的重塑 本书深入探讨了20世纪下半叶，尤其是在特定历史和社会语境下，艺术创作领域发生的一场深刻的“材料革命”。这场革命的核心，是对传统精英艺术材料的解构与重估，转向对日常、现成品、废弃物以及非传统介质的大胆采用。 我们首先将目光投向二战后欧洲，特别是意大利和法国，那些对战后物质匮乏、消费主义兴起以及社会结构性问题感到不安的艺术家群体。他们不再满足于画布和青铜所构建的永恒性叙事，而是试图通过触手可及、转瞬即逝的物质，来直接回应社会现实的粗粝质感。 一、从“现成品”到“贫瘠的媒介”：美学观念的转向 本章详细分析了从杜尚以来的“现成品”概念如何被进一步激进化。如果说早期的现成品挑战的是艺术品的“光环”和作者的“天才性”，那么后来的实践则更进一步，挑战的是艺术品作为“奢侈品”或“稀有物”的地位。 我们考察了那些主动选择“低价值”材料的艺术家群体。这并非简单的挪用，而是一种审慎的美学策略。这些材料——生土、木柴、碎布、金属残件——本身就携带着关于劳动、生产、衰败和被遗忘的历史印记。艺术家通过组织和呈现这些元素，激活了它们作为社会证物的潜能。这种对“贫瘠媒介”的偏爱，构成了对既有艺术史话语的一种强有力反驳，它质疑了艺术价值的来源究竟在于材料的稀有性，还是在于观念的强度。 二、身体、空间与时间性的介入 本书的第二部分聚焦于艺术实践如何超越纯粹的视觉对象，转化为一种涉及身体经验和现场性的行为。许多艺术家发现，传统的静态展示方式无法承载其所用材料的内在张力，因此，作品必须被置于一个动态的、时间性的框架中。 1. 行为的物质化：痕迹的考古学 我们研究了那些将身体动作直接“印刻”在材料之上的实践。例如，通过堆叠、捆绑、压制或焚烧等动作，材料被赋予了暂时的形态。这些形态是艺术家与物质进行物理博弈的结果，它们记录了过程中的努力、疲惫与决心。这些作品往往是脆弱的、需要不断维护的，其存在本身即是对“永恒艺术品”这一神话的嘲弄。 2. 场域的解放：从画廊到非正式空间 这些艺术实践对展览空间提出了挑战。当作品材料来自于建筑工地、农田或废弃工厂时，将它们置入白色的、中立的画廊空间，反而削弱了材料的原始语境。因此，许多重要的实践发生在非传统空间：街道、空置的建筑、自然景观。这不仅是展览场地的转换，更是对艺术与生活边界的模糊化尝试。艺术开始在日常生活中“呼吸”，观众的参与不再是被动的观看，而是对所处环境和作品物质性的感官重估。 三、政治的潜文本：生产关系与消费批判 本书的第三部分深入探讨了这些材料选择背后的复杂社会政治含义。艺术家并非孤立于社会之外进行创作，他们的每一次材料选择都是对当时社会经济结构的隐性评论。 1. 劳动与价值的辩证法 通过使用未加工的、需耗费大量体力才能处理的材料（如沉重的石头、大量的泥土），艺术家重新唤起了人们对“劳动”本身的关注。在高度机械化和信息化的时代，这种近乎原始的体力投入，迫使观众思考：什么构成了艺术的“价值”？是资本的投入，还是身体的付出？这种实践间接地指向了工业化生产线上被剥夺的劳动尊严。 2. 消费主义的逆流：暂存与解体 面对战后欧洲强劲的经济复苏和随之而来的消费主义浪潮，这些艺术家选择的材料往往是“反消费”的。它们要么是无法被批量生产的有机物（如冰、树叶），要么是注定要腐烂或消解的废弃物。这种“暂存性”的作品是对“一次性文化”的有力抵抗，它拒绝被快速吸收、被市场定价和被永久收藏。作品的最终消亡，成为了其观念的最终完成。 结论：边界的消融与持续的对话 本书旨在梳理出一条清晰的脉络，展示这些看似朴素的艺术实践，是如何通过材料的革命，成功地将艺术从学院的象牙塔中解放出来，重新置于社会肌理之中。它们没有提供现成的答案，而是通过物质性的存在，持续地向观众发出挑战：去重新审视我们习以为常的环境、我们对“美”的定义，以及我们与所处世界的关系。这种对边界的不断探索和消融，构成了当代艺术图景中不可磨灭的、充满张力的篇章。

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我发现这本书在细节处理上有着令人称奇的耐心，尤其是对于材料本身特性的挖掘。它没有停留在对“粗糙”的简单赞美，而是深入探讨了不同材料——比如铅的延展性、土壤的有机性、镜子的反射性——在特定艺术语境下所蕴含的形而上学含义。书中有一章专门分析了“光”在贫穷艺术中的作用，指出它常常不是被人工照明的产物，而是被材料本身“捕捉”或“折射”出来的。例如，如何一块未加工的石板上的微小纹理，在自然光下会显现出与室内灯光下截然不同的视觉重量感。这种对物理现象的敏锐捕捉，体现了艺术家们对物质世界的敬畏与探索。这本书就像一把精密的解剖刀，一层层剥开了那些看似简单的艺术作品，让我看到了背后隐藏的、与物理学、化学乃至大地学紧密相连的复杂思考链条。读完之后，我再去看任何一件使用自然材料的作品，都会下意识地去寻找它背后的“物质逻辑”。

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坦白讲，这本书的叙述风格颇有些后现代的疏离感，它很少使用那种充满激情的、煽动性的语言来颂扬艺术家的“天才”，反而更像一个冷静的档案管理员，有条不紊地整理着线索。这种克制反而产生了更强大的力量。我印象最深的是关于“过程即作品”的论述部分。书中通过对几个关键项目的详细解构，展示了艺术创作如何从一个“完成品”的追求，转变为对时间流逝、熵增、和自然分解的记录。比如，对某个艺术家将冰块放置在展厅中央直到其完全融化的记录，书里不仅仅展示了照片，更重要的是分析了策展人、观众以及空间环境在这一“融化过程”中所扮演的角色。它迫使我重新思考“观看”行为本身，以及一个艺术作品的寿命究竟由谁来定义——是创作者、收藏家，还是时间本身？这种对观看主体的反思，是我读过所有关于现代艺术的书籍中最为深刻的体验之一。

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我得说，这本书的学术深度是令人惊叹的，它巧妙地将艺术史的宏大叙事与微观的个案分析结合得天衣无缝。作者在论述“可替代性”这一核心概念时，引用了大量的哲学文本，从德勒兹的“块茎”理论到梅洛-庞蒂的现象学视角，构建了一个极其严谨的理论框架来支撑那些看似随意的材料选择。我过去对“Arte Povera”的理解可能仅停留在“用石头、木头、布料”的层面，但这本书让我意识到，这远不止是材料的贫乏，而是一种对“价值”定义的彻底颠覆。它探讨了如何让非艺术品进入艺术的语境，以及这种进入如何反过来挑战了艺术品的“灵光”与“持久性”。阅读过程中，我不得不频繁地停下来，去查阅那些被引用的意大利语文献和被提及的早期展览目录，这种“主动求证”的过程，让我对书中论点的真实性与可靠性深信不疑。它不是一本轻松的读物，但对于想真正理解这一流派复杂思想内核的人来说，绝对是必备的参考书。

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这本书最让我感到兴奋的是它对地域性和政治性的关注。很多西方艺术史教材往往会将“Arte Povera”视为一个纯粹的意大利现象，却忽略了其在都灵、罗马和那不勒斯等地表现出的显著差异。作者用细腻的笔触描绘了冷战后期意大利社会转型的背景，那种工业化进程带来的焦虑感与对地方传统的依恋如何交织在一起，催生了这种对“在地性”的执着。比如，它详细分析了艺术家如何利用当地特有的矿物、农业遗存来创作，这种做法不仅是对国际化艺术趋势的抵抗，更是对自身文化身份的一种确认。书中配图的选择也很有策略性，很多都是早期展览现场的黑白照片，模糊、粗糙，却充满了生命力，它们仿佛在告诉我，这些作品的意义不在于最终被博物馆收藏的精美状态，而在于它们被创作、被展示、被感知的那一瞬间的能量释放。

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这部关于“Arte povera”的书籍，从装帧设计上就散发着一种毫不费力的、却又极具思考性的气息。那种粗粝的纸张质感，仿佛直接从工作室的地面上捡起，带着颜料和尘土的微小印记，完美地呼应了艺术运动本身对“贫瘠”材料的偏爱。内页的排版也很有意思，大量使用了留白，文字像是散落在空间中的碎片，迫使读者放慢脚步，去重新审视每一个词语之间的关系。我尤其欣赏它在收录艺术家访谈时的处理方式，很多记录都保留了口语化的、甚至有些断裂的节奏感，没有过度修饰，这让我感觉自己真的坐在马可·涅罗或者乔瓦尼·安塞莫的旁边，听他们讲述那些关于物质、光线和时间的哲学思辨。这本书不仅仅是一本知识的集合，它更像是一个邀请函，邀请读者进入那个上世纪六十年代末意大利的特定历史语境中去亲身体验那种对传统艺术体系的反叛与重构。它没有试图用宏大的叙事去“定义”贫穷艺术，而是更倾向于呈现其过程、其偶然性与其实践的现场感。

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